Denis Chetboune

Nacido en 1955, Denis Chetboune es autodidacta. Su infancia en África Negra, sus múltiples viajes desarrollaron su propensión a vagar, a detectar mientras holgazaneaba: "Nunca preguntes direcciones a alguien que conoce tu camino, te arriesgas a no poder perderte". De los museos que frecuenta, de los maestros que lo inspiran, esencialmente aprende a desaprender. Sus múltiples andanzas le han planteado muchas preguntas sobre el hombre y su destino. Sus esculturas son sus respuestas a sus preguntas. Los creó para que dialogaran libremente con el espectador. "Encendí una luz, y si te atrae, depende de ti chocar con ella una y otra vez, como esas polillas. En cualquier caso, morirás temprano en la mañana. Sin haber entendido nada. Porque no hay nada que entender ”. Denis Chetboune, aunque trabaja con un material y una técnica que permiten múltiples, normalmente solo produce piezas únicas. Este sesgo radica en la originalidad de su planteamiento, que no respeta el uso tradicional de las creaciones de bronce que consiste en hacer un yeso o una tierra para luego realizar un molde. A partir de esta moldura se puede entonces constituir una cera, de la cual el taller de fundición producirá un bronce llamado "cera perdida". Si se pierde la cera, no se realiza el vaciado inicial y por tanto permite repetir la operación. De ahí la posible producción de un cierto número de originales idénticos distinguidos por su número de rango: múltiplos. Denis Chetboune, trabaja directamente con cera. Evita el paso de moldeo y, por lo tanto, evita cualquier posibilidad de duplicación. Sus ceras representan elementos fragmentarios del conjunto que constituirá la obra final. Luego suaviza estos últimos en agua para quitarles el tono y darles una lentitud y delicuescencia contradictorias, y la naturaleza del material que constituye la pieza final, y el extraordinario dinamismo que expresará. Al salir de la fundición comienza el trabajo de ensamblar las piezas para formar el conjunto. Las diferentes piezas se ensamblan, reacomodan y luego se sueldan entre sí. Algunas se eliminan porque no presentan un aporte positivo respecto a los criterios exigentes del artista. La no representación de porciones enteras de cuerpos reduce la dimensión individual de cada elemento en beneficio de la cohesión y una dinámica general. Solo se tienen en cuenta los puntos de apoyo y las líneas descriptivas del movimiento general. La oblicuidad a menudo muy pronunciada de las "partes móviles" sugiere una subordinación a alta velocidad, una condición obligatoria para mantener el equilibrio. La pieza parece estar impulsada por un impulso irresistible, cuyo origen y destino depende únicamente de la imaginación del espectador. La discontinuidad de formas, por su parte, permite el paso de la mirada y articula los diferentes volúmenes en los que evoluciona la obra. El artista nos permite así ver simultáneamente el espacio inscrito en la obra, es decir, delimitado por la "piel" de los personajes o de los objetos, el espacio "externo" en el que está inscrito, y la perturbación que, a causa de su "desplazamiento", el primero hace sufrir al segundo. Y sobre el impulso inicial del portador se superpone así la representación de su trayectoria. Premios y reconocimientos 2010 - 1er premio de escultura de la Sociedad Nacional de Bellas Artes 2011 - Premio de escultura de la Fundación Taylor. 2do premio de escultura de las ganaderías nacionales