Brian Schorn

Brian Schorn est un artiste multidisciplinaire américain qui explore depuis son atelier, le Studio Rubedo, plusieurs techniques comme l'assemblage, le collage, la peinture, le dessin, la sculpture et la photographie.

Il possède plusieurs master en arts visuels, musique, écriture créative et design. Depuis les années 1980 Brian Schorn expose aux USA et à l'international et compte à ce jour douze expositions individuelles et plus de soixante-dix expositions collectives. Il assiste régulièrement à des résidences d'artistes à travers les États-Unis et aspire à, un jour, s'installer au Japon.

Ses projets annexes (musique, poésie et design) ont également une portée internationale. Ses oeuvres sont détenues par des institutions publiques et de nombreux collectionneurs privés. En complément de son expérience artistique, Brian est un naturaliste avide, un aventurier de plein air et un pratiquant de la méditation dans la tradition bouddhiste de Shambhala.


STATEMENT

En tant qu'artiste et en tant qu'être humain, je cherche à explorer la transmutation de la matière et de l'esprit pour le bénéfice de tous. Par conséquent, je m'intéresse aux pratiques d'art contemplatif qui se concentrent sur une variété de sujets tels que la perception et la conscience ordinaires, l'interconnexion, l'impermanence, l'équanimité, la non-dualité et le miracle de la nature. Je recherche et expérimente des états méditatifs et des espaces visuels qui sont exempts de souffrance, débroussaillant ainsi un chemin vers une manière éclairée d'expérimenter le monde qui nous entoure.

J'utilise des objets trouvés et naturels (reconnaissant notre lien profond avec l'environnement), l'humour (approche légère et ludique de la vie), la simplicité (le moins fait le plus). Je porte une attention toute particulière au processus (préparation de l'encre sur la pierre pour la calligraphie, etc), j'aborde le monde d'une manière curieuse et ouverte. En fin de compte, ma pratique artistique contemplative est une tentative constante de voir les choses telles qu'elles sont plutôt que d'utiliser les choses parce qu'elles sont. Une sorte de koan Zen, en somme...

Généralement, j'utilise deux thèmes pour interconnecter les aspects matériel (matériel) et spirituel (esprit) de mon travail. Ces deux thèmes sont «wabi-sabi» et «enso». Premièrement, le concept japonais de «wabi-sabi» est une esthétique qui embrasse la beauté des objets imparfaits, incomplets et impermanents. Les objets quotidiens trouvés et naturels qui fournissent la matière première de mon travail, les objets que j'ai tendance à collectionner, sont rouillés, flétris, pourris, brisés, fendus et décolorés par le temps. Deuxièmement, mon travail comprend une exploration de l'enso, cette calligraphie japonaise créée par les moines Zen comme une forme de méditation. L'enso suggère non seulement un moment d'illumination, mais la nature cyclique de toutes les choses qui se déplacent à travers les étapes de leur existence: début, fin qui n'est qu'un nouveau début.