Wie der Name schon sagt, wird als Street Art jene zeitgenössische Kunstbewegung bezeichnet, welche alle Formen von Kunst umfasst, die auf der Straße oder allgemein im öffentlichen Raum entstehen. Der öffentlichen Raum wird hierbei als Ausdrucksmittel und als Möglichkeit genutzt, eine Botschaft an eine große Anzahl von Menschen zu richten.Die ersten Graffiti-Künstler in den USA leiteten in den 1960er Jahren die Anfänge der modernen Straßenkunst ein. Einer der Einwohner begann, seinen Namen an die Stadtmauer zu schreiben, um die Aufmerksamkeit seiner Geliebten zu erregen. Viele andere machten es ihm bald in der ganzen Stadt gleich. Ende der 60er Jahre erreichte die Street Art schließlich New York City, wo die Künstler den “Betondschungel", die Plakatwände und vor allem die U-Bahn in Beschlag nahmen. Mit der Kommerzialisierung der Sprühfarben wurden gleichzeitig die Gesetze verschärft, weswegen die Street Art auch oft als rebellisch und vandalistisch angesehen wird. Zu den bekanntesten Graffiti-Künstlern dieser Zeit gehörten Quik, Futura 2000 und Phase 2.Graffiti kann zahlreiche Formen annehmen, wie z. B. Tagging (Unterschriften) und Fresken; großflächige Werke, bei denen dekorative Schemata und Muster den Schriftzügen hinzugefügt werden. Nach und nach verbreitete sich die Straßenkunst weltweit und es entstanden neue urbane Ausdrucksformen wie Schablonen (Stencils) oder Sticker. Künstler entwickelten nach und nach ihre eigenen Markenzeichen, die dank einer einzigartigen Signatur oder eines bestimmten Stils wiedererkannt werden kann: die Ratte von Banksy, die Mosaike von Invader, die weißen Männer von Jérôme Mesnager, …In Frankreich debütierte die Street Art Anfang der 70er Jahre, aber erst in den 80er Jahren kam sie mit Künstlern wie Blek le Rat und Jérôme Mesnager richtig in Schwung. Es entstand eine neue Dynamik und vor allem begannen die Werke mit Blick auf ihre Beständigkeit zu entstehen. Dies lässt sich durch verschiedene Faktoren erklären:Immer mehr Künstler wollten ihre Kunstwerke dauerhaft erhalten und unbesorgt malen, zumal die polizeilichen Sanktionen gegen Straßenkünstler in den 1980er und 90er Jahren weiter verschärft wurden. Die erste Ausstellung, die der Street Art gewidmet war, fand 1972 in New York statt und ebnete den Weg für die weltweit führenden Museen für moderne und zeitgenössische Kunst: das Palais de Tokyo in Paris, die Tate Modern in London, etc. Dieser Eintritt der Street Art in den Kunstmarkt spaltete die Künstler, viele von ihnen fürchten die Institutionalisierung ihrer Kunst (die von Natur aus dezidiert inoffiziell ist) und gleichzeitig den Verlust der Interaktion mit Öffentlichkeit.Heute kombinieren viele Künstler Street Art mit der Arbeit im Atelier, manche von ihnen sind in den größten Galerien für zeitgenössische Kunst zu finden. Die Straße ist zu einem Sprungbrett geworden, um Anerkennung zu erlangen. Auch die bekanntesten Street Art Künstler wie JonOne, Shepard Fairey, Blek le Rat, Jef Aérosol, Banksy und Miss Tic setzen ihre Arbeit auf der Straße - legal, auf autorisierten Flächen - fort. Auf Artsper finden Sie eine große Auswahl an zeitgenössischer Street Art von bekannten Künstlern bis hin zu aufstrebenden Talenten. Entdecken Sie die Werke wie des legendären M. Chat, minimalistische Arbeiten von L'Atlas, markante Porträts von Jef Aérosol und farbenfrohe, geometrische Werke von Okuda.

