Stephen Smith

Stephen Smith est un artiste basé au Royaume-Uni qui fait un travail qui s'appuie sur un processus de construction et de déconstruction.

Dans les mains de Smith, la toile n'est pas utilisée comme véhicule neutre pour transporter de la peinture. Au contraire, il fonctionne comme une partie intégrante de ses peintures sur un pied d'égalité avec les couleurs et les formes qui les ornent. La toile est déchirée, déchirée, pliée, étirée, saturée, coupée, cousue, plissée et stratifiée. Beaucoup de ces processus se distinguent par leur physicalité; ils représentent des impositions sur la toile, coupant la toile comme un boucher peut être une carcasse, imposant la volonté de Smith sur la matière avec force. Les résultats ne sonnent cependant pas par violence, ou du moins pas une violence parasite ou totalement destructrice, car ce processus de démantèlement représente le moyen par lequel ses toiles sont simultanément reconstruites. Smith décrit cela comme ses querelles de beauté avec la brutalité.

L'accumulation de ces processus - qui se déplacent entre le progressif et fluide à la dure et dramatique - sont fortement mis en évidence à la surface du travail de Smith. Des couches de peinture noire souvent profonde étouffent inégalement les zones de la toile. Les bords sont effilochés, les vrilles du tissage de la toile se défont, et des restes de toile éclaboussée de peinture sont retirés et apposés sur les autres. Il y a quelque chose de l'improvisation à leur sujet, un sens dans lequel Smith met cette qualité en avant dans la célébration, dans une tentative de capturer la spontanéité de faire dans l'itération finale de l'œuvre.

Sa solution récente a consisté à former un grand travail en colligeant de plus petits travaux ensemble, exploitant ainsi l'énergie de plusieurs sections de plus petits travaux dans le paysage d'un tableau entier. En tant que processus, il est en quelque sorte analogue à la greffe où une plante est artificiellement apposée à une autre, pour grandir ensemble comme une seule plante. Cela dit, avec Smith, rien ne semble absolument définitif mais marqué par la volatilité. Il y a de fortes chances pour qu'une œuvre finale puisse être coupée et redistribuée plus tard - un morceau ici, une tranche - les images semblent presque s'auto-propager.

Cette tension entre l'ordre et le chaos se rapporte aussi à la maîtrise simultanée de ses motifs par Smith et à l'abandon du contrôle de l'ensemble. Il va élaborer des longueurs pour ouvrir son travail jusqu'à la fabrication accidentelle d'une marque: découper une section centrale d'une toile et la retirer complètement; plier et déplier des toiles peintes de sorte que la peinture de l'un déteigne sur l'autre; en utilisant des toiles non apprêtées qu'il peint sur le dos en peinture diluée et difficile à gérer, répandant la toile dans des bassins d'encre.

Le travail de Smith invoque donc sa lutte continue pour incapsuler l'énergie si naturelle au dessin, dans ses œuvres à grande échelle. Il voit le dessin comme essentiel, décrivant un processus de «dessin dans la peinture». C'est peut-être la raison pour laquelle une grande partie de son travail évoque Paul Klee - s'il est décuplé - qui décrit le dessin comme «prendre une ligne de marche». L'affirmation de Klee était fondée sur la conviction que le dessin était un processus fondamentalement intuitif et spontané au cours duquel une ligne pouvait aller n'importe où à n'importe quel moment. De même, Smith s'efforce de garder autant d'options que possible ouvertes pour les marques et les incisions qui traquent ses surfaces peintes, qu'elles soient intentionnellement dessinées, impressionnées ou accidentellement égouttées ou saignées.