Philippe Rude

Philippe Rude ist ein Keramikbildhauer aus Nordfrankreich, der sich seit 2014 der Aufgabe widmet, seinen intuitiven Emotionen und Gefühlen eine Form zu geben.

Diese große Freiheit, einzigartig zu sein, in Farbe, Form, Klang, Worten … Meine Gedanken und Gefühle ausdrücken zu können und es zu wagen. Mich von einer sehr introvertierten Kindheit voller Warums zu befreien. Ein paar Gemälde in meiner Jugend, dann die Begegnung mit einem elsässischen Glasmaler in Kamerun, der mir die Auswahl der Farben für ein Glasfenster anbot, während ich nur da war, um ihm beim Schweißen der Schrottrahmen zu helfen, das Glas nach seinen Entwürfen zu schneiden und den Ton aus dem Hinterland zu holen, um das Glas in einem Sandwich aus zwei Platten dieser Erde zu halten. Während er mir dabei zusah, wie ich versuchte, aus diesem Ton ein Gesicht zu modellieren, erklärte er mir die Grundlagen des Modellierens. Er ließ mich die Schruppsteine aus dem Schaft eines Palmblattes herstellen. Was für eine aufregende Selbstentdeckung, bei der Sie Ihre Seele in Ihren Händen halten.

Ich bin ein Keramikbildhauer aus Nordfrankreich, der sich seit 2014 voll und ganz der Aufgabe widmet, seinen Emotionen und intuitiven Gefühlen eine Form zu geben. Parallel zu meiner beruflichen Laufbahn in der metallurgischen Industrie habe ich bei meinen Meistern Hubert Dufour und Yves Guérin studiert und an der Perfektionierung meiner Kunst gearbeitet, die mich ermutigten, diesen dem Schaffen gewidmeten Weg einzuschlagen. So stieß ich das schwere Tor des Jardin des Arts auf, um mich der Keramik zu widmen, einem Universum aus Erde und Feuer, in dem meine Fantasie mit Kraft, Tiefe und Subtilität zum Ausdruck kommt. Im Jahr 2020 nahm ich an meiner ersten Gruppenausstellung im Fort de Condé (02) zum Thema „Der Erste Weltkrieg und die Zeit danach“ teil. Meine monumentale Skulptur „Der Zerberus“, eine Beschwörung der Hölle des Krieges und psychischer Erkrankungen wie „Granatschock“, hat große Aufmerksamkeit erregt.

Die Kollektion „CUBE“, deren Originalwerk aus schräg geschlagenem und zerdrücktem Stahl besteht und so die S von Souffrance nachzeichnet, wird zum Standard für eine Reihe von Variationen: Holz, Harz, Keramik und sogar Schmuck in Form eines Siegelrings, einer Art Identitätssignatur. Als Künstler verwende ich diesen zerkleinerten Würfel auch, um ihn zu meiner „Vanity“ oder sogar zu einem chronologischen Totem mit Variationen von Farben und Materialien zu machen, die Räume und Zeiten symbolisieren und den Titel „From Peace to Peace“ tragen. Diese Form des „Zerdrückens“ des Würfels findet sich auf subtile Weise in zahlreichen Skulpturen wieder.

Durch meine Begegnungen und meine imaginären Reisen werde ich durch eine Feuertaufe die Wirkung von Kupferoxid und Räuchern entdecken. Ich bin erstaunt über die schillernden Farben, die durch den Lichteinfall entstehen. Diese Technik verstärkt meine Sensibilität und spiegelt diese kindliche und flüchtige Emotion des Regenbogens wider. Ich überlasse daher einen großen Teil der Natur, dem Tagträumen, er mag die Überraschung der Farbnuancen, die mit dem Temperaturschock und dem Sauerstoffmangel verbunden sind. Die Meisterschaft des Kochens ist den Handwerkern vorbehalten, der Künstler sucht nach Emotionen.

