Racines du tumulte, 2026
Peinture : acrylique · 100 x 100 x 4 cm 39.4 x 39.4 x 1.6 inch · Prête à accrocher
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À propos de l'œuvre
Type
Peinture : Œuvre unique
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avec châssis
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Oeuvre signée à la main
Dimensions ( cm • inch )
100 x 100 x 4 cm 39.4 x 39.4 x 1.6 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Vendue par
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Références
Vendeur certifié depuis 2017 • Top Seller
Description
Description plastique
Sur un fond blanc froid, une masse centrale sombre occupe l’axe vertical de la toile et s’y enracine. Elle se compose de bleus d’ardoise, de gris de suie et de noirs denses, agrégés en paquets irréguliers qui s’épaississent vers le centre. De part et d’autre, des projections et des coulures s’échappent en gerbes : filaments bronze et or vieilli, traits bruns, éclaboussures noires. Dans la partie basse, des verts profonds et des ocres de terre s’accumulent en un soubassement plus dense. L’ensemble est traversé de lignes liquides, longues et nerveuses, qui montent du bas vers le haut et relient les masses entre elles. Les marges blanches restent largement ouvertes, surtout sur la gauche. Analyse critique La composition affirme une verticalité contrariée. La masse sombre monte, mais ses contours sont constamment rompus par les projections latérales, si bien que l’ascension ne s’achève jamais en silhouette stable. C’est là le ressort de l’œuvre : une structure qui tient debout tout en exhibant ce qui la menace. Les tons minéraux — argile, suie, pierre, bronze — donnent à la matière une épaisseur géologique, tandis que les coulures lui restituent sa fluidité. La tension entre ces deux états, le minéral et le liquide, produit une impression de contrainte retenue, comme si la matière contenait un cri ou une mémoire. Le châssis tridimensionnel renforce ce parti : il détache la peinture du mur et accentue sa présence d’objet.
Mise en perspective dans l’œuvre de GABAN
Racines du tumulte appartient à Tensions & Transformations, série où GABAN travaille les états de rupture plutôt que les états de passage. L’œuvre y creuse un motif récurrent, celui de l’ancrage instable : du vivant fracturé puis reconstitué, non pas réparé mais recomposé autrement. Elle se distingue des toiles les plus claires de la période par son économie chromatique, presque entièrement rabattue sur les terres et les gris, et par le refus de toute zone de repos. Le format carré, associé au châssis épais, lui confère une frontalité qui contraste avec les compositions suspendues de Seuils & Passages. C’est une œuvre de résistance plus que de transition.
Écho dans l’art contemporain
Le vocabulaire — projection, coulure, geste libre, matière abandonnée à sa propre dynamique — relève des abstractions gestuelles développées à partir de l’après-guerre, où l’acte de peindre vaut comme sujet. L’attention portée aux tons de terre, de suie et de bronze, et le refus du coloris séduisant, l’inscrivent dans une sensibilité informelle attachée à la matière pauvre et à ses accidents. L’œuvre rejoint par ailleurs un courant contemporain plus large, qui prend le sol et le souterrain comme sujets — strates, rhizomes, réseaux enfouis — en réponse à une conscience écologique attentive à ce qui travaille sous la surface. Ce qui lui appartient en propre est la verticalité : ce tumulte se tient debout. Résonances symboliques et spirituelles
La racine est une figure paradoxale : elle assure la stabilité en s’enfonçant dans ce qui est meuble, instable et obscur. L’œuvre prend cette contradiction au sérieux. Elle ne propose pas un ancrage rassurant mais un ancrage dans le trouble, qui ne supprime pas l’agitation et la convertit en appui. Dans une lecture intérieure, on peut y voir une proposition sur la manière dont une vie se tient : non par élimination de ce qui la secoue, mais par incorporation. La partie basse de la toile, la plus dense et la plus sombre, n’est pas le lieu de la chute ; elle est le lieu où la matière se charge. Rien n’y est résolu, et c’est ce qui permet à la forme de s’élever.
Conclusion
Racines du tumulte est une œuvre de tension sourde, construite sur une verticalité que les projections contrarient sans jamais l’abattre. Sa force tient à cet équilibre : une masse qui monte, un désordre qui la nourrit, un blanc qui laisse voir l’un et l’autre. Elle ne cherche pas l’apaisement, elle organise la résistance.
Présentation
GABAN est le nom d'un battement d'ailes intimes.
souffle que l'on n'étouffe plus. Une vibration qui impose sa nécessité. Peintre de l'émotion pure et de la matière vivante, GABAN émerge tard, mais avec la certitude d'être, enfin, là où tout converge.
Issu(e) d'une lignée d'artistes – petit-fils de Maxime Pierre André Verdier, peintre et professeur aux Beaux-Arts, et fils de Michel Verdier, médecin pathologiste et laqueur – GABAN porte dans ses veines la mémoire des gestes, la rigueur du regard et la liberté des pigments. Mais c'est hors des académies que son œuvre prend forme. Quelques cours, vite délaissés. L'essentiel est ailleurs : dans le fracas des couleurs, l'élan viscéral du geste, la tension entre surface et profondeur. Ne jamais copier le réel. Le transpercer. Le ressentir. L'inventer. Chez GABAN, l'émotion prime sur la figuration, la texture sur la ligne. Ses ateliers, à Paris et Aix-en-Provence, sont des sanctuaires. D'un côté un écrin construit pour elle/lui par son compagnon, où s'opère la mue silencieuse d'une vie parisienne exigeante et exposée, vers une intériorité fertile. Là, le parc de la maison Ithaque déploie sa palette infinie de verts, d'ocre, d'ombres mouillées. La nature n'est pas une source d'inspiration : elle est une matrice, une partenaire, un double vivant. De l'autre, son studio parisien où les reflets du soleil sur les toits parisiens sont autant de miroirs des âmes, terreaux fertiles de ses créations. GABAN, nom d'homme choisi avec aplomb par une femme qui s'assume pleinement mais refuse les assignations. L'ambition n'est pas genrée : devenir un grand artiste, vendre ses œuvres de son vivant, exister dans la matière et dans le marché. Que l'histoire de l'art soit majoritairement masculine n'est pas une contrainte, c'est un champ à réinventer. Apparue à la peinture en 2013 dans un moment de fracture assumée avec les conventions et l'auto-censure, GABAN entre en création par effraction. Sa période “EMERGENCE" (2013-2017) est dense, minérale, bouleversée. Les toiles portent les stigmates de l'excès, du chaos intérieur, des failles autant que de la volonté de s'extraire. La matière est brute, parfois noire, entaillée, comme un terrain brûlé encore fumant. Depuis 2025, une nouvelle ère s'installe : la période “CONVERGENCE", tournée vers l'apaisement, l'acceptation, l'ouverture. Les couleurs s'élargissent, les formes respirent, les gestes s'allègent sans jamais perdre en intensité. GABAN ne cherche plus : GABAN est. Et chaque toile le dit avec élégance et puissance. GABAN ne peint pas pour orner, mais pour dire. Dire la beauté foudroyante du vivant, les combats souterrains de l'âme, et cette quête d'un équilibre toujours instable entre exigence, liberté et humanité.
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