Filaments d'ivres têtes, 2019
Philippe Azema

Un percorso che affonda nel ventre della forma. Riflessione sull'opera di Philippe Azema Un'impotenza totale a percepire l'universo come omogeneo L'universo di Philippe Azema è la spontaneità delle forme, la contorsione dei colori, l'imprevedibilità della composizione, è fin dal primo sguardo, l'audacia dell'originalità. Un'originalità, originale e originale, perché la sua opera totalmente innovativa, unica, trova le sue radici nelle origini dell'arte, in un'epoca in cui gli uomini praticavano la religione dell'arte, intesa come restituzione simbolica della realtà. Azema non ricerca l'originale in modo predeterminato. Possiamo però affermare che abbia una conoscenza specifica della storia dell'arte, dei suoi condizionamenti, dei gusti, degli stili e quindi che non entri nell'arte outsider? Al contrario, alle prese con una fattoria, siamo al cospetto di un artista autodidatta, i cui disegni rivelano una totale libertà di espressione, un'anarchia compositiva. È un artista la cui arte è l'espressione della ricerca di sé nel mondo che lo circonda. C'è qualcosa nel suo atteggiamento di abbandono, lontano da ogni ricerca di prospettive, o da un'emissione artificiale di luce. Qui tutto è dato dall'accostamento dei colori tra loro. Tre toni: rosso, giallo e nero guidano la costruzione dei suoi “mondi”, come un mistico daltonico, che porta lo spettatore lontano dalla realtà. Le forme sembrano incise sullo sfondo, tracce senza tempo del suo inconscio. Come non pensare alle forme primordiali della preistoria, nate attorno al fuoco nella grotta, nel momento del riposo, dell'abbandono al proprio inconscio. Ovviamente qui ci avviciniamo alle origini della creazione artistica. Azema, nel cuore dell'art brut, riesce a ritrovare una dimensione dello spirito collocata in un tempo in cui l'uomo utilizzava l'arte come mezzo verso gli altri, verso l'eccesso, oltre ogni limite. Gli artisti outsider, come ho già avuto modo di sottolineare nel mio scritto per la mostra “Contour Line, Different Creativities”, considerano l'arte come una preghiera quotidiana da compiere nell'intimità del proprio spazio quotidiano. Un'arte dello stomaco. Terapia. Se l'arte qui viene intesa come esercizio quotidiano, ci allontaniamo dalla natura dell'artista, a favore di qualcosa che deve essere appreso. In questo modo l’arte outsider si avvicina all’arte ufficiale, perché c’è una tecnica che deve essere acquisita. Ma l'outsider art non riguarda uno stile o una tendenza, ma piuttosto una condizione preliminare: l'arte come linguaggio di conoscenza, prima verso se stessi (è l'esercizio quotidiano, un sussurro costante al dentro di sé) poi verso gli altri. Nell'outsider art questa conoscenza si acquisisce non attraverso un apporto culturale o logico, ma si basa essenzialmente sul fantastico e sull'immaginario, sublimato da una realtà che si avvicina alla vita intima degli artisti. Nelle dinamiche dell’outsider art non è l’oggetto cognitivo ad essere importante, ma l’azione per arrivarci Per l’artista ufficiale dell’arte contemporanea l’arte è un linguaggio tra gli altri con cui è necessario confrontarsi costantemente. Per l'artista outsider, il linguaggio dell'arte è l'unica via per comprendere il mondo e deriva da un bisogno fisiologico. Nell’outsider o outsider art, l’artista scarica nella propria opera la propria patologia, e costringe lo spettatore a misurarsi con essa. Per comprendere meglio questo rapporto tra uomo e oggetto, possiamo fare riferimento al pensiero di Merleau-Ponty, sulla fenomenologia, quando afferma: “pensare è cercare l'originale”. In questo caso il filosofo francese vuole affermare che non si tratta semplicemente di analizzare il modo di essere di un organismo nel mondo, ma di indagare, più radicalmente, come la coscienza costituisce un mondo. Il mondo non è un oggetto esterno da misurare ma il risultato di una profonda interazione tra l'uomo e il suo ambiente. Il mondo non è posto artificialmente davanti al soggetto, ma nasce con il soggetto. Se si considera quindi che nell’outsider art non è importante l’oggetto ma l’azione per arrivarci, è opportuno attaccarsi non solo all’immagine nell’opera ma all’intero movimento del corpo che l’ha prodotta . Il gesto è parte dell'opera e l'opera rappresenta un momento di apertura verso il mondo “perdersi è certamente piacevole e straziante” FTMarinetti (Venezianella e Studentaccio 2013) Perché l'originale può essere originale? Quando indico che la pittura di Azema nasce dalla patologia dell'essere, è già un riferimento all'origine dell'essere (la patologia non può appartenere a chi non esiste, non esiste). La condizione con cui l'uomo comprende il mondo è già un modo originale di udito, perché è nella percezione dei sensi che emerge l'individualità. È invece nel cammino verso l'altro che si crea la comunità. Per quanto riguarda gli artisti outsider, la ricerca di un legame con l'altro non esiste, in misura diversa. Per gli outsider, artisti della fantasia e dell'immaginazione, è parlando con se stessi che si sviluppa l'atto creativo. L'unica possibilità di comunicazione è entrare in questo mondo dove bisogna comprendere che l'origine viene intesa in modo assolutamente originale. Marcello Francolini