Bei der abstrakten Malerei ist anders als bei der gegenständlichen oder figurativen Kunst nicht das Erfassen des Abbilds eines Motivs das Ziel des Künstlers, ganz im Gegenteil: sie löst sich weitgehend von der Realität. Auch wenn wir die Bedeutung hinter einem abstrakten Werk ohne zusätzliche Informationen nicht nachvollziehen können, kann es ihm dennoch gelingen, ein Gefühl und eine Emotion zu vermitteln. Oft werden die Anfänge der Abstraktion mit dem Künstler Wassily Kandinsky und der von ihm initiierten künstlerischen Revolution im 20. Jahrhundert in Verbindung gebracht. Als einer der ersten Maler der Bewegung löste er sich zusammen mit Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian und Kupka von der gegenständlichen Kunst. Kandinsky brachte seine Auffassungen von Abstraktion nicht nur durch seine Kunst, sondern auch in seinem schriftstellerischen Schaffen zum Ausdruck: Im Jahr 1910 veröffentlichte er sein Werk "Über das Geistige in der Kunst", in dem er die symbolische Bedeutung jedes der in der Malerei vorhandenen Elemente verteidigte, die jedem Kunstwerk eine spirituelle Dimension verleihen. Im selben Jahr stellte er auch sein “Erstes abstraktes Aquarell" vor. Die abstrakte Kunst war geboren. Der Figurativismus wurde zugunsten der neuen Bewegung zurückgedrängt, in der sich die Künstler direkt mit dem Ungreifbaren und Immateriellen auseinandersetzen, ohne sich explizit auf ein Thema festzulegen. Mehrere Untergattungen begannen zu entstehen. Kasimir Malewitsch wurde durch sein legendäres Gemälde "Schwarzes Quadrat" von 1915 bekannt, gefolgt von "Weiß auf Weiß" im Jahr 1918, mit dem er den Grundstein für den Suprematismus legte. Malewitsch glaubte, dass sich ein Gemälde aus einem Ensemble unabhängiger Kräfte zusammensetzt, die sich gemeinsam entwickeln können, um ein Gefühl der Harmonie und des Gleichgewichts innerhalb des Werks zu finden. Dass Abstraktion  auch eine lyrischere Form annehme kann - besonders wenn sie von Musik begleitet wird - zeigte beispielsweise Kandinskys "Bild mit dem schwarzen Bogen". Das großformatige Gemälde entstand 1912 und wird als Wendepunkt einer neuen Ära in der Kunstgeschichte gesehen. Dieser Umstand, dass Kandinsky an Synästhesie litt, kann als ein entscheidender Auslöser für den Wunsch des Künstlers gesehen werden , eine neue künstlerische Sprache schaffen zu wollen: Die Synästhesie ließ Kandinskys Sinne miteinander verschmelzen und verwandelten in seiner Wahrnehmung beispielsweise Klänge in Formen und Farben. Kandinskys Verwendung von Farben ist also weit mehr als eine Frage der Ästhetik; sie verkörperte die Art und Weise, wie er die Welt wahrnahm. Für seine abstrakten Gemälde wählte er jede Farbe sorgfältig aus, wovon jeder eine bestimmte symbolische Bedeutung zukam. Mit seiner abstrakten zweidimensionalen Malerei gelingt es Kandinsky, dem Betrachter das Gefühl zu geben, er würde ein ganzes Orchester spielen hören. Parallel und gleichzeitig im Kontrast zur lyrischen Abstraktion steht die geometrische Abstraktion. Wie der Name schon sagt, dreht sich diese Form der Abstraktion um die Verwendung geometrischer Formen, um eine gewisse Klarheit im Gemälde zu erzeugen. Linien, Quadrate, Rechtecke, Dreiecke und Kreise kollidieren mit der Verwendung von kräftigen Primärfarben und ihren Farbabstufungen sowie unbunten Farben. Kupka war einer der