Der zerdrückte Würfel, der oft als Signatur in meinen Kreationen zu finden ist. Die Verwendung dieser Form dient dazu, den ausgefahrenen Wegen künstlerischer Trends zu entgehen, was es mir ermöglicht, nach meiner Stimmung in all diesen Trends zu kreieren, klassisch, abstrakt, zeitgenössisch, konzeptionell, surrealistisch... und es in Holz, Ton, Harz und Schmuck zu gestalten. Durch die Verwendung von Terrakotta bleibt ein großer Teil der Natur überlassen, wodurch die Werke einzigartig werden und man nach dem Herausnehmen aus dem Ofen von der Farbe überrascht werden kann. Ich lasse die Erde und den Lack miteinander harmonieren und Emotionen entstehen.

Ich bin der Meinung, dass meine Skulpturen, sobald sie fertig sind, nicht mehr mir gehören; Sie gehören denen, die sie betrachten. Sie werden zu Rätseln, Emotionen, Überraschungen, Träumereien oder sogar Geschichten …

Meine Inspiration kann von starken Emotionen kommen, wie der Wut der Trauer, von Situationen unprätentiösen Wohlbefindens, von der historischen Recherche, von der Lektüre eines kleinen Buches „The Abridged Dictionary of Fables“ aus dem Jahr 1748 … in Altfranzösisch mit mythologischen Figuren und Themen. Oder ganz instinktiv auf der Suche nach Formen, die meinen Blick streicheln. Auch Musik kann eine Quelle der Inspiration sein.

Da ich denselben Ton verwende, ist für einige meiner Skulpturen zunächst ein sehr technischer Ansatz erforderlich, um ein Durchhängen, Risse oder Brüche während des Brennens zu vermeiden. Ich bereite oft Stützen aus Holz, Metall und Schnur vor und baue dann die Volumen auf, bis die Skulptur eine Seele annimmt. Dann ist es nichts weiter als eine Diskussion zwischen meinen Fingern und sich selbst. Wenn die Seele nicht mitgenommen wird, liegt das daran, dass die Magie nicht funktioniert hat. Dann wird die Erde wieder zu ihrem alten Trümmerhaufen.

Da ich meine eigenen Werkzeuge und Stützen erschaffe und keine technischen Studien in der Bildhauerei absolviert habe, kann ich nicht sagen, ob ich eine Technik übernehme oder ob ich ein Innovator bin.

Mein bevorzugtes Material bleibt Erde, insbesondere Schamottesteinzeug. Diese Unterstützung bleibt während der gesamten Ausführung und Entstehung meiner Skulpturen bestehen. Die Erde ist sehr fügsam, wenn man ihren Charakter versteht. Es ist ein langer Prozess, der Hartnäckigkeit und Selbstverleugnung erfordert, bevor man den Weg des künstlerischen Schaffens beschreitet. Ein Wechsel des Tons wäre heute für mich schwierig, da ich seine Brennkurven und seine Nutzungsmöglichkeiten nach dem Brennen kenne.

Meine Skulpturen fertige ich in meinem eigenen Atelier, das ich individuell eingerichtet habe. Diese Werkstatt ist ein Nebengebäude, getrennt von meinem Haus. Für mich ist es auch wichtig, diesen Raum gestaltet zu haben; Es ist mein Rahmen, mein Kokon, der es mir ermöglicht, mich auszudrücken, indem ich mich von allen äußeren Strukturen befreie. Mein Atelier ist introvertiert, damit ich in meiner Kunst extrovertiert sein kann.

Obwohl ich mein Atelier während dieser zwei Jahre der Ausgangssperre eingerichtet habe, ist meine Arbeit immer noch von Intimität geprägt. Ich stelle nur sehr wenig aus, ein oder zwei regionale Ausstellungen pro Jahr.

Ich komme Stück für Stück voran; Ich habe 2021 meine erste Bronzeskulptur „Liriope“ geschaffen, was einen neuen Schritt darstellt. Ich habe eine weitere Skulptur, die dieses Jahr aus Bronze wird. „Der alte Zentaur“, muss ich jetzt bestätigen.

Mein neuestes Werk in Arbeit ist eine Konversation aus fünf raffinierten Terrakottaformen. Sie liegen in der Werkstatt und warten darauf, farbig gestaltet zu werden. Der Stil ist zeitgenössisch. Sie sollten ihre Werkstatt in etwa 3 Monaten verlassen.