EM 2 L'A - Suite 04 M15, 2020
Guillaume Moschini

Guillaume Moschini vit et travaille à Paris, né à Nîmes en 1970, il a étudié à l’école

des Beaux-Arts de Nîmes et a bénéficié de l’enseignement de Claude Viallat et

Patrick Saytour.

Guillaume Moschini travaille autour d’un geste, d’une teinte, dans une matière

toujours très liquide, mêlant à l’envie encres, acrylique et alcool à brûler. Se

ressaisissant de la question des limites du champ de couleur, sa peinture se déploie

suivant un jeu de formes rectangulaires, qui ne sont plus aplats colorés mais traces

d’un unique coup de pinceau.

L’artiste a longtemps préféré des châssis plutôt étroits facilitant la réalisation de cette

trace originelle dont la largeur est strictement déterminée par celle de la brosse, dans

une optique assez proche de celle de Niele Toroni. Par une succession de

corrections de coulures intempestives, ces formes ont parfois envahi la toile pour

tendre vers le monochrome. Ressentie comme une obsession, cette pratique fut une

étape cruciale dans sa nouvelle appréhension du grand format, qui caractérisait déjà

ses premières œuvres – peintes sur des bâches de six mètres de long à l’aide de

balais et largement influencées par les abstraits américains, celles-ci découlaient

d’une première recherche de vastes étendues de couleurs et du désir d’entrer dans

la toile.

Pour transposer son travail sur de grandes dimensions, Moschini a commencé par

assembler deux châssis. Il a dès lors pensé ses toiles non plus dans la hauteur mais

dans la longueur, les possibilités de leur agencement initiant de nouveaux rapports

de couleurs, de composition, voire d’échelle. Au sein de ses quasi monochromes, les

formes sont réapparues en réserve de la toile, cette émergence s’accompagnant

d’une transcription de sa peinture en dessin, offrant maintes variations autour

desquelles l’artiste s’est amusé.

Parvenu à une certaine maîtrise de cette trace mue en forme, il put dès lors la

développer sur n’importe quel format ou support. Le besoin absolu de netteté

excluant des allers-retours répétés du pinceau, l’artiste emploie des brosses

industrielles de plus en plus larges : l’outil est important, la méthode compte. Mais

rompant avec plaisir la continuité du trait pour être moins littéral, il continue aussi à

utiliser de plus petites brosses. L’histoire d’une forme est ainsi tracée, retracée, en

changeant la manière de la produire. Le choix de la position de la trace se fait

uniquement à l’œil et non suivant un dessein ou un dessin précis. Elle traverse la

toile, peu importe où. La seule règle est la recherche d’un équilibre entre les deux

traces, sans qu’elles aient pour autant la même dimension.

Le grand format l’a obligé à poser ses toiles sur une table et à travailler à partir des

quatre côtés, dans un engagement physique intense qui, paradoxalement pour cet

ultra perfectionniste, permet un contrôle plus évident que dans ses plus petits

formats. Il se surélève par l’entremise d’un petit banc pour poser la brosse avec la

plus grande délicatesse : si le geste est fondateur de la démarche, celle-ci se

construit cependant à l’encontre de toute gestualité expressionniste.

De même, il protège la première trace des éclaboussures, certaines étant toutefois

conservées, si tant est qu’elles participent de la stabilité du tableau. Elles

fonctionnent alors comme une écriture, un lavis, un accident que l’on pourrait dire

obsessionnellement contrôlé, pouvant même constituer le point de départ d’un

tableau. Et l’artiste de jouer avec ce piège, entre pesanteur et apesanteur.

Dans ce travail fondé sur l’exigence, l’inconscient œuvre donc aussi : « ma peinture

est organique » déclare Moschini.

Il travaille par séries, mais au sein desquelles chaque tableau demeure indépendant

et non nécessairement destiné à être présenté au sein d’un ensemble préétabli. Les

pièces peuvent ainsi fonctionner par trois, leur association ou disjonction étant

déterminée en les observant dans leurs rapports spatiaux et colorés.

Si le travail sur la forme est fondamental, il est en effet prétexte à la couleur, véritable

projet de Moschini, dont la démarche a pour objet, pour motif, la communication

entre deux couleurs, l’invention, la découverte d’une nouvelle couleur ! Y compris

celle, non perceptible au premier regard, résultant de ces associations infiniment

variables... Pour que deux couleurs s’apparient, cela requiert en première instance

un juste équilibre entre les formes, partant du postulat que ce qui n’est pas peint est

aussi important que ce qui l’est. L’harmonie logique des couleurs, parfois

dissonantes, engage ensuite l’évolution d’une série ou de la suivante.

Fasciné par la peinture répétitive, Moschini développe un goût de plus en plus

prononcé pour le minimalisme et la radicalité. Dans cette volonté d’aller droit au but

en étant le plus léger possible, les toiles sont souvent non préparées pour recevoir

des jus tout en transparences, dans la suite des expérimentations de Marc Devade.

Et s’il y a de moins en moins de teintes, la couleur n’est pas perdue, mais au

contraire de plus en plus lumineuse.

Le geste de Moschini est porteur d’une émotion, d’une tension qui ne naissent qu’à

travers des jeux d’équilibres et de déséquilibres entre formes et couleurs, excluant

tout systématisme. S’il a toujours été question d’esthétique dans ce travail, on n’y

décèle nul esthétisme puisque ce n’est guère la beauté des couleurs qui est visée,

mais leur fragile balancement, dépendant des contextes d’exposition et du regardeur

qui en capte et recrée les valeurs à chaque instant.

Aurélie Barnier, juin 2014