Stillleben mit Landschaften wurden gemäß einer von der Royal Academy of Painting seit ihrer Gründung im Jahr 1648 festgelegten Hierarchie in den Rang der Genremalerei eingestuft und blieben lange Zeit von der Anerkennung ausgeschlossen, einer klassischen Tradition folgend, die Maler nach den von ihnen behandelten Themen klassifizierte. Diese Regelung basierte auf der einfachen und einstimmig akzeptierten Idee, dass die Darstellung des Menschen vor allem die Aufmerksamkeit des Malers verdiente, dessen Hauptqualität die Vorstellungskraft war. Bis zum 19. Jahrhundert litt das Stillleben unter der Zensur der „großen Genres“, die während des jährlichen Salons, der im Salon Carré im Louvre stattfand, die gesamte Aufmerksamkeit des Publikums auf sich zog. Was ist ein Stillleben? Für Charles Sterling geht es darum, „eine Gruppe von Objekten zu einer plastischen Einheit zu organisieren“. » Stillleben für die Engländer, Bodegon für die Spanier, diese Begriffe bezeichnen das Zusammentreffen stiller Objekte. Ein geschlossenes Universum, eine Welt im Stillstand, aber offen für Flucht und Träume – das ist es, was moderne Künstler verführt und von ihren plastischen Eroberungen und damit von ihren Ausdrucksveränderungen zeugt: Neoimpressionismus, Fauvismus, Kubismus, Realismus. Alles bewegt sich, sieht sich anders, schreibt sich neu, denkt sich neu.

Den Mut zu haben, die Farbe zu dekonstruieren, die Volumina eines Objekts zu dekonstruieren oder sich dafür zu entscheiden, es getreu zu beobachten, bedeutet immer noch, aus der Welt um uns herum das auszuwählen, was am häufigsten erscheint. Es ist das Objekt, mit dem die Kubisten und ihre Anhänger die Verbindung zur Figuration wieder herstellten. Das Darstellen wurde für mehrere Generationen von Malern zum Schlagwort, bis heute die figurative Kunst ein authentisches Revival erlebt. Im Jahr 1934 erinnerte eine Ausstellung, die den Meistern der Realität gewidmet war, an die Bedeutung eines Gemäldes französischer Tradition, verbunden mit der Architektur der gegenwärtigen Form, entstanden aus geduldiger und kontemplativer Beobachtung, einer Ausführung, die durch die Beherrschung der Zeichnung, die Kraft des Zeichnens, gereift ist animierte Linie, die Dichte der Farbe und ihre Haptik. Mit einer Rückkehr zum Thema rehabilitierten die Maler, die 1935 die Gruppe Forces Nouvelles gründeten – zu der auch Georges Rohner gehörte – das Objekt. Sie plädieren für eine Konstruktion aus Maß und Geschmack. Jeder ist sich darüber im Klaren, dass der Missbrauch von Realismus und Engstirnigkeit der Wahrheit seiner Kunst schaden würde. Es geht also darum, das schöne Gleichgewicht, die Harmonie und die edle Architektur der Komposition zu finden, in der die Objekte unter dem Druck der Vorstellungskräfte auf natürliche Weise ihren Platz finden. Zwischen der Süße des Lebens und der asketischen Spannung, zwischen Lyrik und Strenge antwortet die Synthese auf das Bedürfnis nach Ordnung und Disziplin. Der Realismus, der die Realität respektiert und sich in vielfältigen Formen ausdrückt, entkommt der realistischen Banalität und gewinnt an Stil Vom chromatischen Naturalismus von Despierre bis zum Jansenismus von Bertholle, von den gedämpften und kontrastierenden Tönen von Ceria bis zum Luminismus von Henri Martin, vom Expressionismus von Raymond Guerrier bis zum Geheimnis der Schwarz-Weiß-Fotos von Jean-Marie Auradon, die darauf verweisen Askese Rohners Bildwerk bietet so viele stilistische und sensible Ausdrucksformen, die dem Auge und dem Geist geboten werden. Ihre Werke koexistieren für einen Dialog, der die Vielfalt einer humanistischen Realität hervorhebt. Ein erneuertes Repertoire an Objekten hält zahlreiche Überraschungen bereit, bei denen alle unsere Sinne angesprochen werden. In einer schwebenden Zeit, die von unbestimmter Dauer ist, haben unbelebte Objekte den Wert der Ewigkeit. Lassen wir uns in diesen Räumen der Unbeweglichkeit der Realität und des Wartens von der ungewöhnlichen Größe der bescheidensten Dinge überraschen, von ihrer tragischen Schönheit, ihrer Fremdartigkeit oder einfach vom Duft einer paradiesischen Schönheit. Die Freiheit einer tiefen, geduldigen Beobachtung nährt die Sprache der Malerei in dem Wunsch, mentalen Verwässerungen zu entkommen.

Einen privilegierten Platz erhielten Georges Rohner und Jacques Despierre, die sich 1930 an der Schule der Schönen Künste kennengelernt hatten und unzertrennliche Freunde bis zur Akademie der Schönen Künste waren, wo sie 1968 bzw. 1969 gewählt wurden. Sie sind Männer voller Überzeugung, die für die Anerkennung kämpfen des „Berufs“, des Erbes der Meister im Dienst einer Vision zwischen Schöpfung und Entdeckung. Ihre Analyse des Geistes ist emotional auf Poussin, die Venezianer, Chardin, David, Delacroix, Cézanne, Matisse und ihren Kollegen Bertholle ausgerichtet. Rohner, Verfechter des großen Klassizismus, Erbe von Ingres, Despierre, der Architekt, wurde mit seinem Vater Ceria in die Malerei hineingeboren. Sie sind Koloristen und Designer für die Nachhaltigkeit von Kunst im Dienste der gesamten Zivilisation. „Chardins Demut impliziert weniger eine Unterwerfung unter das Modell als vielmehr eine heimliche Zerstörung desselben zugunsten seiner Malerei“, schreibt Malraux in Les Voix du Silence (Paris, 1951). Die in dieser Ausstellung versammelten Maler sind alle Chardin verpflichtet und bezeugen eine ständige Bildidentität der französischen Schule, die mit der Schule von Paris erneuert wurde. Dass sie sich vom Illusionismus entfernen oder ihn wieder aufgreifen, dass sie den Akt des Malens als plastische Übung wieder aufnehmen, indem sie versuchen, die verschiedenen Probleme zu lösen, die die Kunst aufwirft, dass sie ihr Modell in Frage stellen, indem sie danach streben, in ihren Werken den Adel und die Autorität eines Menschen wiederherzustellen Klassizismus, der nichts Konventionelles mehr hat, behaupten sie ihre Qualitäten als Designer und Koloristen im Dienste der Einzigartigkeit ihrer Sprache.

Lydia Harambourg, Historikerin und Kunstkritikerin. Korrespondierendes Mitglied des Instituts der Akademie der Schönen Künste