Mándame Ivonne,
2021
Zeta Yeyati
Pittura : collage, Stampino, media misti
92 x 59 x 0.5 cm 36.2 x 23.2 x 0.2 inch
626 USD
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92 x 59 x 0.5 cm 36.2 x 23.2 x 0.2 inch Altezza x Larghezza x Profondità
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Localizzazione dell'opera: Messico
"Mándame Ivonne" presenta la quieta intensità di un ritratto femminile che sembra emergere da una lettera mai spedita. Fin dal titolo, l'opera suggerisce una relazione tra assenza, desiderio ed evocazione. Realizzato con tecnica mista su carta, di dimensioni 59x92 cm, il dipinto è costruito con acrilico, stencil, collage e assemblaggio, dando forma a un'immagine visivamente equilibrata e ricca di simboli. La donna ritratta con linee essenziali e una tavolozza di arancione, bianco, nero e grigio è al centro di una scena in cui regna l'armonia compositiva. Il suo sguardo, segno distintivo dell'opera di Yeyati, porta con sé una narrazione inespressa. Il gesto domina sulla rappresentazione letterale e gli elementi ornamentali si fondono perfettamente in un linguaggio di poesia visiva. Con un fascino vintage e un tono leggermente anacronistico, richiama personaggi di storie dimenticate. Come tutte le opere di Yeyati, quest'opera riflette un approccio etico alla creazione artistica. I materiali utilizzati vengono recuperati, riadattati e trasformati in elementi significativi. Il riciclo qui non è una scelta stilistica, ma filosofica, una silenziosa presa di posizione contro lo spreco e l'eccesso. Quest'opera diventa sia una proposta visiva che un atto poetico di trasformazione.
Un linguaggio forgiato tra lo scartato e il poetico
Zeta Yeyati è un'artista visiva argentina che trasforma materiali di scarto in immagini poetiche. Riconosciuto per la sua carriera musicale, le sue origini creative affondano nel disegno e nella lavorazione di oggetti trovati fin dall'infanzia. La sua arte nasce da una profonda sensibilità che osserva ciò che è trascurato e trasforma il banale in significato. Nelle sue mani, i frammenti diventano storie e le texture si trasformano in memoria.
Mándame Ivonne obra de Zeta Yeyati come pezzo chiave del suo universo visivo
incarna i tratti essenziali del suo processo creativo. Pur plasmata da workshop con artisti come Pujía, Ferrari e Aisemberg, l'arte di Yeyati non segue scuole o canoni. Il suo linguaggio è libero, intuitivo e profondamente personale. In quest'opera, stencil, ceramica, collage e materiali assemblati come metallo e legno convergono per formare un ritratto tanto intimo quanto misterioso. Con linee minimali e texture ricche, la figura femminile diventa più di un'immagine. È una presenza, un ricordo, un messaggio mai ricevuto. Il dipinto risuona attraverso la sua composizione silenziosa e la materialità simbolica. ci invita a vedere non solo un volto, ma un mondo costruito dall'assenza e dall'immaginazione.
L'arte come messaggio sospeso
In quest'opera, Yeyati ci offre più di un semplice ritratto. è un messaggio sospeso, una cartolina visiva che parla attraverso il silenzio. Affronta temi di desiderio, interruzione e intimità. La sua palette sobria e l'estetica ibrida ne amplificano la risonanza emotiva. L'opera ci ricorda che l'arte può esprimere ciò che spesso le parole non riescono a esprimere. Attraverso materiali di recupero e uno sguardo personale, emerge come un gioiello poetico e visivo, nato dal gesto, dall'emozione e da un'attenta osservazione.
Informazioni sul venditore
Ilusorio Arte • Francia
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Presentazione
Zeta Yeyati (Burzaco, 1965) è un artista visivo che ha trasformato il riciclo in un linguaggio poetico e la materia dimenticata in un atto di riscatto estetico. Sebbene il pubblico lo abbia conosciuto come musicista in progetti come Los Intocables, La Mississippi o Babel Orkesta, le sue vere radici creative affondano nelle arti visive. L'espressione visiva è stato il suo primo terreno. Prima degli accordi, il disegno. Prima dei palchi, tronchi d'albero intrecciati.
Autodidatta inquieto e sensibile, Yeyati ha frequentato workshop con figure come Antonio Pujía, León Ferrari e Diana Aisemberg, ma il suo lavoro non segue alcuna scuola formale. Si muove liberamente tra ceramica, collage, stencil e assemblaggio. La sua estetica si nutre di ciò che altri scartano: manifesti stradali, scarti di ferro, gambe di mobili, bronzi e legno invecchiato. Un cassonetto è stato il suo primo museo. Poi sono arrivati i mercatini delle pulci, dove continua a collezionare resti per i suoi pezzi unici.
Nelle sue opere, cani, uccelli, musicisti, regine, cavalli e maghi coesistono, come se ogni figura emergesse da una storia più antica dell'oggetto stesso. Il suo repertorio è popolato di personaggi che emergono dal collage con la forza di un sogno lucido. Non cerca di imitare la realtà, ma di reincarnarne frammenti. Come ha descritto il curatore Rodrigo Alonso, la sua arte è una "filosofia vitale", un gesto che sfida il consumismo e abbraccia la possibilità di far rivivere ciò che è dimenticato.
Il colore, presente con sorprendente intensità nelle sue opere recenti, è arrivato attraverso un cambiamento interiore: l'incontro con Milo Lockett, che ha ridefinito non solo la sua tavolozza, ma anche il suo modo di condividere il suo universo. Da allora, l'opera di Yeyati pulsa di un'energia più giocosa, senza perdere la sua profondità simbolica.
Yeyati non si limita a creare immagini: costruisce un'archeologia emozionale a partire dai resti della vita quotidiana. Ogni opera è una storia fatta di tempo, memoria e scarti; un atto di salvataggio che restituisce umanità alla materia. Da quel gesto – profondamente plastico e profondamente umano – la sua arte parla a chi è disposto a guardare oltre la superficie.
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