wichtigsten Vertreter der Bewegung, wollte aber dennoch nicht mit ihr in Verbindung gebracht werden, da er der Meinung war, dass Kunst das genaue Gegenteil von abstrakt sein sollte; sie sollte konkret und real sein. Neben ihm legte Mondrian den Grundstein für die geometrische Abstraktion mit seiner charakteristischen Verwendung von sauberen Formen und Rechtecken. Der Künstler entwickelte seinen einzigartigen Stil, indem er seine Bilder um ein zugrunde liegendes orthogonales Gitter strukturierte und scharfe rechte Winkel verwendete. Nicht zu vergessen ist auch der Einfluss, den Robert und Sonia Delaunay auf die Entwicklung der Abstraktion hatten: Das Paar beeindruckte den französischen Kritiker und Dichter Guillaume Apollinaire mit seinen kreisförmigen Formen und der Verwendung von Farbe. Apollinaire taufte ihre Kunst “Orphismus" - eine Anspielung auf die mythologische griechische Figur Orpheus sowie auf den Titel eines seiner eigenen Gedichte, das seiner Meinung nach an die "leuchtende Sprache" in ihren Bildern erinnerte. In dieser Hinsicht scheint der Orphismus mehr mit lyrischer als mit geometrischer Abstraktion gemein zu haben. Obwohl die abstrakte Kunst in vielerlei Hinsicht mit früheren künstlerischen Traditionen bricht, kann die Bewegung auch als das unvermeidliche und logische Ergebnis der Arbeit und des Denkens früherer Künstler gesehen werden: Zu Beginn des Jahrhunderts erforschte der Fauvismus die Bedeutung der Farbe, während Kubisten begannen, Formen zu dekonstruieren und mit der Geometrie zu spielen. Auf ähnliche Weise förderte der im Jahr 1905 entstandene  Expressionismus die Idee, dass unabhängige, von der Realität losgelöste Emotionen im Mittelpunkt der Arbeit eines Künstlers stehen sollten. Dank der Abstraktion konnte sich die moderne Kunst weiter entfalten und schon bald ihren Höhepunkt erreichen. Indem sie sich nicht mehr auf physische Themen konzentrieren, sind Künstler heute nicht mehr auf die Darstellung der erkennbaren Realität beschränkt. Abstrakte Kunst spricht eine universelle Sprache, hat seit ihren Anfängen große Verbreitung auf der ganzen Welt gefunden und viel zum heutigen zeitgenössischen Denken beigetragen.

In den 1830er Jahren fand Nièpce das Verfahren zur Befestigung von Bildern auf Zinnplatten. Als er 1833 starb, setzten Louis Daguerre und dann François Arago seine Forschungen fort und erfanden schließlich die Daguerreotypie, die ein Bild auf eine belichtete Silberplatte druckt. Sie erfinden die Fotografie. Die ersten Fotos sind geboren. Zunächst nur zu Forschungszwecken eingesetzt, demokratisierte sich die Fotografie mit der Eröffnung von Daguerreotypie-Werkstätten und verewigte die Gesichter des Bürgertums und bald darauf der gesamten Bevölkerung. Berühmtheiten waren nicht zu übertreffen, wenn Fotografen ihre Porträts festhielten, wie es Jean-Loup Sieff während seiner Karriere mehr als ein Jahrhundert später tat. In seinen frühen Tagen erforderte eine Porträtfotografie oder sogar ein Familienfoto eine große Zeremonie und konnte Stunden dauern, bis es im Studio aufgebaut war. Doch später, dank der technischen Errungenschaften mit dem Aufkommen von Kompaktkameras wie der Leica und später den DSLRs, wurden die Belichtungszeiten erheblich reduziert und die Anzahl der Aufnahmen vervielfacht. In diesem Sinne entwickelte sich die Fotografie von Lebensszenen