"Des nus dans un monde nu"
Le corps humain est le sujet principal de l'art d'Alisa Gorelova. Étudié par des spécialistes de l'anatomie et des peintres des cinq derniers siècles, il revêt dans ses tableaux un aspect inhabituel, inquiétant, mystérieux. L'image vit, respire et palpite, s'approchant des limites où elle risque de se décomposer en taches de couleur ou de perdre la composition compréhensible par tous, devenant quelque chose comme une fleur ou une flamme. Il est impossible de trouver ici deux figures identiques : elles s'entrelacent pour former une chaîne, elles débordent des toiles étroites et s'étirent les unes vers les autres, elles transmettent l'impulsion qui est apparue pour la première fois dans le frottement des mains de Dieu et d'Adam sur le plafond de la chapelle. sistine.
Comme dans le premier acte de la création, les corps dans les œuvres de Gorelova n'ont pas de croyances politiques ou de goûts préférés, toutes leurs caractéristiques particulières sont centrées sur eux-mêmes. Chaque tableau se déroule devant le spectateur comme une danse de formes et de couleurs - l'artiste s'inspire de l'art de Matisse, mais sa chorégraphie est plus moderne et plonge dans les capacités physiques de l'homme. En dehors de toute convention sociale, culturelle ou autre, "l'homme nu sur la terre nue" dont rêvaient les philosophes, exige une considération minutieuse et attentive du peintre, capable de capter le battement le plus subtil sous la peau qui modifie le relief et la couleur. Une ressource plastique illimitée, qu'est le corps humain, est impossible à remplacer par les œuvres du progrès scientifique et technique.
Les œuvres de Gorelova, à la différence des expériences de Frankenstein, se distinguent par l'attention soigneusement transférée par son pinceau et son crayon à chaque courbe du modèle.
L'artiste recompose l'homme divisé en parties par l'art du modernisme et l'histoire du XXe siècle ou, du moins, nous donne l'espoir de croire que cette recomposition est possible.
L'exposition se compose de quatre grandes œuvres de trois parties chacune, créées en 2022. Toutes développent une vie intense de formes et de couleurs qui circulent de figure en figure, donnant à chaque toile sa propre vibration émotionnelle. Les toiles étroites et verticales sont devenues une caractéristique de l'art de Gorelova, ainsi que les diagonales larges et allongées qui captent le regard du spectateur, le conduisent impérieusement, soulignant chaque triceps et toute la tension de la musculature. Son talent existe sur une touche large et véritablement moderne, où il évolue librement entre l'antiquité, le maniérisme et le XXe siècle. Aujourd'hui, Gorelova se tourne de plus en plus vers les Italiens du XVIIe siècle, fantasques et présomptueux : le plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange et la galerie de Fontainebleau Rosso Fiorentino lui servent de ressource plastique.
Sélectionnant le meilleur de la Renaissance, disséquant le corps dans l'expressionnisme ou le déconstruisant dans le surréalisme, l'artiste aspire toujours à la nouveauté. Gorelova agit dans le cadre de l'ensemble des images postmodernes : il est très naturel de voir dans le tableau une main ou une jambe d'un personnage de la Renaissance mais traité à la pureté avec l'acide du surréalisme. La fluidité des formes picturales est comparable aux personnages ambigus et magiques de Leonora Carrington et à l'anatomie féminine des fleurs de Georgia O'Keeffe. Les pieds et les poignets sont affinés, allongés, multipliés, ils commencent à vivre leur vie en dépit de tout réalisme. Le mouvement est décomposé en de nombreuses étapes, mais ces nus ne descendent pas les escaliers, au contraire - les figures mourantes grimpent les unes sur les autres. On se demande où tout cela se passe - peut-être dans "l'Enfer" de Dante ?
Passionné par la structure des corps et le mouvement de la peinture sur la toile, l'artiste résout par inadvertance le problème le plus complexe du "message", ou des médias traditionnels consacrés par l'histoire. Les figures de ses tableaux apparaissent si bigarrées qu'elles évoquent les concepts sociologiques de "foule" et d'"attroupement". La corporéité, qui est devenue au cours des dernières décennies l'un des principaux problèmes et thèmes de l'art, atteint ainsi son expression maximale. Les émotions sont désormais intenses jusqu'à l'insupportable et dans toute leur plénitude, elles sont transmises non pas par l'individualisation des visages, mais par les mêmes corps dépersonnalisés. Le travail plastique complexe minutieusement élaboré par l'artiste est capable de produire facilement des formules rhétoriques connues depuis l'époque baroque. Gorelova parvient à les déterrer des couches de la mémoire culturelle enfouies dangereusement près de la surface de l'existence humaine et qui séparent la personnalité du néant. Ce ne sont pas seulement les profondeurs de l'inconscient qui ont tant attiré les artistes surréalistes, mais aussi la fine ligne qui sépare l'homme de la bête qui est en lui. Gorelova a bien retenu la leçon de l'art qui s'est prolongé tout au long du 20ème siècle avec les expressionnistes, preuve en est l'harmonie chromatique très intense des tableaux. Le spectateur qui se trouve devant ces tableaux peut être choqué ou effrayé, confronté à des millions de questions momentanées sur son corps qui n'atteignent même pas sa conscience : "Est-ce que c'est moi ?" Ce que l'artiste dessine est confronté et comparé au réceptacle de la personnalité inhérente à l'être humain, à la couche musculaire d'une conscience unique - voilà le point central et le paradoxe de la vraisemblance. Le corps humain reste une image universelle capable de tout expliquer, surtout s'il est réalisé avec le soin interne typique de la peinture de Gorelova. Le célèbre problème philosophique et psychologique "Le moi et l'autre" prend un nouvel aspect.
Pavel Gerasimenko
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