Trasladados al rango de pintura de género según una jerarquía establecida por la Real Academia de Pintura desde su creación en 1648, los bodegones y los paisajes han estado excluidos durante mucho tiempo del reconocimiento siguiendo una tradición clásica que clasificaba a los pintores según los temas que abordaban. Esta regulación se basaba en la idea simple y unánimemente aceptada de que la representación del hombre merecía sobre todo la atención del pintor cuya cualidad mayor era la imaginación. Hasta el siglo XIX, la naturaleza muerta sufrió la censura de los “Grandes Géneros” que atraía toda la atención del público durante el Salón anual que se celebraba en el Salón Carré del Louvre. ¿Qué es una naturaleza muerta? Para Charles Sterling: se trata de “organizar un grupo de objetos en una entidad plástica. » Naturaleza muerta para los ingleses, bodegón para los españoles, estos términos designan encuentros de objetos silenciosos.
Un universo cerrado, un mundo estancado pero abierto a la evasión como a los sueños, esto es lo que seduce a los artistas modernos y es testigo de sus conquistas plásticas, en consecuencia de sus cambios expresivos: neoimpresionismo, fauvismo, cubismo, realismo. Todo se mueve, se ve diferente, se reescribe, se replantea. Atreverse a deconstruir el color, deconstruir los volúmenes de un objeto o elegir observarlo fielmente, sigue significando elegir del mundo que nos rodea lo que parece más común. Es con el objeto que los cubistas y sus seguidores reconectaron con la figuración. Representar se convirtió en el lema de varias generaciones de pintores hasta el día de hoy, cuando el arte figurativo vive un auténtico renacimiento. En 1934, una exposición dedicada a los maestros de la realidad recordó la importancia de una pintura de tradición francesa unida a la arquitectura de la forma actual, hecha de observación paciente y contemplativa, de una ejecución madurada por el dominio del dibujo, el poder del línea animada, la densidad del color y su tactilidad. Volviendo al tema, los pintores que fundaron en 1935 el grupo Forces Nouvelles -al que pertenecía Georges Rohner- rehabilitaron el objeto. Abogan por una construcción hecha con medida y gusto. Todo el mundo es consciente de que el abuso del realismo y la estrechez de miras perjudicaría la verdad de su arte. Se trata, por tanto, de encontrar el hermoso equilibrio, la armonía y la noble arquitectura de la composición en la que los objetos encuentran naturalmente su lugar bajo la presión de las fuerzas imaginativas. Entre la dulzura de la vida y la tensión ascética, entre el lirismo y el rigor, la síntesis responde a una necesidad de orden y disciplina. El realismo, respetuoso de la realidad, al expresarse en múltiples formas, escapa de la banalidad realista y adquiere estilo. Del naturalismo cromático de Despierre al jansenismo de Bertholle, de los tonos apagados y contrastantes de Ceria al luminismo de Henri Martin, del expresionismo de Raymond Guerrier al misterio de las fotografías en blanco y negro de Jean-Marie Auradon que remiten a ascetismo En la obra pictórica de Rohner, son tantas las expresiones estilísticas y sensitivas que se ofrecen a la vista y a la mente. Sus obras conviven para un diálogo que resalta la diversidad de una realidad humanista. Un renovado repertorio de objetos reserva múltiples sorpresas donde se convocan todos nuestros sentidos. En un tiempo suspendido, de duración indefinida, los objetos inanimados tienen el valor de la eternidad. En estos espacios de inmovilidad de la realidad y de espera, dejémonos sorprender por la inusitada grandeza de las cosas más humildes, su trágica belleza, su extrañeza o más simplemente el aroma de una belleza edénica. La libertad de una observación profunda y paciente alimenta el lenguaje de la pintura en un deseo de escapar de las diluciones mentales. Un lugar privilegiado lo ocuparon Georges Rohner y Jacques Despierre, que se conocieron en 1930 en la Escuela de Bellas Artes, amigos inseparables hasta la Academia de Bellas Artes, donde fueron elegidos respectivamente en 1968 y 1969.
Son hombres de convicciones que luchan por el reconocimiento. de la “profesión”, la herencia de los maestros al servicio de una visión entre creación y descubrimiento. Su análisis de la mente se vuelve emocionalmente hacia Poussin, los venecianos, Chardin, David, Delacroix, Cézanne, Matisse, como su colega Bertholle. Rohner, campeón del gran clasicismo, heredero de Ingres, el arquitecto Despierre, nacido en la pintura con su padre Ceria. Son coloristas y diseñadores en la sostenibilidad del arte al servicio de toda la civilización. “La humildad de Chardin implica menos una sumisión al modelo que una destrucción secreta del mismo en beneficio de su pintura”, escribe Malraux en Les Voix du Silence (París, 1951). Los pintores reunidos en esta exposición son todos deudores de Chardin y demuestran una identidad pictórica constante de la escuela francesa renovada con la Escuela de París. Ya sea que se alejen del ilusionismo o lo revisen, ya sea que retomen el acto de pintar como un ejercicio plástico tratando de resolver los diversos problemas que plantea el arte, ya sea que cuestionen su modelo esforzándose por restaurar en sus obras la nobleza y la autoridad de un clasicismo que ya no tiene nada de convencional, afirman sus cualidades como diseñadores y coloristas, al servicio de la singularidad de su lenguaje.
Lydia Harambourg, historiadora y crítica de arte Miembro correspondiente del Instituto, Academia de Bellas Artes
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