oder häuslichem Leben nach dem Zweiten Weltkrieg in den wohlhabenden Schichten und bei den Stadtbewohnern. Familienleben, Paarleben, Gemeinschaftsleben, die Künstler interessieren sich für die Momente des alltäglichen Lebens (Heiraten, Küssen, Spielen der Kinder...). Sowohl die einfachsten Momente als auch die wichtigsten Lebensabschnitte werden so mit Film verewigt und es entstehen wunderschöne humanistische Fotos. In diesem speziellen Genre der Lebensszenenfotografie haben große Fotografen wie Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, David Goldblatt, Martin Parr oder Vivian Maier, um nur einige zu nennen. Vivian Maier ist eine amerikanische Fotografin, die 1926 in New York geboren wurde. Als professionelles Kindermädchen in Chicago verbringt sie ihre Freizeit damit, die Welt um sie herum zu fotografieren, insgesamt fast 150.000. Nachdem sie ihr Leben in der Anonymität verbracht hat, wird ihr Genie im Jahr 2007 endlich für ihre Arbeit in der Lebensfotografie anerkannt. Henri Cartier-Bresson, 1947 zusammen mit David Seymour und Robert Capa Mitbegründer der Agentur Magnum, war ein echter Wegbereiter des Fotojournalismus, aber auch ein brillanter Kunstfotograf. Er revolutionierte die Fotografie, indem er mit sehr leichten fotografischen Geräten arbeitete. Er benutzt weder Stativ noch Kamera und arbeitet nach dem Prinzip der Unmittelbarkeit. Für ihn ist "die Kamera vor allem ein Skizzenbuch". Die fotografische Technik von Henri Cartier-Bresson ist einzigartig und für alle erkennbar. In seinen Kompositionen wird niemals ein Blitz verwendet, er nutzt nur das natürliche Licht, das für die Life-Scene-Fotografie charakteristisch ist. Auch in Cartier-Bressons Schwarz-Weiß-Fotos leben die Motive der gleichen Aufnahme zusammen, aber oft sind die Figuren nicht zentriert. Sein Fokus, sein Bildausschnitt und die Tiefenschärfe, die er verwendet, sind so viele Details, die es uns ermöglichen, die Schönheit der einfachsten alltäglichen Dinge zu erfassen, die er sublimiert. Artsper lädt Sie ein, die Arbeit des Künstlers und vieler anderer in dieser einzigartigen Auswahl von Fotografien zu entdecken, die als gestohlene Momente im täglichen Leben von Männern und Frauen auf der ganzen Welt aufgenommen wurden.

Das Porträt ist eines der wichtigsten Themen der Malerei. Die Disziplin hat sich im Laufe der Zeit stark verändert und blickt auf eine faszinierende Geschichte zurück:  In der Antike waren Porträts ausschließlich Göttern und den einflussreichsten Personen der Gesellschaft vorbehalten. Gemälde und Statuen, die die Körper der Verstorbenen darstellten, wurden zur Dekoration der Gräber in Ägypten geschaffen. Sie waren nicht realistisch, sondern wiesen eine sehr standardisierte Darstellung der einzelnen Körperteile auf. Im Gegensatz zu den Ägyptern waren die griechischen Maler und Bildhauer - die die menschliche Anatomie besser kannten - um mehr Realismus bemüht. Viele Gemälde aus dieser Zeit wurden auf Vasen gemalt und stellten Götter und mythologische Szenen dar. Die meisten Porträts wurden im Mittelalter in Auftrag gegeben und zeigten die wichtigsten Persönlichkeiten der damaligen Zeit; sie wurden in religiösen Szenen gemalt, um ihre Frömmigkeit und ihren Glauben sowie ihren sozialen Status zu betonen. Nach der Fertigstellung dieser Kunstwerke, wurden sie häufig Kirchen und Klöstern