Die Prince & Princess Art Gallery Galerie präsentiert neben einer Reihe von Gemälden von Akira Kito Jahren für den Zeitraum von 1954 bis 1972, mehr Skulpturen von seinem Sohn Sebastian.
Die Ausstellung öffnet einen künstlerischen Dialog zwischen einem Vater und einem Sohn, hat den Dialog lebendig Akira Kito, Vater gehalten worden ist , und dass mitschwingt heute bei dieser Gelegenheit, auf magische Weise durch Perspektive ihrer Werke zu setzen.
Dieser Dialog sehr bewegt, weil, wie in der japanischen Tradition, familiäre Bindungen mit Respekt und Hingabe des Sohns für den Vater gefüllt sind, Gefühle eindeutig im Dialog reflektiert.

„Akira Kito in Japan geboren im Jahr 1925 lebte und in Paris zwischen 1953 bis 1970 arbeitete, als er nach Japan zurück nicht 1994 bis zu seinem Tod zurückzukehren.
Sohn und Enkel von traditionellen Künstlern vom Imperial Court of Japan anerkannt, Kito kamen für westliche Kunst und moderne Kunst insbesondere zu trainieren , indem man zuerst an der Ecole des Beaux-Arts in Paris von 1953 bis 1957 studiert.
Lebendige Kunst in irgendeiner Weise - Wir können auch davon ausgehen , dass, wie viele junge japanische Künstler, er nach Paris kam , als für die Befreiung von Tradition, die mehr Familie in seinem Fall ist, nur moderne Kunst und „Avantgarde“ zu entdecken.
Nach dem Abitur wurde er aktiv - sowohl durch die eigene Produktion und ihr Engagement im pulsierenden künstlerischen Leben der Zeit.
Seine frühen Gemälde von den Jahren 1955 und 1956 spiegeln seine Bewunderung für Paul Klee, für Dubuffet, für naiven Künstler oder falsch naiv. Dies sind Lacke kindliche Aussehen wie meine Schwester ist tot oder mein Auto aber täuscht nicht das Know-how des Autors in der Zeichnung und der subtilen Einsatz von Farbe auf dem sehr arbeitete Fond - , die ihre „Marke“ bleiben werden.
Diese „kindisch“ sind alle sehr nah nach Cobra arbeitet, einschließlich Anruf, aber mit dumpfer und weniger lebendigen Farben. Es fühlt sich auch eine durchdachte Bildkultur, weniger spontan und weniger expressionistisch - kurzum eine beeindruckende bildliche Meisterschaft bei einem so jungen Künstlern, obwohl sie nichts zu academicism verursacht. Unmittelbar Kito daher seine Art und Weise, die beide primitive und anspruchsvoll, spontan und kontrolliert.
Bald genug, Kito Mischungen mit im europäischen Stil „modern“ Zeichen und Zahlen von sowohl seiner Heimat Japan, als primitiv und indigene Kunst, mit immer der gleichen Beziehung mit Klee.
In 1958-1960 Jahren gelang es Akira Kito eine subtile und starke Synthese zwischen heterogenen Vokabulare mit vollendeter Technik.
Ob eine Maske Malerei, ein japanisches oder einen Drachen, haben wir es auf einen kleinen Bereich (in der Regel Formate 70 x 50) mit einer einfachen Zusammensetzung auf tiefen Mittel, dicht und arbeitete. Anzeichen dafür, dass Struktur sind die Zusammensetzung Vitalfunktionen, die von der japanischen Kultur kommen können, aber für uns, ebenso wie imaginäre Vorbilder, wie die zur gleichen Zeit mit Miro oder Anruf gefunden. Die Atmosphäre ist geheimnisvoll und magisch. Es sollte hier, dass der Name, Kito des Malers erinnert, in der japanischen bedeutet „Teufelskopf.“ Die Titel sprechen für sich: Amulett, schwarz Traum, mythologisch Frau. Manchmal melancholisch persönliche Konnotation: Selbstporträt, Abgeschiedenheit, obwohl Humor oft vorhanden ist.
Anschließend im Jahr 1960, neigen die Zeichen zu verbreiten oder zu komplexeren Netzwerken (Verzweiflung, Stadt, Desert Island) zu bilden. Der Verweis auf dem Hundertwasser war eng verknüpft Kito ist offensichtlich - aber es soll, dass der Austausch zwischen den beiden Freunden anzumerken, war gegenseitig. Allerdings Kito hält seine graue Palette und stumm, ohne seinen bunten Karneval seines Freundes. Kito trifft dann mit Glück Humor Cobra, falsche Naivität Dubuffet und der japanischen Dämonen.
Die Geschichte endet für uns da, weil plötzlich aus Gründen schwer zu wissen, und wahrscheinlich mehr persönlicher als die Malerei, der Maler kehrt nach Japan, wo er im gleichen Stil fortsetzen, aber auf das japanische Publikum.
Neugierig Turnaround nach einer intensiven Zeit des Eingriffs in Pariseren Kunstleben: als ob die Stärke der Herkunft nicht auf unbestimmte Zeit verweigert werden könnte, oder sogar auf unbestimmte Zeit ausgesetzt.
Der unglückliche Effekt dieser Änderung oder Rückkehr ist, dass wir eine umfassende Vision des Künstlers und seine Kunst, sondern der gesamten „Einzelgänger“ von Kito Frühjahr noch besser fehlen. Es Wildheit und Überschuss in diesen kultivierten und subtilen Künstlern.

