Die Faszination von Schwarz und Weiß. Farbe kann die Realität ausdrücken und Realismus widerspiegeln, aber wenn man sie wegnimmt, liegt der Akzent auf dem Kontrast und der Verwendung monochromer Töne, um eine Atmosphäre zu schaffen, die den Betrachter anzieht. Diese Wirkungssteigerung haben sich Fotografen zu eigen gemacht. Als Joseph Nicephore Niepce zu Beginn des 19. Jahrhunderts die ersten gelungenen Schwarz-Weiß-Aufnahmen machte, entwickelte er weiter, bis es ihm 1825 gelang, eine Aufnahme eines Fensters in Schwarz-Weiß aufzunehmen. Natürliche Farbfotografien wurden erst 1891 entwickelt, als Lipmann Gabriel das Phänomen der optischen Lichtwellen Schnittstelle nutzte. Dennoch hielt sich die Schwarz-Weiß-Fotografie, insbesondere in der Porträtfotografie. Doch warum? Praktisch gesehen sind Schwarz-Weiß-Fotografien besser zu konservieren, aber künstlerisch gesehen braucht man keine Farbe, um die Emotionen, die Tiefe, den Ausdruck und die Realität durch dramatische Töne und Kontraste der Figur vor dem Objektiv einzufangen. Man muss sich nur Dorothea Langes weit verbreitete "Migrant Mother" (1936) in Erinnerung rufen, um zu sehen, wie ein einziges Schwarz-Weiß-Porträt zu einem Symbol von Missständen werden kann. In unseren Werken von Künstlern, wie Maud Bernos und James Sparshatt, finden sich Porträts bevorzugt ohne Farbe... Porträts, die den Betrachter in ihren Bann ziehen und ihn in ihre endlose monochrome Tiefe eindringen lassen.
