Der Ausdruck des Empfindsamen.
Nao Kanekos Gemälde erschließen sich nicht auf den ersten Blick: Man muss in sie eintauchen und verweilen.
Ihre jüngsten Werke sind groß, ohne physisch exzessiv zu wirken. Sie sind von der Landschaft inspiriert, lösen sich jedoch von ihr und behalten nur einen entfernten Bezug, der meist durch den Titel angedeutet wird.
Die Malerin schöpft ihre Inspiration aus Weiten am Meer, aus Flussufern – insbesondere der Seine, wo sie nicht völlig verunstaltet ist – aus jenen Räumen und Momenten, in denen sich Himmel, Wolken und Wasser vermischen, aus Gärten, aber vor allem aus Landschaften, die von bestimmten Malern neu aufgegriffen oder neu interpretiert wurden, insbesondere von Monet für seine Gärten und Eindrücke von Licht und Nebel.
Allen diesen Gemälden gemeinsam sind ihre sanften, blassen, diffusen Farben mit einer starken Dominanz von Blau- und Weißtönen, die manchmal sonnig oder durch rote, gelbe oder grüne Akzente belebt werden. Hinter diesem allgemeinen Farbton verbirgt sich mehr – die Kunst, die Oberfläche zu bearbeiten, indem man die Schichten tief und „sprechend“ macht, indem man sie subtil und leicht mit Gips vermischt und dann weitere Farben und Farbtropfen hinzufügt, schleift und hinzufügt. Das aufmerksame Auge nimmt die Dichte und die lange Dauer des Prozesses wahr: Ein Kaneko-Gemälde ist nie einfach nur blau auf einem Hintergrund – es erzählt eine Geschichte, erzählt eine Zeit der Arbeit, erzählt Materialschichten und ermöglicht dem Maler auch, diese Vorgänge mitzuerleben …
Auszug aus einem Text von Yves Michaud im Katalog „Nao Kaneko – l'Horizon infini“, Éditions lapin rouge, 2016.
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