gestiftet. Die Renaissance war für die Künste ein Wendepunkt - die Porträtmalerei war dabei keine Ausnahme. Zu Beginn dieser Periode waren die Künstler nicht an einer lebensechten, realistischen Darstellung interessiert. Die Porträtierten bzw. die dargestellten Personen waren durch die Verwendung von symbolischen Gegenständen und die Angabe ihres Namens identifizierbar. Giotto revolutionierte die Porträtmalerei, indem er die Bildhauerei nachahmte. Er begann, Schatten zu malen, die Mimik der Porträtierten und Tiefenwirkungen darzustellen und widmete sich perspektivischen Verkürzungen; sein Wissen verbreitete sich schnell. Brunelleschi führte dann die Idee der Perspektive in der Architektur ein, ein Konzept, das Masaccio auf die Malerei übertrug. Italien wurde zum Zentrum der Porträtmalerei, und die wichtigsten italienischen Familien (darunter die Familie Médici) gaben bei den besten Malern Werke in Auftrag. Der Wettbewerb zwischen diesen Malern veranlasste sie zu Innovationen und führte dazu, dass sie einige der größten Kunstwerke der Geschichte schufen. Das berühmteste ist zweifelsohne die Mona Lisa von Leonardo de Vinci. In Nordeuropa wurde die flämische Kunst im 16. Jahrhundert durch den Ikonoklasmus während der Reformation eingeschränkt; einer Zeit, in der die Darstellung religiöser Figuren verboten war. Die Künstler wandten sich der höfischen Kunst zu, die in den folgenden Jahrhunderten besonders beliebt war. Ein Jahrhundert zuvor hatte die flämische Kunst mit Jan Van Eyck, dem Erfinder der Ölmalerei (der bevorzugten Maltechnik aller Renaissance-Maler) und Meister des detaillierten Realismus, der eine ganze Generation flämischer Maler beeinflusste, einen Wendepunkt erreicht. In den folgenden Jahrhunderten blieb die Porträtmalerei eine Kunstform für die Elite der Gesellschaft. Dennoch bemühten sich die Maler  zunehmend um eine realistische Abbildung der Figuren und um die Vermittlung der Gefühlswelt der Dargestellten. Im 20. Jahrhundert zeichnete sich ein neuer Trend ab: Die Porträtierten wurden nicht mehr gemalt, um schön auszusehen (manchmal zu deren großen Missfallen). Ende des 19. Jahrhunderts wurden die impressionistischen Maler zunehmend  unabhängiger von plastischen Modellen und dem Einfluss der Bildhauerei. Sie verließen ihre Ateliers und malten Porträts im Freien, "en plein air". Sie fingen das Licht so ein, wie sie es sahen, und malten Gruppen von Menschen zusammen und nicht in mehreren Etappen. In der modernen und zeitgenössischen Kunst des 20. Jahrhunderts war in Bezug auf das Porträt alles erlaubt. Künstler wie Gustav Klimt, Pablo Picasso, Paul Gauguin und Lucian Freud stellten traditionelle Techniken und kodifizierte Regeln auf den Kopf und entwickelten ihren eigenen, einzigartigen Stil. Entdecken Sie Porträts von Philippe Pasqua, Robert Combas, Guangyu Dai und Erró auf Artsper.

Die Geometrie war schon immer eine der Grundlagen für künstlerische Innovationen, angefangen bei den Pyramiden in der ägyptischen Kunst, über die Verwendung des goldenen Schnitts im antiken Griechenland und Rom bis hin zur Renaissance. Im 20. Jahrhundert steht die Geometrie im Mittelpunkt der abstrakten Kunst und des Minimalismus. Piet Mondrian, Malevitch, Vassily Kandinsky, Fernand Léger und Victor Vasarely sind einige der berühmten Künstler, in deren Schaffen Geometrie eine wichtige Rolle spielt.

