Mathilde Anclin

Mathilde Anclin wurde 1975 in Metz geboren. Seit ihrem Abschluss in Bildender Kunst an der Universität der Sorbonne, Paris 1, hat Mathilde Anclin eine Vorliebe für die Arbeit an den Qualitäten der Materie, die Schaffung von Texturen, im Mikro und im Makro bewahrt. Ihre Kindheit, geprägt von einer Erziehung, die sie von ihren Gefühlen und Emotionen abschottete, führt sie heute dazu, sich durch körpernahe Praktiken wie Tanz und somatische Praktiken neu zu entdecken. In den Cevennen erkundet sie andere Räume und kombiniert Bewegung, Zeichnung und Natur.

Sein Ansatz

„Ich bewege mich, übe Contact Improvisation Dance, oder ich beobachte die Tänzer, dann zeichne ich. Meine Entdeckung des Tanzes und des Body Mind Centering nährte mich in der Wiederentdeckung meines Körpers, half mir, ihn zu spüren. Heute bin ich offensichtlich inspiriert von diesen Empfindungen, Gefühlen, Emotionen, diesen inneren Bewegungen, die ich in mir selbst entdecke, im Kontakt mit der Natur und im Kontakt mit der äußeren Bewegung, insbesondere der Spirale, die die Welt, das Lebendige und das belebt Ich sehe überall. Ich zeichne, was ich fühle, ich erschaffe aus einer Emotion und nicht aus einem figurativen oder narrativen Willen.

Seine Forschung: Leben, fühlen und übertragen, durch Zeichnen, Bewegung.

Wie kann man die Bewegung, die Abfolge von Momenten und Formen darstellen und fühlen lassen, wenn die Zeichnung fertig ist, in der Zeit und in ihrer Form eingefroren?

„Ich verwende Schwarz und Weiß als Lichtwert und nicht als Farbe Eine Linie kann dann sowohl den Umriss eines Gesichts als auch den einer Hand darstellen. Die Farben erzwingen eine Lesart, und was ich möchte, ist, dass jeder wählen kann, was er fühlen möchte und wie er die Merkmale interpretieren möchte, wo ist das Innere, wo das Äußere.

Auch aus diesem Grund ergeben meine Zeichnungen oft keinen Sinn, man kann sie sich anschauen wie man will. Wenn Sie jemandem eine Zeichnung geben, legt die Person das Blatt zuerst „richtig“ an. Wenn jemand eine meiner Zeichnungen nimmt, dreht er sie um und dreht sie um und wählt aus, wie er sie sehen möchte.

Es gibt Bewegung und Wahlmöglichkeiten, der Beobachter wird zum Akteur, und danach suche ich.

Ich spiele auch dafür auf dem Mikro und dem Makro: Der Zuschauer muss sich bewegen, indem er wählt, aus welcher Entfernung er es betrachten möchte. Er macht die doppelte Bewegung, nach außen und dann nach innen, sich selbst zu platzieren und auszuwählen, was er sehen möchte. »

Die Arbeit wird interaktiv, und der Betrachter erschafft gemeinsam mit dem Künstler.

„Von da an fing ich an zu zeichnen, was ich fühle, Texturen, emotionale Empfindungen zu zeichnen, und immer in Schwarzweiß, auf großen Formaten. Ich habe gelernt, aus einer Emotion heraus zu erschaffen

und nicht eines figurativen oder narrativen Willens. Wie man die Zeichnung betrachtet, wie man die Schwarzen, die Weißen interpretiert, die Bedeutung der Zeichnung, seiner Absicht: diese Bewegung für den Betrachter zum Leben zu erwecken, indem man ihn zum Akteur seiner Beobachtung macht.

Ich möchte den Betrachter zum Akteur machen, ihn nach seiner Wahl in Bewegung setzen. Das Zeichnen einer weinenden Person erscheint mir nicht sinnvoller als das Zeichnen von Wellen oder angespannten Linien, die beide zum Beispiel Traurigkeit ausdrücken können. Jahrelang, Kinder, wurden meine Empfindungen durch meine Erziehung verkümmert, verleugnet, meine Emotionen vernichtet.

Ich hatte ein wenig Angst, verschlungene Körper und Geschlechter klar zu zeigen, vielleicht aus Bescheidenheit, Angst vor Schocks, und so ging ich florale und suggestivere Wege durch, um den Befragten darzustellen.