Das Relais kommt mit seinem Sohn Sébastien Kito (I O Rechtschreibung fallen), der selbst einen französisch-japanischen Künstler „voll“, wenn man so sagen kann , ohne sie lächerlich zu sein, da Sebastian Kito in Frankreich im Jahr 1963 geboren und arbeitete dort kontinuierlich da.
Wie sein Vater war er Student an der Hochschule für Bildende Künste - und ironischen oder nicht, im Studio eines Künstlers, die erste Cobra war, meine ich Alechinsky.
Obwohl er mit Raymond Hains als Assistent für mehr als zehn Jahre arbeitete, entwickelte er eine Praxis Bildhauer seiner eigenen, die die Ausdruck Gegenteil Phantasien Cobra, der Gegensatz der Kalligraphie und die matterism Mythologie. Fügt hinzu, dass es notwendige Festigkeit Arbeit mit Hains war, während seine eigene Stimme zu bewahren.
Die Skulptur von Sébastien Kito ist aus einfachen Formen, entkernt und „transparent“, die durch den Blick überfahrbar sind und auch bei der größten physisch Pass. Sie schneiden den Raum mit Licht und passen es als lebensgroße Zeichnungen. Die Formen sind durch Schneiden der inneren Oberflächen leserlich erhalten, die dann gefalzt und verlängert / erweitert sich nach außen. Wenn es etwas Japaner hier ist das Echo des Origami, die Kunst des Papierfaltens, hier auf Metalle und Gläser angewendet.
Die Farben sind einfach, wie Angebote Handel (rot, gelb, blau, rosa), es sei denn, Kito die Farbe der Metall, Zinn, getönte Gläser industriell Material behält. Sie halten den Blick auf ihre Form und lassen Sie dann in durch. Wenn es eine „moderne“ Beziehung zu beachten ist, ist, dass mit Calder aber die Dimension „mobilen“. Die Gelenke sind oft von Scharnieren, die die Möglichkeit von mehreren Positionen zeigen - auch die Falte Skulptur.
Es ist wichtig zu beachten , dass Sébastien Kito auf sehr unterschiedlichen Maßstäben arbeiten, von kleinen diskreten Skulptur dass ruht auf einer Skulptur für den Außenraum stehen, durch die Skulpturen , die Innen obwohl die Gestaltung von Wohnräumen integrieren.
Es gibt etwas Originelles, zwischen Minimalismus, kinetischen bewegungslos, konzeptionellem Projektdesign und auch zum Beispiel für farbige Prismen so rätselhaft scheinen sie von einem anderen Planeten zu kommen.
Das größte Kompliment , das wir zu Sébastien Kito tun können , ist , dass seine Skulptur in mit keinem Alter gelingt: es nicht die Schüsse trifft ( im Wesentlichen naturalistischen oder technisch) der zeitgenössischen Produktion, aber es hat nicht mehr sichtbar abhängige Beziehung zur Vergangenheit. Sie selbst, wie sie ist.
Das ist nicht so verbreitet und das Produkt eine erfrischende Abwechslung ohne Exotik suchen. "

Yves Michaud
10, Januar 2016