Colori della pittura

Il lavoro del colore è centrale in qualsiasi opera artistica. È anche uno dei primi strumenti dell'artista. È difficile immaginare un'opera che esisterebbe senza l'opera del colore, anche se è l'assenza di colore che l'artista sceglie di presentare.

Nel corso delle epoche e dei movimenti artistici, l'uso e il significato attribuito al colore si evolvono, ma l'essenza del colore rimane la stessa. Ogni artista deve padroneggiare le proprietà per essere in grado di controllarne la composizione. Nel restauro dei dipinti il colore diventa addirittura una scienza, perché è necessario conoscere le diverse molecole per ritrovare i colori e le miscele utilizzate originariamente dall'artista.

Nella storia dell'arte, l'importanza del colore varia a seconda dei periodi e delle aree geografiche. Durante il Rinascimento italiano, ad esempio, vi era un dibattito (detto Paragone) tra l'autorità del colore e quella del disegno: secondo le scuole era il colore, e non la linea, a creare l'emozione e la potenza visiva di un disegno. opera d'arte. I colori assumono così un'importanza immensa, e assumono determinati significati: il bianco simboleggia la purezza, ad esempio, e il blu (utilizzato sistematicamente per vestire la Vergine Maria) è associato alla divinità. Questi simboli non sono pensati a caso: il viola, ad esempio, è stato utilizzato fin dall'epoca bizantina per indicare il più alto grado di regalità. A differenza dell'ocra, il pigmento viola proveniva da un guscio specifico ed era estremamente difficile, e quindi raro e costoso, da ottenere.

Più in generale, i colori possono essere suddivisi in tre categorie: colori caldi, colori freddi e neutri. Come suggerisce il nome, queste classi di colore emanano un'atmosfera che il pittore può utilizzare per influenzare l'emozione del suo lavoro. L'arte barocca, ad esempio, manipola i contrasti tra colori caldi e freddi per catturare il potere dei corpi. I giochi di luce sono esaltati da effetti di colore. Per molto tempo, la tradizionale scuola di pittura occidentale ha richiesto ai pittori di riprodurre i colori dell'ambiente che li circondava. Furono gli impressionisti, nel XIX secolo, a esplorare altri modi di vedere – e quindi di trascrivere su tela – il loro ambiente cromatico. Evitando miscele complesse e dipingendo spontaneamente, en plein air, gli impressionisti reinventano l'uso del colore riprodurre la realtà.

Sarà necessario realizzare una pittura astratta e soggettiva affinché l'arte si dedichi al colore come soggetto. Mark Rothko, precursore del movimento Colorfield Painting e del espressionismo astratto, vede nei suoi dipinti un organismo vivente il cui colore è umano e il formato trascendente. Piet Mondrian, dal canto suo, cercava nei suoi dipinti di avvicinarsi all'essenza stessa della natura grazie alla purezza dei colori primari, per raggiungere l'astrazione. Il fondatore del movimento d'avanguardia russo del Suprematismo, Kasimir Malevitch, disturberà i sensi di tutti con la sua opera “Quadrato bianco su sfondo bianco", in cui il colore è dipinto solo per se stesso. Anche l'arte contemporanea, la fotografia, il collage e perfino la pop art utilizzano le risorse del colore nei rispettivi modi, esplorandone indefinitamente tutte le sue pluralità. Come disse Pablo Picasso: "Quando non ho il blu, indosso rosso."

Artsper ti scrive arte a colori: scopri di seguito un'ampia selezione di opere che mettono in risalto il colore e le sue proprietà. Cosa c'è di meglio per ravvivare un interno?

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