Archipel de rémanence, 2026
Peinture : acrylique · 80 x 100 x 3 cm 31.5 x 39.4 x 1.2 inch · Prête à accrocher
4 260 €
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À propos de l'œuvre
Type
Peinture : Œuvre unique
État
Œuvre vendue en parfait état, encadrée, prête à accrocher
avec châssis
Authentification
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Signature
Oeuvre signée à la main
Dimensions ( cm • inch )
80 x 100 x 3 cm 31.5 x 39.4 x 1.2 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Dimensions de l'œuvre encadrée
83 x 103 x 4 cm 32.7 x 40.6 x 1.6 inch
Vendue par
Galerie d'art
Références
Vendeur certifié depuis 2017 • Top Seller
Description
Description plastique
Le fond, obtenu par pulvérisation sur toile noire, passe d’un gris-bleu sombre aux angles à une clarté jaune-vert concentrée au centre de la composition. Sur cette atmosphère se détachent des masses sombres aux contours très découpés, réparties en chapelets le long des bords : en haut une bande continue, à droite et en bas deux groupes plus compacts, à gauche un ensemble plus clairsemé. Ces masses, noires et bleu nuit, sont largement rehaussées d’or mat et de bronze, parfois de blanc crayeux. Au centre à gauche, un lacis de lignes blanches épaisses se déploie en boucles ouvertes, traverse la zone claire et s’achève en une courbe isolée. Des points et des gouttes de tailles diverses ponctuent toute la surface.
Analyse critique
L’œuvre se lit comme une vue zénithale. Les masses périphériques forment des terres, la clarté centrale une étendue, les ponctuations des îlots secondaires : la composition installe un espace sans jamais recourir à la perspective. Ce dispositif tient à un renversement du traitement habituel du sujet et du fond — ici, le vide central est l’élément le plus lumineux et le plus actif, tandis que la matière se répartit aux marges. La ligne blanche joue un rôle décisif : elle est le seul tracé continu de l’œuvre, le seul geste humain parmi des formes qui paraissent produites par des processus naturels. Le passage progressif du fond, de la périphérie sombre au centre lumineux, donne à l’ensemble sa respiration et évite que les masses ne se figent en découpage.
Mise en perspective dans l’œuvre de GABAN
L’œuvre appartient à Fragments & Résonances, série où GABAN travaille la dispersion plutôt que la concentration. Elle en constitue l’une des formulations les plus accomplies : les éléments y sont séparés, et pourtant l’ensemble se tient. C’est aussi l’une des rares compositions de la période à adopter un format horizontal, qui lui permet de déployer latéralement cette logique insulaire. La technique de pulvérisation sur fond noir, peu fréquente dans son travail, produit une profondeur atmosphérique très différente des aplats et des coulures qui dominent ailleurs. L’or vieilli, repris par l’encadrement, y est employé comme sédiment déposé sur les masses plutôt que comme accent lumineux. Écho dans l’art contemporain La vue aérienne abstraite constitue un motif largement exploré dans la peinture contemporaine, nourri par l’imagerie satellitaire et par la cartographie, où le territoire devient composition. L’œuvre s’y rattache sans céder à la description : ses îles n’appartiennent à aucune géographie. Le traitement atmosphérique du fond, obtenu par diffusion plutôt que par touche, relève des abstractions attentives au phénomène lumineux et à ses gradations continues. Enfin, la dispersion des éléments sur un champ sans centre figuré prolonge les recherches sur la composition non hiérarchique menées depuis le milieu du vingtième siècle. GABAN en infléchit le principe en réintroduisant un foyer — lumineux, mais vide. Résonances symboliques et spirituelles La rémanence désigne ce qui persiste après la disparition de sa cause : l’image qui demeure quand la lumière s’est éteinte, la trace qui subsiste quand l’événement a cessé. L’œuvre en donne une figure spatiale. Les masses en sont les restes, dispersés, et la clarté centrale ce qui continue d’émettre alors que plus rien ne l’alimente. L’archipel ajoute à cela l’idée d’une séparation qui n’abolit pas l’appartenance : des terres distinctes, et pourtant un même ensemble. On peut y lire une proposition sur la mémoire, où ce qui a été fragmenté conserve une cohérence que rien ne vient plus garantir de l’extérieur. La ligne blanche, unique et continue, serait alors ce qui relie encore.
Conclusion
Archipel de rémanence réussit à faire tenir ensemble des éléments séparés par le seul effet d’une lumière centrale. Sa singularité tient à ce renversement : le vide y est le foyer, la matière la périphérie. L’œuvre installe un espace vaste dans un format mesuré, et laisse au regard le soin d’en parcourir les intervalles
Présentation
GABAN est le nom d'un battement d'ailes intimes.
souffle que l'on n'étouffe plus. Une vibration qui impose sa nécessité. Peintre de l'émotion pure et de la matière vivante, GABAN émerge tard, mais avec la certitude d'être, enfin, là où tout converge.
Issu(e) d'une lignée d'artistes – petit-fils de Maxime Pierre André Verdier, peintre et professeur aux Beaux-Arts, et fils de Michel Verdier, médecin pathologiste et laqueur – GABAN porte dans ses veines la mémoire des gestes, la rigueur du regard et la liberté des pigments. Mais c'est hors des académies que son œuvre prend forme. Quelques cours, vite délaissés. L'essentiel est ailleurs : dans le fracas des couleurs, l'élan viscéral du geste, la tension entre surface et profondeur. Ne jamais copier le réel. Le transpercer. Le ressentir. L'inventer. Chez GABAN, l'émotion prime sur la figuration, la texture sur la ligne. Ses ateliers, à Paris et Aix-en-Provence, sont des sanctuaires. D'un côté un écrin construit pour elle/lui par son compagnon, où s'opère la mue silencieuse d'une vie parisienne exigeante et exposée, vers une intériorité fertile. Là, le parc de la maison Ithaque déploie sa palette infinie de verts, d'ocre, d'ombres mouillées. La nature n'est pas une source d'inspiration : elle est une matrice, une partenaire, un double vivant. De l'autre, son studio parisien où les reflets du soleil sur les toits parisiens sont autant de miroirs des âmes, terreaux fertiles de ses créations. GABAN, nom d'homme choisi avec aplomb par une femme qui s'assume pleinement mais refuse les assignations. L'ambition n'est pas genrée : devenir un grand artiste, vendre ses œuvres de son vivant, exister dans la matière et dans le marché. Que l'histoire de l'art soit majoritairement masculine n'est pas une contrainte, c'est un champ à réinventer. Apparue à la peinture en 2013 dans un moment de fracture assumée avec les conventions et l'auto-censure, GABAN entre en création par effraction. Sa période “EMERGENCE" (2013-2017) est dense, minérale, bouleversée. Les toiles portent les stigmates de l'excès, du chaos intérieur, des failles autant que de la volonté de s'extraire. La matière est brute, parfois noire, entaillée, comme un terrain brûlé encore fumant. Depuis 2025, une nouvelle ère s'installe : la période “CONVERGENCE", tournée vers l'apaisement, l'acceptation, l'ouverture. Les couleurs s'élargissent, les formes respirent, les gestes s'allègent sans jamais perdre en intensité. GABAN ne cherche plus : GABAN est. Et chaque toile le dit avec élégance et puissance. GABAN ne peint pas pour orner, mais pour dire. Dire la beauté foudroyante du vivant, les combats souterrains de l'âme, et cette quête d'un équilibre toujours instable entre exigence, liberté et humanité.
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