Der Begriff "Pop Art" leitet sich von "popular art" (populäre Kunst) ab und bleibt eine der zentralen künstlerischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts. Die Kunstbewegung kam erstmals in den 1950er Jahren in Großbritannien auf, verbreitete sich schnell und inspiriert bis heute Kunstschaffende und Kunstliebhaber auf der ganzen Welt. Pop Art zeichnet sich sowohl durch die Themen aus, die in ihren Werken behandelt werden, als auch durch die Techniken, mit denen sie erstellt werden. Pop Art ist vielfältig und hat nicht nur die bildende bzw. plastische Kunst beeinflusst (Collage, Skulptur, ...) sondern auch andere kreative Bereiche wie die Musik oder die Mode. Unter den vielen technologischen Revolutionen, die die Geschichte der Malerei beeinflusst haben, ist eine der bedeutendsten sicherlich die Acrylfarbe, welche aus einer Kombination von Pigmenten, Harz und Terpentin hergestellt wird. Im Vergleich zur traditionellen Ölfarbe hat Acryl zahlreiche Vorteile: Es trocknet unglaublich schnell, braucht keinen Firnis und ist sehr haltbar; viele Pop Art-Künstler bevorzugten daher heute die Verwendung von Acryl.Eine weitere Erfindung, welche ebenfalls maßgeblich zum Erfolg der Pop Art beitrug, war die Popularisierung des Siebdrucks (Druckverfahren, bei dem mit Hilfe einer Schablone dasselbe Bild mehrmals auf eine Leinwand reproduziert wird). Werke der amerikanischen Pop Art werden häufig in Serie gedruckt und mit einer Reihe innovativer industrieller Verfahren hergestellt. Diese Innovationen waren zunächst weitgehend diskreditiert und sogar verpönt, bis zwei Schlüsselfiguren der Pop Art-Bewegung auftauchten und zur Förderung der Techniken beitrugen ...Andy Warhol und Roy Lichtenstein gehörten zu den Vorreitern, die ihre Vorliebe für neue Methoden offen zum Ausdruck brachten. Indem sie sich Techniken aneigneten, die bis dahin ausschließlich in der Industrie verwendet worden waren, revolutionierten die beiden Hauptvertreter der Pop Art die Kunstwelt. Die zeitgenössische Malerei ist seitdem in seiner Popularität gestiegen, und der Wert eines Kunstwerks wird nicht mehr an seiner Seltenheit oder dem dargestellten Thema gemessen.Die amerikanische Pop Art wandte sich von einer langen künstlerischen Tradition ab und ebnete den Weg für die postmoderne zeitgenössische Kunst, indem sie Alltagsgegenstände aus der Massenkultur zum Thema machte (Coca-Cola, Heinz-Ketchup, ...). Die Sujets wurden bewusst gewählt, weil sie banal und gleichzeitig populär waren.Die Pop Art Bewegung steht der Konsumgesellschaft kritisch gegenüber und stellt oft ironisch berühmte Figuren aus der Popkultur dar, um ihre Kritik zu vermitteln (Marilyn Monroe, Mick Jagger, Mickey Mouse, Audrey Hepburn). Die Illustrationen, die an Werbung oder Comics erinnern, zeichnen sich durch die Verwendung sehr einfacher Linien und minimalistischer Details aus.Um den drastischen Bruch der Bewegung mit der bildenden Kunst und ihren traditionellen Sujets zu verstärken, arbeiteten die Künstler mit einer leuchtenden Farbpalette, die im Wesentlichen aus den Primärfarben Rot, Gelb und Blau bestand. Die Verwendung leuchtender Farben findet sich in Dutzenden, wenn nicht gar Hunderten von kitschigen Pop-Art-Gemälden wieder.Der Wunsch der Pop Art, die Kunst zu entweihen, oder zumindest die bis dahin geltenden Sichtweisen auf sie umzukehren, erinnert auch an die Ideen des Dadaismus. Das Hauptziel der amerikanischen und britischen Pop Art bestand jedoch darin, die Kultur einer möglichst großen Zahl von Menschen zugänglich zu machen. Der Pop-Stil setzte sich sehr schnell durch und schuf  eine neue Art der Malerei. Dennoch entschieden sich viele Künstler der Bewegung ab den 1970er Jahren, die Pop Art zugunsten anderer Protestkunstbewegungen aufzugeben.Entdecken Sie auf Artsper Reihe an Pop Art-Gemälden von aufstrebenden Talenten sowohl als auch von bekannten zeitgenössischen Künstlern wie James Rosenquist, David Salle, Jasper Johns, Andy Warhol, Tom Wesselman und David Hockney.

