Les amateurs de méduses, Circa 2019
Philippe Azema

Mischtechnik auf grob auf Baumwolltüchern aufgelegtem Papier. leuchtend gelbe Farbe mit Schwarz, Rot und Orange. Vorhandensein von Text (Gedichten?). Unterschrift mit einem Fantasienamen und einem alten Vornamen.

Ein Weg, der im Bauch der Form versinkt.
Reflexion über die Arbeit von Philippe Azema

Eine völlige Ohnmacht, das Universum als homogen wahrzunehmen.

Das Universum von Philippe Azema ist die Spontaneität der Formen, die Verzerrung der Farben, die Unvorhersehbarkeit der Komposition, es ist auf den ersten Blick die Kühnheit der Originalität. Eine Originalität, sowohl originell als auch originell, denn sein völlig innovatives, einzigartiges Werk hat seine Wurzeln in den Ursprüngen der Kunst, in einer Zeit, in der die Menschen die Religion der Kunst praktizierten, die als symbolische Wiederherstellung der Realität verstanden wurde.

Azema sucht nicht auf vorgegebene Weise nach dem Urheber. Können wir jedoch sagen, dass er über spezifische Kenntnisse der Kunstgeschichte, ihrer Konditionierung, ihres Geschmacks und ihrer Stile verfügt und sich daher nicht auf die Außenseiterkunst einlässt?
Im Gegenteil, wir sind auf einem Bauernhof beschäftigt und haben es mit einem Autodidakten zu tun, dessen Zeichnungen eine völlige Freiheit des Ausdrucks und eine Anarchie der Komposition offenbaren. Er ist ein Künstler, dessen Kunst Ausdruck der Suche nach sich selbst in der ihn umgebenden Welt ist.

In seiner Haltung liegt so etwas wie eine Verlassenheit, fernab jeglicher Suche nach Perspektiven oder einer künstlichen Lichtausbeute. Hier ist alles durch die Kopplung der Farben untereinander gegeben. Drei Töne: Rot, Gelb und Schwarz leiten den Aufbau seiner „Welten“ wie ein mystischer Farbenblinder, der den Betrachter von der Realität wegführt.
Die Formen scheinen in den Hintergrund eingraviert zu sein, zeitlose Spuren seines Unbewussten.
Wie sollte man nicht an die Urformen der Vorgeschichte denken, die rund um das Feuer der Höhle entstanden sind, in der Zeit der Ruhe, der Hingabe an das Unbewusste?
Offensichtlich nähern wir uns hier den Ursprüngen des künstlerischen Schaffens. Als Herzstück der Art Brut gelingt es Azema, eine Dimension des Geistes zu finden, die in einer Zeit angesiedelt ist, in der der Mensch die Kunst als Mittel zum Anderen, zum Exzess und über alle Grenzen hinaus nutzte.

Die Künstler der Außenseiterkunst betrachten Kunst als ein tägliches Gebet, das in der Intimität des eigenen Alltagsraums gesprochen werden muss, wie ich bereits in meinem Schreiben für die Ausstellung „Line of Contour, Different Creativity“ unterstreichen durfte. Eine Magenkunst. Eine Therapie. Wenn Kunst hier als tägliche Übung verstanden wird, entfernen wir uns vom Wesen des Künstlers, hin zu etwas, das es zu lernen gilt. Auf diese Weise kommt die Outsider-Kunst der offiziellen Kunst näher, denn es gibt eine Technik, die man sich aneignen muss.
Bei der Outsider-Kunst geht es jedoch nicht um Stil oder Trend, sondern vielmehr um eine Vorbedingung: Kunst als Sprache des Wissens, zuerst gegenüber sich selbst (es ist die tägliche Übung, ein ständiges Flüstern nach innen), dann gegenüber anderen.
In der Outsider-Kunst wird dieses Wissen nicht durch einen kulturellen oder logischen Beitrag erworben, sondern basiert im Wesentlichen auf dem Phantastischen und Imaginären, sublimiert durch eine Realität, die dem intimen Leben der Künstler nahe steht.
In der Dynamik der Outsider-Kunst kommt es nicht auf das kognitive Objekt an, sondern auf die Handlung, mit der es erreicht wird. Für den Künstler der offiziellen zeitgenössischen Kunst ist Kunst eine Sprache unter anderen, mit der es sich empfiehlt, sich dauerhaft auszutauschen. Für den Außenseiterkünstler ist die Sprache der Kunst die einzige Möglichkeit, die Welt zu verstehen und resultiert aus einem physiologischen Bedürfnis. In der Außenseiter- oder Outsider-Kunst entlädt der Künstler seine eigene Pathologie in seinem Werk und zwingt den Betrachter, sich daran zu messen.
Um diese Beziehung zwischen Mensch und Objekt besser zu verstehen, können wir uns auf den Gedanken von Merleau-Ponty zur Phänomenologie beziehen, der bekräftigt: „Nachdenken bedeutet, das Original zu suchen.“ In diesem Fall möchte der französische Philosoph bekräftigen, dass es nicht nur darum geht, die Seinsweise eines Organismus in der Welt zu analysieren, sondern radikaler zu erforschen, wie das Bewusstsein eine Welt konstituiert.
Die Welt ist kein äußeres zu messendes Objekt, sondern das Ergebnis einer tiefgreifenden Interaktion zwischen dem Menschen und seiner Umwelt. Die Welt wird nicht künstlich vor das Subjekt gestellt, sondern wird mit dem Subjekt geboren.

Wenn wir also bedenken, dass es in der Outsider-Kunst nicht auf das Objekt ankommt, sondern auf die Handlung, mit der es erreicht wird, sollten wir uns nicht nur auf das Bild im Werk konzentrieren, sondern auf die gesamte Bewegung des Körpers, die es erzeugt hat. Die Geste ist Teil der Arbeit und die Arbeit stellt einen Moment der Offenheit gegenüber der Welt dar


„sich zu verirren ist sicherlich angenehm und qualvoll“
F. T. Marinetti (Venezianella e Studentaccio 2013)

Warum kann das Original original sein?

Wenn ich darauf hinweise, dass Azemas Malerei aus der Pathologie des Seins stammt, es ist bereits ein Hinweis auf den Ursprung des Seins (Pathologie kann nicht jemandem gehören, der nicht existiert). Die Bedingung, mit der der Mensch die Welt hört, ist bereits eine ursprüngliche Art zu hören, denn in der Wahrnehmung der Sinne entsteht die Individualität
Andererseits entsteht die Gemeinschaft auf dem Weg zum Anderen.
Bei den Outsider-Künstlern gibt es die Suche nach einer Verbindung zum Anderen in unterschiedlichem Ausmaß nicht. Für Außenstehende, Künstler des Fantastischen und Imaginären, entwickelt sich der kreative Akt durch das Gespräch mit sich selbst. Die einzige Möglichkeit der Kommunikation besteht darin, diese Welt zu betreten, in der wir verstehen müssen, dass der Ursprung auf absolut originelle Weise verstanden wird.

Marcello Francolini