Joseph Beuys: State I (FS II.242), 1980
Andy Warhol

Cette œuvre saisissante présente le portrait répété d'un homme dans un style pop art classique. Présenté dans une grille de quatre images identiques, le sujet est représenté coiffé d'un chapeau sombre sur un fond turquoise éclatant. L'utilisation de couleurs vives et contrastées crée un effet visuel fascinant, attirant l'attention sur les traits et l'expression dépouillés de l'individu. La répétition souligne la nature iconographique de l'œuvre, caractéristique du mouvement pop art, qui remet en question les perceptions identitaires et médiatiques. La simplicité de la composition se juxtapose à la complexité de son commentaire culturel, invitant le spectateur à explorer les thèmes de la célébrité et de la marchandisation. La palette vive et le style distinctif de l'œuvre en font un exemple indéniable de l'exploration de la répétition et de l'identité par l'art contemporain.

Cette œuvre d'art saisissante présente le portrait répété d'un homme dans un style pop art classique. Présenté sous la forme d'une grille de quatre images identiques, le sujet est représenté coiffé d'un chapeau sombre, sur un fond turquoise vif. L'utilisation de couleurs vives et contrastées crée un effet visuel fascinant, attirant l'attention sur les traits et l'expression austères du personnage. La répétition souligne la nature iconographique de l'œuvre, caractéristique du mouvement pop art, qui remet en question les perceptions de l'identité et des médias de masse. La simplicité de la composition est juxtaposée à la complexité de son commentaire culturel, invitant les spectateurs à explorer les thèmes de la célébrité et de la marchandisation. La palette vive et le style distinctif de l'œuvre en font un exemple incontournable de l'exploration de la répétition et de l'identité dans l'art contemporain.

Joseph Beuys (State I) est une sérigraphie originale d'Andy Warhol datant de 1980. Joseph Beuys n'a cessé d'élargir sa définition de l'art en mettant en scène des « happenings » et des « actions » qui n'étaient pas destinés à durer. Sa performance la plus connue est How to Explain Pictures to a Dead Hare, dans laquelle l'artiste, dont la tête était inexplicablement recouverte de miel et de feuilles d'or, transportait littéralement un lièvre mort avec lui alors qu'il traversait un espace de galerie partiellement inaccessible au public.

D'une certaine manière, Joseph Beuys cherchait à obtenir le contraire d'Andy Warhol. Avec ses performances bizarres et ses œuvres énigmatiques, il tentait de créer de nouvelles mythologies et de rompre avec le matérialisme dont Warhol jouait librement. Cette tension entre les approches artistiques des deux artistes offre une perspective intéressante sur les représentations de Beuys et Warhol.

Joseph Beuys FS II.242 est en soi assez explicite. Quatre mises en scène d'une photographie très contrastée et fortement ombrée (assez typique de la photographie de Warhol à l'époque) reposent sur un dégradé cyan doux. Sur la photographie, Beuys porte son gilet de pêche et son fedora emblématiques. Son regard est captivant, les bords de la sclère de ses yeux se confondant avec le reste de son visage, ne laissant apparaître que des pupilles perçantes. Son expression est neutre, suggérant soit l'indifférence, soit une profonde réflexion. Ses traits émaciés et teutoniques lui donnent un air presque extraterrestre, ce qui convient peut-être à un artiste dont l'œuvre se situe aux limites de l'intelligibilité. En même temps, Andy Warhol fait de Beuys un Warhol, lui rendant hommage, comme il le fait dans ses autres œuvres, considérées comme des sanctuaires dédiés aux célébrités, mais l'ancrant également dans le monde matériel. Dans Joseph Beuys State I (FS II. 242), Warhol rend Beuys tangible, presque accessible.

Andy Warhol et Joseph Beuys se sont rencontrés pour la première fois à Düsseldorf en mai 1979. Environ sept mois plus tard, ils se sont revus à New York, ce qui a conduit à un « déclic » (Beuys) entre les deux artistes. Warhol a pris près d'une centaine de photos Polaroid de Beuys et en a choisi une comme base pour un total de dix-neuf sérigraphies, qu'il a présentées un an plus tard à la galerie Schellmann & Klüser à Munich. Les artistes se sont rendus à Munich spécialement pour cet événement presque historique et ont donné des interviews avant leur « coproduction » - un événement qui incarnait l'interaction fascinante entre les contrastes réels et supposés entre les deux personnalités et offrait à la fois amusement et profondeur. La star s'est mise en scène, tandis que le chaman s'est révélé. Il était bien connu que Beuys explorait chaque objet en détail comme vecteur d'énergie de son histoire, tandis que Warhol cultivait la surface en profondeur. On pouvait voir à quel point Beuys transmettait avec précision tout son concept artistique, tandis que Warhol esquivait habilement les questions posées.

Warhol, dont la renommée semblait s'estomper à mesure que les gens pensaient avoir percé à jour son projet « américain », a portraituré Beuys, qui était alors en vogue grâce à son exposition en Amérique. Warhol a représenté l'image de l'artiste européen en utilisant sa technique éprouvée de sérigraphie, qui avait déjà fait ses preuves pour ses sujets « américains », des boîtes de soupe à la Joconde. Contrairement à ses portraits des années 70, il a toutefois complètement renoncé au « maquillage » et n'a pas mis en valeur les lèvres, les yeux ou les éléments décoratifs, ni utilisé de zones de couleur. Il en a résulté des portraits de Beuys en noir sur blanc, noir sur noir, noir sur rouge et rouge sur vert. Il enrichit le mode d'expression spartiate de Warhol d'un effet qui oscille entre le kitsch et l'esthétique subtile. Il expérimente la poussière de diamant, qu'il ajoute à la peinture afin que les images « brillent, scintillent vraiment » (Warhol). S'agit-il d'un effet arbitraire visant à embellir l'image, car « Beuys est vraiment une apparition brillante qui brille tout simplement », ou Warhol considère-t-il les moyens techniques comme une expression de dignité ?