Street Art ist eine zeitgenössische künstlerische Bewegung, die alle Formen von Kunst, die auf der Straße oder im weiteren Sinne im öffentlichen Raum entsteht, zusammenfasst. Im Französischen wird sie "Street Art" oder "Urban Art" genannt. Innerhalb dieser Bewegung ist der öffentliche Raum ein Ausdrucks- und Verbreitungsmedium für die größte Anzahl von Menschen. Weit davon entfernt, ein Novum in der Geschichte zu sein, markiert das moderne Graffiti die Anfänge der Straßenkunst. Es wurde in den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten, in der Stadt Philadelphia, geboren. Ein Bewohner der Stadt beginnt, seinen Namen an die Wände der Stadt zu schreiben, um die Augen derjenigen, die er liebt, auf sich zu ziehen. Er wurde später von vielen anderen Stadtbewohnern nachgeahmt. Ende der 1960er Jahre verbreitete sich die Praxis und erreichte New York, in einem Kontext der Verdichtung des städtischen Verkehrs und der Betonstädte, der Entstehung von Vorstädten und der Allgegenwart von Werbung. Gleichzeitig förderte die Kommerzialisierung von Farbsprühdosen die Verbreitung dieser Praxis. Die ersten Schritte der Street Art sind also Teil eines vandalistischen Geistes. Zu den bekanntesten Graffiti-Künstlern dieser Zeit gehören Quik, Futura 2000 und Phase 2. Das Graffiti selbst kann verschiedene Formen annehmen, wie z.B. das Tag (Unterschrift) oder das Fresko, ein großflächiges Werk, bei dem Verzierungen und Motive dem Schriftzug hinzugefügt werden. Nach und nach breitet sich die Street Art auf der ganzen Welt aus, und es entstehen neue urbane Ausdrucksformen wie Stencils oder Sticker. Jeder Maler drängt sich mit einem Markenzeichen auf, das wir durch die Signatur oder den Stil des Graffiti für den Geübten erkennen ... die Ratte von Banksy, die Mosaike von Invader, die weißen Männer von Jerome Mesnager ... In Frankreich debütierte die Straßenkunst Anfang der 70er Jahre, blühte aber erst in den 80er Jahren auf, mit Künstlern wie Blek le rat und Jérôme Mesnager. Es entsteht eine neue Dynamik und vor allem eine Verewigung der Werke. Dies kann durch verschiedene Faktoren erklärt werden. Immer mehr Künstler wollten ihre behalten und ruhiger malen, zumal die polizeilichen Repressionen gegen Vandalen-Künstler in den 80er und 90er Jahren schärfer wurden. Street Art weckte auch das Interesse von Galeristen. Die erste Ausstellung von Werken eines Graffiti-Künstlers fand 1972 in New York statt. Dieser Ausstieg von der Straße in den Kunstmarkt stellte das Wesen der Bewegung in Frage und spaltete die Künstler, von denen viele eine Institutionalisierung fürchteten. Heute kombinieren viele Künstler Straßen- und Studioarbeiten, die in den größten Galerien für zeitgenössische Kunst ausgestellt werden. Die Straße wird so zum Sprungbrett zur Anerkennung. Die Straßenkünstler, die auf dem Kunstmarkt am meisten zitiert werden, setzen ihre Praxis auf der Straße oft auf legale Weise fort, auf autorisierten Flächen. Die größten Namen der zeitgenössischen Street Art nutzen dieses Medium: JonOne, Shepard Fairey, Blek le Rat, Jef Aerosol, Banksy oder Miss Tic. Auf Artsper finden Sie eine große Auswahl an zeitgenössischen Gemälden von als aufstrebend anerkannten Straßenkünstlern. Entdecken Sie die Werke berühmter zeitgenössischer Künstler wie den mythischen M. Chat, aber auch die minimalistischen Arbeiten von Atlas, die markanten Porträts von Jef Aerosol oder die farbenfrohen und geometrischen Werke von Okuda.

