„Soweit wir uns erinnern können, ist das Leben das, was in den Intervallen zwischen den Ereignissen passiert, ein Gefühl flüchtigen Glücks, ein Schmerz, den wir vergessen.“ »
Annie Ernaux – Die Jahre
In „The Little Things“, einer Gruppenausstellung, die vom 20. Juni bis 20. Juli in der Galerie Bessaud zu sehen ist, feiern fünf französische Künstler die im Alltag verborgene Schönheit und helfen uns, diese kleinen Dinge wahrzunehmen, die zwar manchmal trivial erscheinen, aber volle Bedeutung geben zur Existenz.
Für Lola Ripoche, eine Lyoner Künstlerin, die an der Boulle-Schule sowie an der Ecole nationale supérieure des Arts Décoratifs in Paris ausgebildet wurde, müssen wir nach oben blicken und dem Himmlischen besondere Aufmerksamkeit schenken. Sie entwickelt daher formale und konzeptionelle Forschungen zur Erfassung von Partikelempfindungen und Wolken, universellen Artefakten, die sowohl Fragen der Darstellung als auch Probleme im Zusammenhang mit unserer Verbindung zur Umwelt zwischen Rauch, Verschmutzungssmog und Schönwetter-Cumuluswolken synthetisieren. Der Künstler entwickelt gemischte Sfumato-Techniken, die die Beziehungen zwischen Träger und Oberfläche erforschen, um uns dazu zu bringen, auf das zu schauen, was wir sehen.
Für Caroline Karenine geht es darum, sich an diese Orte und Momente zu erinnern und sie zu verewigen, die sie seit ihrer Kindheit begleitet haben. Dazu stellt sie sich organische Assemblagen aus Porzellan-, Papier- und Fadenfragmenten vor, in einer poetischen Abstraktion, inspiriert vom Impressionismus und der Kunst asiatischer Drucke. Das Zusammenspiel von Weben und Perforationen des Materials wirkt wie viele Pinselstriche und schafft eine fragmentierte Karte dieser Landschaften und dieser Empfindungen, an die sie sich für immer erinnern möchte. Aus einer persönlichen Erinnerung wird sie zur Erinnerung eines jeden. Die einzigen Anhaltspunkte auf dieser Karte sind die Titel der Werke. Wie Hinweise verraten sie eine Jahreszeit, einen Moment oder einen Ort.
Für Silvio Mildonian liegt die Freude in der Beschwörung der einfachen Elemente, die seine Wurzeln bilden. Erstens alte und armenische Wurzeln, mit einem Motiv, dessen Variationen er obsessiv erforscht: die Aprikose. Tatsächlich soll es die Frucht Armeniens und eines seiner starken Symbole sein. Einer Legende zufolge pflanzte Noah beim Abstieg aus der Arche und nach den Überschwemmungen, die die Erde heimsuchten, einen Aprikosenbaum neu. Nur dieser Baum hätte im Herzen dieser überschwemmten Böden Widerstand geleistet, da die Katastrophe alles zerstört hatte, was ihr in den Weg kam. Die mit dieser Festigkeit verbundene Faszination ist für den Künstler eine Möglichkeit, die Kraft aller Lebewesen zu materialisieren, um so robust zu werden wie dieser Baum und den Launen des Lebens zu widerstehen.
Die zweiten Wurzeln, die er beschwört, sind die seiner Heimatregion zwischen Marseille und der Provence. Er schildert sie mit Freude und einem scheinbaren Loslassen, hinter dem sich jedoch eine kompositorische Strenge verbirgt. Es geht von einer Reihe von Überlagerungen, Akkumulationen und Umformulierungen aus und mobilisiert ein breites Spektrum an Werkzeugen und Techniken. Ölkreide, Ölfarbe, Spray, Acryl …: Der Künstler mischt Texturen und Darstellungen, um besser mit neuen Ansätzen experimentieren und „das Chaos zähmen“ zu können, wie er es ausdrückt. Das Ergebnis ist ein sprudelndes und überschwängliches Gemälde mit vermeintlicher Freiheit.
Der in Caen lebende und arbeitende Künstler Emile Orange nutzt ein von Fotografie und Kino beeinflusstes figuratives Lexikon, um sich das, was er täglich durchlebt, neu anzueignen. Er schafft narrative Bilder, in denen sich das Licht elektrischer Beleuchtung mit dem einer zu tief stehenden Sonne vermischt. Farbe ist ein wesentliches Element seiner Arbeit, sie ermöglicht es ihm, die Faszinationen und Sorgen auszudrücken, die ihn durchströmen. Die Verwendung fluoreszierender Pigmente erschwert die Reproduktion seines Gemäldes; man kann es nur dann in vollem Umfang genießen, wenn man davor steht. Seine Referenzen sind sowohl das Schweigen von Edward Hopper, die Intrigen von Jacques Monory als auch die Schwingungen von Nina Childress. Kurz gesagt, er verwandelt die kleinen Dinge in seinem Leben und verleiht ihnen eine fast filmische Größe.
Für den Künstler Léo Dorfner geht es darum, alle Teile, die unser tägliches Leben prägen, zu zerlegen und dann neu zu ordnen: populäre und mediale Darstellungen, Werbeikonen, visuelle Memes ... Er zeichnet eine zeitgenössische Rockmythologie, die ebenso ungläubig ist wie es ist undiszipliniert. Durch Anleihen und Zitate, durch Anordnung, Collage und Markierung gibt er fragmentierten, oft absurden und anachronistischen Erzählungen Gestalt. Sein zutiefst poetisches Werk basiert auf der Vorliebe für grafische Experimente und der Sorgfalt bei der Komposition, im Mittelpunkt eines plastischen Spiels zwischen der Textur des Papiers, der Qualität der Linie, den Nuancen der Farben und den möglichen Legenden, die es gibt begleiten sie veranschaulichen. Die urbanen Geschichten, zu denen er uns einlädt, offenbaren die schöne Unverschämtheit seines Blicks und die Fähigkeit der Überlagerung von Bildern, entgegen und gegen jede Logik einen Sinn zu ergeben.
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