Filaments d'ivres têtes, 2019
Philippe Azema

Ein Weg, der in den Bauch der Form eintaucht. Reflexion über die Arbeit von Philippe Azema Eine völlige Unfähigkeit, das Universum als homogen wahrzunehmen Das Universum von Philippe Azema ist die Spontaneität der Formen, die Verzerrung der Farben, die Unvorhersehbarkeit der Komposition, es ist vom ersten Blick an die Kühnheit der Originalität. Eine Originalität, sowohl originell als auch originell, denn sein völlig innovatives und einzigartiges Werk wurzelt in den Ursprüngen der Kunst in einer Zeit, in der Männer die Religion der Kunst praktizierten, verstanden als symbolische Wiederherstellung der Realität. Azema sucht nicht auf vorgegebene Weise nach dem Original. Können wir jedoch sagen, dass er ein spezifisches Wissen über die Kunstgeschichte, ihre Konditionierung, Geschmäcker, Stile hat und daher nicht in die Außenseiterkunst einsteigt? Im Gegenteil, auf einem Bauernhof beschäftigt, sind wir in der Gegenwart eines autodidaktischen Künstlers, dessen Zeichnungen völlige Meinungsfreiheit, eine Anarchie der Komposition offenbaren. Er ist ein Künstler, dessen Kunst Ausdruck der Suche nach sich selbst in der Welt um ihn herum ist. In seiner Haltung liegt eine Aufgabe, weit entfernt von jeglicher Suche nach Perspektiven oder einer künstlichen Lichtausbeute. Hier ist alles durch die Kopplung der Farben zwischen ihnen gegeben. Drei Töne: Rot, Gelb und Schwarz leiten die Konstruktion seiner "Welten" wie ein mystischer Farbenblinder, der den Betrachter von der Realität abbringen würde. Die Formen scheinen auf dem Hintergrund eingraviert zu sein, zeitlose Spuren seines Unbewussten. Wie man nicht an die Urformen der Vorgeschichte denkt, die am Feuer der Höhle geboren wurden, zur Zeit der Ruhe, der Übergabe an das Unbewusste. Offensichtlich nähern wir uns hier den Ursprüngen des künstlerischen Schaffens. Azema, im Herzen von art brut, gelingt es, eine Dimension des Geistes zu finden, die sich in einer Zeit befindet, in der der Mensch Kunst als Mittel zum anderen, zum Übermaß über alle Grenzen hinweg einsetzte. Outsider-Kunstkünstler, wie ich bereits in meinem Schreiben für die Ausstellung „Contour Line, Different Creativity“ hervorheben konnte, betrachten Kunst als ein tägliches Gebet, das in der Privatsphäre des eigenen Alltagsraumes geleistet werden soll. Eine Magenkunst. Therapie. Wenn Kunst hier als tägliche Übung verstanden wird, entfernen wir uns von der Natur des Künstlers zugunsten von etwas, das gelernt werden muss. Auf diese Weise kommt die Außenseiterkunst der offiziellen Kunst näher, weil es eine Technik gibt, die erworben werden muss. Bei der Kunst von Außenstehenden geht es jedoch nicht um Stil oder Tendenz, sondern vielmehr um eine Vorbedingung: Kunst als Sprache des Wissens, zuerst gegenüber sich selbst (es ist tägliche Übung, ein ständiges Flüstern nach innen), dann gegenüber anderen. In der Außenseiterkunst wird dieses Wissen nicht durch einen kulturellen oder logischen Beitrag erworben, sondern basiert im Wesentlichen auf dem Fantastischen und Imaginären, das durch eine Realität sublimiert wird, die sich dem intimen Leben der Künstler nähert. In der Dynamik der Außenseiterkunst ist nicht das kognitive Objekt wichtig, sondern die Aktion, um dorthin zu gelangen. Kunst ist für den offiziellen zeitgenössischen Künstler unter anderem eine Sprache, mit der es ratsam ist, sich ständig auszutauschen. Für den Außenseiterkünstler ist die Sprache der Kunst der einzige Weg, die Welt zu verstehen und ergibt sich aus einem physiologischen Bedürfnis. In Art Brut oder Outsider entlädt der Künstler seine eigene Pathologie in seine Arbeit und zwingt den Zuschauer, sich daran zu messen. Um diese Beziehung zwischen Mensch und Objekt besser zu verstehen, können wir uns auf den Gedanken von Merleau-Ponty zur Phänomenologie beziehen, wenn er bestätigt: "Denken heißt, das Ursprüngliche zu suchen". In diesem Fall möchte der französische Philosoph bekräftigen, dass es nicht nur darum geht, die Art und Weise zu analysieren, wie ein Organismus in der Welt ist, sondern radikaler zu untersuchen, wie Bewusstsein eine Welt ausmacht. Die Welt ist kein zu messendes äußeres Objekt, sondern das Ergebnis einer tiefen Interaktion zwischen Mensch und Umwelt. Die Welt wird nicht künstlich vor das Subjekt gestellt, sondern mit dem Subjekt geboren. Wenn wir also bedenken, dass in der Kunst von Außenstehenden nicht das Objekt wichtig ist, sondern die Aktion, um dorthin zu gelangen, sollten wir uns nicht nur auf das Bild in der Arbeit konzentrieren, sondern auf alles. Bewegung des Körpers, der es hervorgebracht hat. Die Geste ist Teil der Arbeit und die Arbeit stellt einen Moment der Offenheit für die Welt dar. „Sich selbst zu verlieren ist sicherlich angenehm und grausam.“ FTMarinetti (Venezianella e Studentaccio 2013) Warum kann das Original original sein? Wenn ich darauf hinweise, dass Azemas Gemälde aus der Pathologie des Seins stammt, ist es bereits ein Hinweis auf den Ursprung des Seins (die Pathologie kann nicht jemandem gehören, der nicht existiert). Der Zustand, mit dem der Mensch die Welt hört, ist bereits ein origineller Weg des Hörens, weil in der Wahrnehmung der Sinne Individualität entsteht. Auf der anderen Seite entsteht auf dem Weg zum anderen die Gemeinschaft. Für Außenseiterkünstler besteht die Suche nach einer Verbindung zum anderen nicht in unterschiedlichem Maße. Für Außenstehende, Künstler des Fantastischen und des Imaginären entwickelt sich der kreative Akt, indem sie mit sich selbst sprechen. Die einzige Möglichkeit der Kommunikation besteht darin, in diese Welt einzutreten, in der wir verstehen müssen, dass der Ursprung auf absolut originelle Weise gehört wird. Marcello Francolini