Tom Reed

Mi arte es la fotografía en blanco y negro, inspirada en muchas, pero especialmente en las fotografías de Ansel Adams, las pinturas al aire libre de las Sierras de Edgar Payne, las pinturas de la Escuela del Río Hudson y la profunda comprensión de la estética de mi maestro, el Dr. Shozo Sato, un maestro de las bellas artes de Japón.
Todas son composiciones naturales. El medio es digital, cada fotografía lleva mi
"Sello" personal, un sello que es la forma tradicional de indicar la autoría en la pintura y caligrafía con tinta china y japonesa. Mis impresiones son giclée de calidad de archivo. Elegí usar cámaras básicas y económicas para enfatizar la importancia de la composición en mi trabajo. La fotógrafa neoyorquina Sylvia Plachy me ayudó a tener confianza con esta elección.
Las composiciones se basan en gran medida en los conceptos del arreglo floral japonés,
incorporando la triunidad dominante/subdominante/subordinado, así como un uso abundante del espacio vacío (en el cielo, la sombra, el agua o la nieve).
La experiencia del asombro es central en mi orientación como fotógrafo.
La contemplación de la belleza me ha llevado a una experiencia yin/yang de belleza reconfortante e impactante (que corresponde a la exhalación y la inhalación). Me interesa principalmente la belleza impactante, lo que la gente llama una escena “conmovedora" o “inspiradora". Considero que las fotografías en blanco y negro son más impactantes y dramáticas, y se experimentan con mayor facilidad como sublimes.
Si se nos presenta una imagen impresionante de la naturaleza, tenemos la
Oportunidad de sentir esa emoción plenamente y de preguntarnos por qué la sentimos. Sospecho que la mayoría de la gente llegará entonces a la conclusión de que la Naturaleza es de algún modo sagrada, o incluso divina. Tal vez entonces la visión utilitarista dominante de la Naturaleza empiece a cambiar hacia una visión de reverencia.
Este cambio es esencial en esta época de deterioro ambiental. Considero que mi trabajo es un
contribución a la supervivencia misma de la humanidad.
Mi esperanza es que mis imágenes provoquen en el espectador un éxtasis estético y le provoquen asombro.
e inculcar una reverencia por el espectacular planeta que habitamos y que debemos cuidar si queremos que nuestra especie evolucione hasta alcanzar nuestro máximo potencial.

Educación:

Licenciatura en Artes, Universidad Rutgers

Premios y distinciones:

Mi libro, LOS AVATARES DE GRANITO DE LA PATAGONIA, obtuvo la máxima mención honorífica en la división de libros de arte del Premio Nacional Eric Hoffer.
No participo en concursos de fotografía, pero mis fotos han sido seleccionadas varias veces para aparecer en la galería de fotografías en línea Your Daily Photograph.

Exposiciones:

Numerosas exposiciones en California, Alaska, Vermont y en línea.
Exhibida permanentemente en la Galería Beautiful Earth, California

Experiencia Profesional/Docente:

Mi presentación TEDx en Home, Alaska fue votada como la mejor del evento:

Influencias artísticas:

En mis días de estudiante, cuando sentí por primera vez que la naturaleza me atraía, estaba en la Costa Este, en Rutgers, y me fascinaban las historias de los bosques vírgenes de frondosas orientales que se escribieron dos siglos antes que yo, en la era de Emerson y Thoreau. Entre esas páginas encontré láminas de las pinturas de la Escuela del río Hudson y me encantó la emoción que transmitían. Nunca estudié las pinturas ni a los artistas, pero aprendí a reconocer a mis favoritos (Albert Bierstadt y Asher Durand) y siempre estaba atento a más, como WS Haseltina.

Al mismo tiempo comencé a estudiar fotografía y no me impresionó tanto el trabajo de Ansel Adams. Su uso del negro me dio una fuerza que admiré.

Mucho después, cuando estaba montando exposiciones de arte en salas de convenciones, hangares y gimnasios, me encontré con las espectaculares pinturas al óleo de las Sierras de Edgar Payne. Su capacidad para capturar la luz de las montañas y el estado de ánimo que se siente en presencia de inmensos muros de granito me fascinó una y otra vez.

Las obras de todos estos artistas tenían en común un cierto dramatismo: retrataban un coraje inmenso, aparentemente indomable, crudo y exigente, por no decir amenazador, y transmitían una sensación de asombro.

Luego comencé a estudiar la estética japonesa con el Dr. Shozo Sato, quien, después de más de 50 años como maestro del té, tiene un dominio del tema que muy pocos en el mundo igualan. Yo me había sentido atraída por el sentido japonés de la belleza durante años, pero Sato sensei me ayudó a entender a qué estaba respondiendo. Y encontré algunas de sus obras profundamente conmovedoras también.

Por último, cuando asistí a un simposio de fotografía en Alaska en 2004, conocí a Sylvia Plachy, una fotógrafa famosa que había trabajado principalmente con las calles de Nueva York. Tenía una exposición como parte del evento y me impresionó su sentido de la composición y el hecho de que se apoyara en ese sentido y que a menudo utilizara una Holga china de baja tecnología, una cámara de cajón (como una brownie o una instamatic). Esto confirmó y me dio confianza en mi creencia de que "no es la cámara". La fuerza de una composición hará que una fotografía no sea técnicamente impresionante. Tengo poco interés en los aspectos técnicos de la fotografía, pero me fascina profundamente la composición. Esto me distingue del resto con mi cámara digital compacta.

Más que la fotografía, mi arte es ver una composición dramática o encontrarla (a menudo una tarea ardua), registrarla y darle los tonos ricos que ayudan a la imagen a comunicar el poder de lo que vi.
Me esfuerzo por crear imágenes que me inspiren a diario, tal como me han inspirado las imágenes de los artistas antes mencionados. Invito al espectador a sentir su respuesta a mis fotografías y a preguntarse por qué siente una emoción tan profunda. Espero que la respuesta ayude a fomentar el respeto por nuestro preciado medio ambiente.

Etiquetas:

Desierto, blanco y negro, montaña, Ansel Adams, paisaje, dramático.