Die Zeichnung ist mit der Verwendung des Piktogramms seit der Urgeschichte zweifellos eine der ältesten menschlichen Ausdrucksformen. Ist die Zeichnung in allen Epochen präsent, vor allem in Asien, wo sie als besonders genutztes Medium erscheint, so diversifizieren sich ihre Formen und Darstellungen ab dem 19. Jahrhundert. Mit dem Aufschwung der industriellen Produktion im 19. Jahrhundert entwickelte sich das technische Zeichnen (oder Industriezeichnen), das sich deutlich vom künstlerischen oder kunstvollen Zeichnen abgrenzte. In der Tat wurde sie stark kodifiziert und zielte darauf ab, sehr präzise Informationen über ihre Herstellung oder Verwendung zu vermitteln. So finden wir in gleicher Weise Modezeichnungen oder Zeichnungen aus den Bereichen Design oder Architektur ... Die Zeichnung Szene des Lebens entwickelt sich mit der Geburt der Zeichnung und entwickelt sich mit den Veränderungen in den Techniken im Laufe der Jahrhunderte. Tatsächlich stellten die ersten Höhlenmalereien das tägliche Leben der Menschen vor 10.000 Jahren an den Wänden ihrer Höhlen dar. Auch die wohlhabenden Römer nutzten zu ihrer Zeit gemalte Mosaike, um ihre Lebensgewohnheiten und Heldentaten in ihrer Domus zu illustrieren, wie in der Villa del Casale auf Sizilien zu sehen ist, von der noch Reste erhalten sind (von der UNESCO gelistet). Die Römer verwendeten auch Metallspitzen (Gold, Kupfer, Silber oder Blei) auf einem mit Gummipulver und Farbpigmenten beschichteten Papier- oder Pergamentträger. So haben sich Künstler seit jeher von ihrer Umwelt inspirieren lassen und nie aufgehört, die Welt um sie herum darzustellen. Indem sie wiederum Fremde oder ihre eigene Familie und Erfahrung als Modelle benutzten, lernten die Zeichner im weitesten Sinne des Wortes zunächst, die einfachsten und wahrsten Dinge zu zeichnen: Ein Stillleben, ein spielendes Kind, eine Frau, die sich anzieht... Sie verewigten auch, durch Skizzen in Buntstiften, Kreide oder Trockenpastell, festliche Ereignisse wie Hochzeiten oder Taufen, aber auch dramatischere Ereignisse. Die großen Meister haben auch eine Vorliebe für Zeichnungen von Lebensszenen. Ob als Vorzeichnung vor einem großformatigen Ölgemälde bei den Impressionisten (Cézanne, Monet, Manet) und Surrealisten wie Picasso oder als eigenständiges Werk. So baute Rembrandt im 17. Jahrhundert ein beachtliches Portfolio mit Hunderten von Zeichnungen auf, darunter viele Lebensszenen und andere Landschaften. Wir können zum Beispiel "Interieur mit Sakia im Bett" erwähnen, eine Feder- und Tuschezeichnung, die eine alte Frau darstellt, die sich um ihre kranke Frau kümmert. Die Lebensszenen-Zeichnung entwickelt sich in der Kunstgeschichte, hat aber immer noch einen bevorzugten Platz in der grafischen Kunst und besonders in der modernen und zeitgenössischen Kunst. Es ist auch (zu Recht) einer der ersten Kurse, die an der Hochschule für Bildende Künste für junge Künstler gegeben werden. Die Zeichnung ist, wie Alberto Giacometti behauptet, "die Grundlage von allem". Für Sammler mit einem scharfen Auge bietet Artsper eine Auswahl an Zeichnungen an, die je nach künstlerischem Empfinden realistische, figurative oder abstrakte Lebensszenen darstellen. Entdecken Sie neben den großen Künstlern auch die Zeichentechniken von neuen aufstrebenden Talenten wie Soufiane Ababi/b, Virginie Barré, Shadi Alzaqzouz.