de Aurélien Desbois

La carrera del artista plástico Delwood, nacido en 1983, es atípica. Lleno de un gran deseo de libertad e independencia, abandona temprano la escuela para salir de un marco que no le conviene para construir rápidamente una vida a su imagen, lejos de los estándares de niños de su misma edad.

Delwood no esperó a que alguien le enseñara imitaciones, fue a buscarlas y colocarlas donde le parecían adecuadas. Así que en tercer grado, rebelde por una maestra que persigue a una estudiante y la trágica pérdida de ella, orquestó su primera intervención urbana a gran escala. Luego se ve a sí mismo como el artista que guía las operaciones, mientras que su compañero es el gángster que lo asiste.

Elige el azul (un color que considera el de la esperanza y le recuerda su particular cariño por el océano) para repintar todos los muros exteriores del establecimiento que formaban una U a través de la escultura de la Virgen. Esto le dará una acusación y una advertencia, una especie de libertad condicional. Es a partir de este momento que piensa en lo urbano, la calle como superficie potencial de creación.

Un segundo hecho marca su vida como artista plástico. En 2001 fue a la Bienal de Venecia y visitó el pabellón americano. Allí descubrió el mercado callejero de Barry McGee. Un barrio se reconstituye íntegramente con montones de coches y donde todos los objetos presentes son personalizados por diferentes artistas. Asume de frente la magnitud de esta instalación y con ella el significado real del Street Art. Luego desea aportar densidad adicional a su trabajo.

La pintura y el dibujo están presentes con el artista desde la escuela primaria. Tomó lecciones de modelo en vivo e hizo talleres de acuarela. (Una práctica de la pintura que aún hoy se puede leer en sus lienzos, a través del manejo diluido del color, el dominio de la transparencia).

En la escuela media y secundaria, estuvo inscrito en la Escuela de Arte de Bayona, Delwood iba todos los miércoles y fines de semana y en 2001 se unió a la clase preparatoria para el examen de ingreso a la Escuela de Bellas Artes. Al final, no llegará al final del proceso, considerándose listo para embarcarse de lleno en la creación plástica y considerando que este sentimiento no tiene por qué ser validado por una Institución.

De 2003 a 2008 dibujó mucha comida de los grafitis que vio en España en Francia, en blocaos. Principalmente produce rotulación siempre al borde del vandalismo para excitar a las autoridades, para hacerle cosquillas a los límites impuestos.

Su vida se divide entre la ayuda que aporta al negocio familiar: un hotel situado a los pies de la estación de Bayona, misiones temporales, senderismo, surf y la creación plástica que ejerce en diferentes terrenos. En ese momento, su taller, instalado en el hotel de sus padres, se fue ampliando cada vez más hasta alcanzar una superficie de 130 m2. Navega entre la recepción y sus pinceles y aprecia este lugar de paso donde se encuentra con muchos extraños que lo alimentan.

Vendió tan pronto como ingresó a la escuela preparatoria y tuvo su primera exposición en 2007. En 2008, comenzó a pintar sobre lienzo, sin poder hacer graffitis en la calle después de un segundo arresto.

El CV Crew, así como el grupo NTM, le influyeron especialmente. No era tanto que escuchara rap, sino que apreciaba la capacidad de NTM de apropiarse de la calle o del metro por una proximidad entre la creación musical y el público.

Produce mucho y presenta regularmente su trabajo hasta 2013.

La docencia llega poco a poco en su carrera y a su manera. Obtuvo el BAFA en 2010 y trabajó como animador. Hizo dos observaciones: por un lado, los medios en el campo de la animación son extremadamente delgados y, por otro lado, lo que ofrecemos a los niños es muy limitado. Quiere ir más lejos.

Trabaja en escuelas y colegios en asociación con la galería Spacejunk - Bayonne y con el comité de empresa de EDF. Esto le permite participar en el festival de culturas urbanas “Urban Vibrations” en Burdeos. Colabora con el departamento de Imagen de la mediateca de Biarritz y se convierte en un pedagogo identificado, capaz de transmitir desde el jardín de infancia hasta el bachillerato utilizando métodos que él mismo ha desarrollado a partir de la cultura del Street Art.

