Sculpture Bronze
Liens, 2024
Peinture : acrylique · 80 x 80 x 4 cm 31.5 x 31.5 x 1.6 inch · Prête à accrocher
2 214 £GB
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Avis vérifiés : 9.6/10
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À propos de l'œuvre
Type
Peinture : Œuvre unique
État
Œuvre vendue en parfait état, non encadrée, prête à accrocher
avec châssis
Authentification
Vendue avec certificat d'authenticité de l'artiste
Facture de l'artiste
Signature
Oeuvre signée à la main
Dimensions ( cm • inch )
80 x 80 x 4 cm 31.5 x 31.5 x 1.6 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Vendue par
Artiste indépendant·e
Références
Vendeur certifié depuis 2026
Description
La première impression est celle d'une galerie d'états intérieurs. Les personnages ne semblent pas interagir directement entre eux ; chacun paraît absorbé dans sa propre émotion ou sa propre pensée. Les regards sont rarement dirigés vers le spectateur et les expressions oscillent entre la mélancolie, la rêverie, l'inquiétude et une forme de sérénité. L'œuvre donne moins l'impression de raconter une histoire que d'explorer différentes facettes d'une même expérience humaine.
Le choix de représenter principalement des enfants ou de jeunes adolescents est significatif. L'enfance est souvent associée à l'innocence, mais ici elle apparaît surtout comme un âge de la sensibilité, où les émotions sont vécues avec intensité. Les postures — mains sous le menton, tête penchée, regard perdu — suggèrent l'introspection plutôt que le jeu.
La palette est très expressive. Les bleus, gris et noirs dominent et créent une atmosphère nocturne ou méditative. Les visages, éclairés par des tons chauds (jaunes, blancs cassés), émergent de cette obscurité comme des îlots de lumière. Ce contraste peut symboliser la vie intérieure, l'espoir ou simplement l'attention portée à chaque individu.
Les coulures de peinture jouent un rôle essentiel. Elles ne semblent pas être un accident mais un choix esthétique. Elles évoquent la pluie, le temps qui passe, les larmes ou la mémoire qui se délite. Elles donnent aussi au tableau une dimension vivante, comme si les émotions débordaient du cadre.
La composition est dense. Les figures sont rapprochées mais ne forment pas un groupe uni. Cette proximité physique contraste avec leur isolement psychologique, ce qui peut être lu comme une réflexion sur la solitude au sein d'une communauté ou d'une famille.
Il y a également un équilibre entre réalisme et expressionnisme. Les visages sont suffisamment reconnaissables pour susciter l'empathie, tandis que les proportions, les gestes et les contrastes de couleur privilégient l'expression émotionnelle plutôt que la fidélité anatomique.
Ce tableau pourrait être compris comme une méditation sur la richesse émotionnelle de l'enfance. Plutôt que de montrer des enfants heureux ou tristes de manière univoque, l'artiste semble réunir toute une gamme de sentiments : l'attente, la curiosité, le doute, la rêverie, la fatigue, la joie discrète. Chaque visage devient le portrait d'un état d'âme.
Le fait qu'il n'y ait pas de décor identifiable renforce cette idée : le véritable sujet n'est pas un lieu ni un événement, mais le monde intérieur des personnages.
La création de cette œuvre se veut comme une galerie d'états intérieurs permettant d'explorer les différentes facettes d'une même expérience humaine. Même si les figures sont rapprochées et que l'ensemble des personnages représentés participent à une même scène de vie, ils ne forment pas un groupe uni. Cette proximité physique contraste avec leur isolement psychologique, ce qui peut être lu comme une réflexion sur la solitude au sein d'une communauté ou d'une famille.
Présentation
Fanny Gueniot est une artiste plasticienne française qui développe une pratique croisant peinture, dessin et céramique. Sa pratique picturale et sculpturale s'articule autour de la figure, envisagée non comme une simple représentation, mais comme une apparition fragile, en tension entre présence et disparition. Ses œuvres se construisent dans un équilibre volontairement instable entre abstraction et figuration, laissant une place essentielle à l'inachevé, au flottement et à la circulation du regard. La matière occupe une place centrale dans son travail. Elle ne cherche pas seulement à décrire une forme, mais à la faire émerger. Les surfaces se construisent par strates successives, comme des dépôts de mémoire où le geste demeure perceptible. Cette approche sensible invite à une expérience du regard lente et attentive, où la suggestion prime sur l'affirmation. Les figures qui apparaissent dans ses œuvres ne racontent pas une histoire au sens narratif. Elles se présentent comme des états, des fragments, des seuils, laissant au spectateur la liberté de construire ses propres liens et son interprétation.
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