Philippe Rude

Philippe Rude es un escultor cerámico del norte de Francia que, desde 2014, se ha comprometido a dar forma a sus emociones y sentimientos intuitivos.

Esta gran libertad de ser único, en color, en forma, en sonido, en palabras... Poder y atreverme a expresar mis pensamientos y emociones. Para despojarme de una infancia muy introvertida y plagada de porqués. Algunos cuadros en mi adolescencia, luego el encuentro de un vitralista alsaciano en Camerún, quien me propuso elegir colores para una vidriera, mientras que yo solo estaba allí para ayudarlo a soldar los marcos de chatarra, cortar los vidrios según sus diseños e ir a buscar la arcilla del remanso para sujetar los vidrios en un sándwich de dos placas de esta tierra. Mientras me observaba intentando modelar una cara en esta arcilla, me explicó los conceptos básicos del modelado. Me hizo fabricar las piedras de desbaste con el mango de una hoja de palma. Qué emocionante autodescubrimiento, poniendo tu alma a tu alcance.

Soy un escultor cerámico del norte de Francia que, desde 2014, se ha comprometido plenamente a dar forma a mis emociones y sentimientos intuitivos. Paralelamente a mi carrera profesional en la industria metalúrgica, estudié y trabajé en el perfeccionamiento de mi arte con mis maestros Hubert Dufour e Yves Guérin quienes me animaron a emprender este camino dedicado a la creación. Abrí entonces la pesada puerta del Jardín de las Artes para consagrarme a la Cerámica, un universo de tierra y fuego donde mi imaginación se expresa con fuerza, profundidad y sutileza. En 2020, participé en mi primera exposición colectiva en Fort de Condé (02), sobre el tema “La Gran Guerra y después". Mi escultura monumental llamada "El Cerbero", una evocación del infierno de la guerra y de enfermedades mentales como el "shock de guerra", ha recibido amplia atención.

La colección "CUBE", cuyo trabajo original es en acero golpeado y triturado en ángulo, dibujando así la s de Souffrance, se convierte en el estándar para una serie de variaciones: madera, resina, cerámica e incluso joyas en forma de anillo de sello, una especie de firma de identidad. Como artista, también utilizo este cubo triturado para convertirlo en mi “Vanidad" o incluso en un tótem cronológico con variaciones de colores y materiales que simbolizan espacios y tiempos y que lleva por título “De Paz en Paz". Esta forma de “aplastar" el cubo vuelve sutilmente en un buen número de esculturas.

A través de mis encuentros y mis viajes imaginarios, descubriré, a través del bautismo de fuego, el trabajo del óxido de cobre y del ahumado. Sorprendido por los colores iridiscentes provocados por la incidencia de la luz, esta técnica magnifica mi sensibilidad y se hace eco de esa emoción infantil y efímera del arcoíris; Dejo pues gran parte a la Naturaleza, a la ensoñación, le gusta la sorpresa de los matices de colores ligados al choque térmico y a la falta de oxígeno. El dominio de la cocina está reservado a los artesanos, el artista busca la Emoción.

El cubo triturado que a menudo encuentro como firma en mis creaciones. La utilización de esta forma para evitar las rutinas de las corrientes artísticas, lo que me permite crear según mis estados de ánimo en todas estas tendencias, clásica, abstracta, contemporánea, conceptual, surrealista... y poder diseñarlo en madera, en arcilla, en resina, en joyería. El uso de la terracota permite dejar gran parte a la naturaleza para hacer las obras únicas, permitiendo sorprenderse con un color al sacarlas del horno. Dejo que la tierra y los esmaltes se armonicen para convertirse en emoción.

Considero que mis esculturas, una vez terminadas, ya no me pertenecen; Pertenecen a quienes los miran. Se convierten en enigmas, emociones, sorpresas, ensoñaciones o incluso historias...

Mi inspiración puede venir de emociones fuertes como la ira del duelo, de situaciones de bienestar sin pretensiones, de la investigación histórica, de la lectura de un pequeño libro "El Diccionario Abreviado de Fábulas" de 1748... en francés antiguo de personajes y temas mitológicos. O completamente instintivo en la búsqueda de formas que acarician mi mirada. La música también puede ser una fuente de inspiración.

Utilizando la misma arcilla, algunas de mis esculturas requieren un primer acercamiento muy técnico para evitar que se deformen, agrieten o rompan durante la cocción. A menudo preparo soportes en madera, metal, hilo y luego construyo los volúmenes hasta que la escultura adquiere alma, entonces no es más que discusiones entre mis dedos y ella misma. Si no se lleva el alma es porque la magia no ha funcionado, así que la tierra vuelve a su montón.

Al crear mis propias herramientas y soportes, y no haber seguido estudios técnicos en el arte de la escultura, no podría decir si tomo prestada una técnica o si soy un innovador.

Mi medio preferido sigue siendo la tierra, especialmente el gres chamota. Este apoyo vive a lo largo de la ejecución y nacimiento de mis esculturas; La tierra es muy dócil cuando entiendes su carácter. Es un proceso largo que requiere tenacidad y abnegación antes de iniciar el camino de la creación artística. Me resultaría difícil hoy cambiar de arcilla, porque ahora conozco sus curvas de cocción y sus posibilidades de aprovechamiento post-cocción.

Produzco mis esculturas en mi propio estudio, que he montado a mi manera. Este taller es un edificio anexo separado de mi casa. También es importante para mí haber diseñado este espacio; Es mi marco, mi capullo que me permite expresarme liberándome de todas las estructuras externas. Mi estudio es introvertido para poder ser extrovertido en mi arte.

Habiendo montado mi estudio durante estos dos años de confinamiento, mi obra todavía está impregnada de intimidad; Lo expongo muy poco, una o dos exposiciones regionales al año.

Voy avanzando poco a poco; En 2021 realicé mi primera escultura en bronce, “Liriope", lo cual supone un nuevo paso. Tengo otra escultura que se convertirá en bronce este año. "El viejo centauro", ahora tengo que confirmar.

Mi último trabajo en progreso es una conversación de cinco formas de terracota refinadas. Están dispuestos en el taller a la espera de ser vestidos de color. El estilo es contemporáneo. Deberían abandonar su taller en unos 3 meses.