Hoy, Delwood es profesor de artes aplicadas. Encontró una forma alternativa de enseñar que le permitió integrar la necesidad de libertad e independencia del alumno, como la que experimentó mientras creaba en la calle. De esta forma consigue poner en marcha proyectos de gran envergadura sin tener que recurrir a la disciplina.

El patio de recreo y el área de aprendizaje de Delwood es la vida, el espacio urbano, la naturaleza, que pronto le otorgará una licencia en artes visuales obtenida por una Validación de Experiencia Adquirida.

Delwood reivindica un arte comunicativo, compartido y accesible, un arte para todos que surge de una forma de elitismo o academicismo.

Actualmente está preparando una nueva serie para una futura exposición.

ENFOQUE ARTÍSTICO

Delwood tiene una sensibilidad y una atención muy particular hacia la naturaleza adquiridas por la libertad de movimiento y acción que se otorgó a sí mismo desde muy joven. También su obra es el testimonio del agarre del Hombre sobre esta naturaleza y se declina sobre tres apoyos.

Las máscaras implantadas en el espacio urbano son una forma que ha existido desde que pintó. Procedentes de diversas influencias: máscara africana, esculturas Moai (Isla de Pascua), funcionan como punto de referencia en su práctica.

La máscara es para él un referente universal porque está presente en todas las civilizaciones y épocas.

Emblema del pasado, viene a defender nuestro futuro como guardián de la naturaleza. Intenta tanto denunciar la creciente urbanización implementada por el hombre como contenerla. El hombre tiene más respeto por su pasado que por su futuro, usar un emblema primario es reintegrar este respeto a nuestro presente para mejorar nuestro futuro.

Las montañas dibujadas en papel son la proyección de nuestro impacto actual sobre la naturaleza. Aquí, una vez más, Delwood vincula pasado, presente y futuro en una sola producción. Utiliza los códigos del grabado del siglo XIX utilizando un bolígrafo de punta fina utilizando la técnica de rayado y rayado cruzado. Durante este siglo, los exploradores fueron en busca de picos montañosos, como Henri Russel. Hoy ya no descubrimos, estamos urbanizando estos sitios con la ayuda de infraestructuras que nos permiten escalar cada vez más alto. Estas construcciones se materializan en sus dibujos mediante coloridas formas geométricas que se injertan en la montaña. Delwood imagina nuestro futuro: no hay más espacio abajo y nos vemos obligados a colonizar los picos. Al final, el equilibrio se invierte y la urbanización gana la batalla sobre la naturaleza: sin ella, la montaña se derrumba.

El movimiento cinético que sobresale en las paredes es la traducción de la profundidad, del vacío. Una idea que se le ocurrió cuando descubrió las obras de Anish Kapoor. El movimiento cinético es hipnótico, interminable; al igual que la acción del Hombre que construye de una manera irrazonable. Implantar la máscara dentro de este movimiento es reintroducir una marca y así significar ese torbellino en el que nos perdemos.

Delwood cubrió completamente las casas abandonadas usando este vórtice. Nos muestra el vacío que pronto volverá a llenarse con otro programa arquitectónico. Muestre el vacío para crear conciencia de la plenitud o incluso del desbordamiento.

Los dibujos sobre papel se realizan en una contención necesaria para la cruz y el rayado que llenan, mientras que los movimientos cinéticos se realizan en un soltar, una caída al vacío. Delwood reintegra el vacío en nuestras vidas mostrándonos el desbordamiento de esta urbanización galopante.

Si el artista aborda temas pesados, los colores que utiliza aportan una forma de ligereza. Ve un aspecto lúdico en el uso del color. Intenta asociarlos como lo haría instintivamente un niño porque considera que los niños tienen naturalmente el sentido de los colores.

Alerta de Delwood en color.