El príncipe y princesa la galería de arte galería presenta, además de un conjunto de pinturas de años Akira Kito que cubren el período 1954-1972, varias esculturas de su hijo Sebastián.
Esta exposición se abre un diálogo artístico entre un padre y un hijo, el diálogo se ha mantenido viva Akira Kito, padre, y que resuena hoy en día, en esta ocasión, mágicamente, estableciendo perspectiva de sus obras.
Este diálogo es muy emocionante porque, como en la tradición japonesa, los lazos familiares están llenos de respeto y devoción del hijo por el padre, sentimientos reflejan claramente en el diálogo.

"Akira Kito nació en Japón en 1925 vive y trabaja en París entre 1953 y 1970, cuando regresó a Japón para no volver hasta su muerte en 1994.
Hijo y nieto de artistas tradicionales reconocidos por la Corte Imperial de Japón, Kito llegaron a entrenar para el arte occidental y el arte moderno, en particular mediante el estudio por primera vez en la escuela de Bellas Artes de París 1953-1957.
También podemos suponer que, al igual que muchos jóvenes artistas japoneses, llegó a París como por la emancipación de la tradición, que es más familiar en su caso, sólo para descubrir el arte moderno y "vanguardista" - arte vivo de alguna manera.
Después de salir de la escuela, se convirtió en activo - tanto por su propia producción y su compromiso en la vida artística vibrante del tiempo.
Sus primeras pinturas de los años 1955 y 1956 reflejan su admiración por Paul Klee, por Dubuffet, para los artistas ingenuos o falsamente ingenua. Estas son las pinturas infantiles aparición como mi hermana está muerto o mi coche, pero no se engañe el know-how del autor en el dibujo y el uso sutil de color en los fondos muy trabajado - que seguirá siendo su "marca".
Estos "infantil" son todos muy cerca después de la cobra funciona, incluyendo llamadas, pero con colores más apagados y menos vivos. También se siente una cultura pictórica más reflexivo, menos espontáneo y menos expresionista - en resumen una maestría pictórica impresionante en un artista tan joven, aunque ella no concede nada al academicismo. Inmediatamente Kito por lo tanto su estilo y forma, tanto primitivo y sofisticado, espontánea y controlada.
Muy pronto, las mezclas de Kito con este estilo europeo signos "modernos" y las cifras tanto de su Japón natal, como el arte primitivo e indígena, con siempre la misma relación con Klee.
En 1958-1960 años, Akira Kito logró una síntesis sutil y fuerte entre vocabularios heterogéneas con la técnica consumada.
Si la pintura de una máscara, un japonés o un dragón, se trata de un área pequeña (por lo general da formato 70 x 50) con una simple composición de los fondos profundos, denso y trabajado. Las señales de que la estructura de la composición son los signos vitales que pueden provenir de la cultura japonesa, pero para nosotros, al igual que los arquetipos imaginarios, como los que se encuentran al mismo tiempo con Miro o Llamar. El ambiente es misterioso y mágico. Cabe recordar aquí que el nombre del pintor, Kito, en japonés significa "cabeza del diablo." Los títulos hablan por sí mismos: Amuleto, sueño negro, mujer mitológica. A veces melancólica connotación personal: Autorretrato, soledad, aunque el humor es a menudo presentes.
Posteriormente, en 1960, los signos tienden a extenderse o formar redes más complejas (la desesperación, la ciudad, la isla desierta). La referencia a Hundertwasser que estaba estrechamente vinculado Kito es obvio - pero hay que señalar que el intercambio entre los dos amigos fue mutuo. Sin embargo Kito mantiene su paleta de grises y silenciado, sin su colorido carnaval de su amigo. Kito se reúne con la felicidad humor Cobra, falsa ingenuidad Dubuffet y los demonios japoneses.
Los extremos historia ahí para nosotros porque de repente, por razones difíciles de conocer y probablemente más personales que la pintura, el pintor vuelve a Japón, donde continuará con el mismo estilo, pero a la audiencia japonesa.
cambio de tendencia curiosa después de un intenso período de compromiso en la vida artística parisina: como si la fuerza de los orígenes no se puede negar indefinidamente o incluso indefinidamente suspendido.
El desafortunado efecto de este cambio o devolución es que carecemos de una visión global del artista y su arte, pero todo el "rebelde" de la primavera Kito aún mejor. Hay salvajismo y el exceso de esta artista de culto y sutil.

El relé viene con su hijo Sébastien Kito (me cae la ortografía O), quien es un artista franco-japonesa "completa", si se puede decir así sin que sea ridícula, ya que Sebastián Kito nació en Francia en 1963 y trabajó allí continuamente desde entonces.
Al igual que su padre, fue alumno de la Escuela de Bellas Artes - e, irónicamente o no, en el estudio de un artista que fue el primero de la cobra, me refiero a Alechinsky.
Aunque trabajó con Raymond Hains como asistente durante más de diez años, se desarrolló un escultor práctica de su propia, que es lo contrario fantasías expresivas de la cobra, la antítesis de la caligrafía, y la mitología materismo. Agregando que era la fuerza necesaria para trabajar con Hains preservando al mismo tiempo su propia voz.
La escultura de Sébastien Kito está hecho de formas simples, sin corazón y "transparente", que son transitable por el aspecto y hasta puede pasar físicamente en el caso de los más grandes. Le cortaron el espacio de luz y se ajustan como dibujos de tamaño natural. Las formas se obtienen de forma legible por el corte de las superficies interiores que a continuación se pliegan y se extendían / ​​expande hacia fuera. Si hay algo que los japoneses aquí es el eco de la papiroflexia, el arte de doblar el papel, aquí se aplica a los metales y vidrios.
Los colores son simples, tales como el comercio ofrece (rojo, amarillo, azul, rosa), a menos que Kito conserva el color de los metales, el estaño, vidrios polarizados industrialmente materiales. Se detienen la mirada en su forma y luego dejar en a través de él. Si existe una relación "moderna" a la nota es que con Calder, pero la dimensión "móvil". Las articulaciones se hacen a menudo de bisagras que indican la posibilidad de que varias posiciones - incluso la escultura veces.
Es importante señalar que Sébastien Kito trabajando en escalas muy diferentes, desde la escultura discreta pequeña que se apoya en un soporte encima de la escultura espacio al aire libre, a través de las esculturas que integran interior aunque el diseño de los espacios de vida.
Hay algo original, entre el minimalismo, sin movimiento cinético, el diseño conceptual del proyecto e incluso, por ejemplo, para prismas de colores tan enigmática que parecen venir de otro planeta.
El mayor cumplido que podemos hacer para Sébastien Kito es que su escultura consigue que hay edad: no cumple con los disparos (esencialmente naturalistas o tecnológicos) de la producción contemporánea, pero no tiene relación no depende de forma más visible al pasado. Ella misma como ella.
Esto no es tan común y el producto se vea un cambio refrescante de escenario sin exotismo. "

Yves Michaud
10 de enero de, el año 2016