Passate al rango di pittura di genere secondo una gerarchia stabilita dalla Reale Accademia di Pittura fin dalla sua creazione nel 1648, la natura morta, con paesaggio, è stata a lungo esclusa dal riconoscimento seguendo una tradizione classica che classificava i pittori in base agli argomenti trattati. Questa regolamentazione si basava sull'idea semplice e unanimemente accettata che la rappresentazione dell'uomo meritava soprattutto l'attenzione del pittore, la cui qualità principale era la fantasia. Fino al XIX secolo, la natura morta subì la censura dei “Grands Genres” che attiravano tutta l'attenzione del pubblico durante l'annuale Salon che si teneva nel Salon Carré del Louvre.
Cos'è una natura morta? Per Charles Sterling: si tratta di “organizzare un gruppo di oggetti in un'entità plastica. » Natura morta per gli inglesi, bodegon per gli spagnoli, questi termini designano incontri di oggetti silenziosi.
Un universo chiuso, un mondo fermo ma aperto alla fuga così come al sogno, ecco ciò che seduce gli artisti moderni e testimonia le loro conquiste plastiche, di conseguenza i loro cambiamenti espressivi: neoimpressionismo, fauvismo, cubismo, realismo. Tutto si muove, si vede diversamente, si riscrive, si ripensa. Osare decostruire il colore, decostruire i volumi di un oggetto o scegliere di osservarlo fedelmente, è pur sempre scegliere dal mondo che ci circonda ciò che ci sembra più comune. È con l'oggetto che i cubisti e i loro seguaci si riconnettono alla figurazione. Rappresentare è diventata la parola d'ordine per diverse generazioni di pittori fino ai giorni nostri in cui l'arte figurativa conosce un autentico risveglio. Nel 1934, una mostra dedicata ai maestri della realtà ricordava l'importanza di una pittura di tradizione francese legata all'architettura della forma attuale, fatta di osservazione paziente e contemplativa, di un'esecuzione maturata dalla maestria del disegno, dalla potenza del linea animata, la densità del colore e la sua tattilità.
Ritornando sull'argomento, i pittori che fondarono nel 1935 il gruppo Forces Nouvelles - al quale apparteneva Georges Rohner - riabilitarono l'oggetto. Sostengono una costruzione fatta di misura e gusto. Tutti sono consapevoli che l'abuso del realismo e della ristrettezza mentale danneggerebbero la verità della loro arte. Si tratta quindi di trovare il bellissimo equilibrio, l'armonia e la nobile architettura della composizione in cui gli oggetti trovano naturalmente il loro posto sotto la pressione delle forze immaginative.
Tra dolcezza della vita e tensione ascetica, tra lirismo e rigore, la sintesi risponde a un'esigenza di ordine e disciplina. Il realismo, rispettoso della realtà, esprimendosi in molteplici forme, sfugge alla banalità realistica e acquista stile. Dal naturalismo cromatico di Despierre al giansenismo di Bertholle, dai toni tenui e contrastanti di Ceria al luminismo di Henri Martin, dall'espressionismo di Raymond Guerrier al mistero delle foto in bianco e nero di Jean-Marie Auradon che rimandano a Ascesi Nell'opera pittorica di Rohner, tante sono le espressioni stilistiche e sensibili che si offrono all'occhio e alla mente. Le loro opere convivono per un dialogo che mette in luce la diversità di una realtà umanista. Un rinnovato repertorio di oggetti riserva molteplici sorprese in cui tutti i nostri sensi sono convocati.
In un tempo sospeso, quello dalla durata indefinita, gli oggetti inanimati hanno il valore di eternità. In questi spazi di immobilità della realtà e dell'attesa, lasciamoci sorprendere dall'insolita grandezza delle cose più umili, dalla loro tragica bellezza, dalla loro stranezza o più semplicemente dal profumo di una bellezza edenica. La libertà dell'osservazione profonda e paziente nutre il linguaggio della pittura nel desiderio di sfuggire alle diluizioni mentali. Un posto privilegiato è riservato a Georges Rohner e Jacques Despierre, che si conoscono nel 1930 alla Scuola di Belle Arti, amici inseparabili fino all'Accademia di Belle Arti dove vengono eletti rispettivamente nel 1968 e nel 1969. Sono uomini convinti, in lotta per il riconoscimento del “mestiere”, il patrimonio dei maestri al servizio di una visione tra creazione e scoperta. La loro analisi della mente è emotivamente rivolta verso Poussin, i veneziani, Chardin, David, Delacroix, Cézanne, Matisse, come il loro collega Bertholle. Rohner, paladino del grande classicismo, erede di Ingres, Despierre architetto, nato alla pittura con il padre Ceria. Sono coloristi e designer nella sostenibilità dell'arte al servizio di tutta la civiltà.
“L’umiltà di Chardin implica meno una sottomissione al modello che una segreta distruzione dello stesso a beneficio della sua pittura” scrive Malraux in Les Voix du silent (Parigi, 1951). I pittori riuniti in questa mostra sono tutti debitori a Chardin e dimostrano una costante identità pittorica della scuola francese rinnovata con la Scuola di Parigi. Che si allontanino dall'illusionismo o lo rivisitano, che riprendano l'atto della pittura come esercizio plastico cercando di risolvere i diversi problemi che l'arte pone, che mettano in discussione il loro modello sforzandosi di restituire nelle loro opere la nobiltà e l'autorità di un classicismo che non ha più nulla di convenzionale, affermano le loro qualità di disegnatori e coloristi, al servizio della singolarità del loro linguaggio.
Lydia Harambourg, storica e critica d'arte
Membro corrispondente dell'Istituto,
Accademia delle Arti
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