Le pont des âges,
2023
par Merljn
Peinture : gouache 42 x 29.7 x 0.1 cm 16.5 x 11.7 x 0 inch
1 129 CHF
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À propos de l'œuvre
Œuvre unique
Oeuvre signée à la main
Vendue avec certificat d'authenticité de l'artiste
Facture de la galerie
Peinture: gouache
42 x 29.7 x 0.1 cm 16.5 x 11.7 x 0 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Non encadrée
Œuvre vendue en parfait état
Localisation de l’œuvre: France
Il existe des rites, des révélations, des moments clés de la vie qui changent une personne, et elle a traversé le pont. C'est donc une métaphore du changement ; le pont incarne le moment du passage. C'est très personnel, pourtant, il est connu de tous.
Le style graphique est liquide, brumeux, comme l'incarnation d'un nuage qui plane au-dessus du passé et qui pourrait se présenter de nouveau à l'avenir sous une forme ou sous une autre. Ce lien intemporel est également soutenu par l'utilisation du monochrome qui permet à l'imaginaire du spectateur d'y interpréter la présence du jour et de la nuit ainsi que l'infinité des couleurs.
Cette peinture peut évoquer de bons souvenirs et de belles ambitions, ou au contraire replonger dans les craintes et les appréhensions du lendemain ; elle existe pour faire l'éloge de la transformation réussie, de ceux qui sont parvenus à franchir le pont, comme la médaille offerte aux grands champions.
Le format en 29,7 par 42 centimètres n'est pas un étalage public immense que tout œil doit voir, ce n'est pas une peinture égotique, c'est une récompense, un objet qui se garde et se regarde avec humilité, gratitude, qui peut être craint ou désiré.
Il est possible d'aller plus loin dans le sens métaphorique du pont, en interprétant chaque goutte, la déstructuration des matières, les hauteurs possibles de l'édifice, la légère teinte bleu nuit se mêlant au noir, ou encore les secrets que cache l'ombrage, mais, c'est le rôle du spectateur, un travail qu'il fait avec le temps qui passe, sans s'en rendre compte, car ces réponses lui sont personnelles, intimes.
La peinture est réalisée en utilisant la technique que l'artiste nomme *l'éclatement graphique* qui transforme la matière, elle est alors solide, liquide et gazeuse, opaque et transparente, réalisable et irréalisable, tout à la fois. Elle n'est ni vraisemblable, ni invraisemblable, elle est transformée, nouvelle. Pour les peintures ayant un format réduit, les images obtenues ont alors l'avantage d'acquérir un niveau de résolution plus élevé qu'en utilisant les techniques traditionnelles.
Certains spectateurs se laisseront aller à la rêverie en trouvant leur propre titre à cette œuvre, pour la bonne raison qu'il est caché, inscrit au dos de la feuille, alors que c'est par les mots que la peinture devient complète de sens. Seuls l'acquéreur et les initiés savent comment fonctionne ce tour, un titre permettant d'interpréter la peinture et le blanc ; des mots cachés pour respecter l'intimité de celui qui affiche humblement cette œuvre dans sa vie - signée à l'encre noire au dos de la feuille, laissant entièrement l'espace frontale au spectateur.
En conclusion, cette œuvre est un objet de collection qui est fait pour accompagner, motiver, glorifier, ou faire revenir à la raison son acquéreur, pendant toute sa vie. Esthétiquement discrète elle peut être placée sur un mur ou dans une bibliothèque, la contempler chaque jour ou vouloir la retrouver au hasard du temps.
Le papier utilisé est du 300g/m2 multitechnique, le bord du bas a été manuellement redécoupé aux ciseaux par l'artiste. La peinture est faite sur la face à grain fin, tandis que la signature et le titre sont sur la face à grain en lignes. La couleur a été obtenue par dilution de gouache - à ce niveau de dilution il est entendu de dire que la gouache est aquarellée.
L'artiste est sentimentalement très attaché à cette création.
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Le style graphique est liquide, brumeux, comme l'incarnation d'un nuage qui plane au-dessus du passé et qui pourrait se présenter de nouveau à l'avenir sous une forme ou sous une autre. Ce lien intemporel est également soutenu par l'utilisation du monochrome qui permet à l'imaginaire du spectateur d'y interpréter la présence du jour et de la nuit ainsi que l'infinité des couleurs.
Cette peinture peut évoquer de bons souvenirs et de belles ambitions, ou au contraire replonger dans les craintes et les appréhensions du lendemain ; elle existe pour faire l'éloge de la transformation réussie, de ceux qui sont parvenus à franchir le pont, comme la médaille offerte aux grands champions.
Le format en 29,7 par 42 centimètres n'est pas un étalage public immense que tout œil doit voir, ce n'est pas une peinture égotique, c'est une récompense, un objet qui se garde et se regarde avec humilité, gratitude, qui peut être craint ou désiré.
Il est possible d'aller plus loin dans le sens métaphorique du pont, en interprétant chaque goutte, la déstructuration des matières, les hauteurs possibles de l'édifice, la légère teinte bleu nuit se mêlant au noir, ou encore les secrets que cache l'ombrage, mais, c'est le rôle du spectateur, un travail qu'il fait avec le temps qui passe, sans s'en rendre compte, car ces réponses lui sont personnelles, intimes.
La peinture est réalisée en utilisant la technique que l'artiste nomme *l'éclatement graphique* qui transforme la matière, elle est alors solide, liquide et gazeuse, opaque et transparente, réalisable et irréalisable, tout à la fois. Elle n'est ni vraisemblable, ni invraisemblable, elle est transformée, nouvelle. Pour les peintures ayant un format réduit, les images obtenues ont alors l'avantage d'acquérir un niveau de résolution plus élevé qu'en utilisant les techniques traditionnelles.
Certains spectateurs se laisseront aller à la rêverie en trouvant leur propre titre à cette œuvre, pour la bonne raison qu'il est caché, inscrit au dos de la feuille, alors que c'est par les mots que la peinture devient complète de sens. Seuls l'acquéreur et les initiés savent comment fonctionne ce tour, un titre permettant d'interpréter la peinture et le blanc ; des mots cachés pour respecter l'intimité de celui qui affiche humblement cette œuvre dans sa vie - signée à l'encre noire au dos de la feuille, laissant entièrement l'espace frontale au spectateur.
En conclusion, cette œuvre est un objet de collection qui est fait pour accompagner, motiver, glorifier, ou faire revenir à la raison son acquéreur, pendant toute sa vie. Esthétiquement discrète elle peut être placée sur un mur ou dans une bibliothèque, la contempler chaque jour ou vouloir la retrouver au hasard du temps.
Le papier utilisé est du 300g/m2 multitechnique, le bord du bas a été manuellement redécoupé aux ciseaux par l'artiste. La peinture est faite sur la face à grain fin, tandis que la signature et le titre sont sur la face à grain en lignes. La couleur a été obtenue par dilution de gouache - à ce niveau de dilution il est entendu de dire que la gouache est aquarellée.
L'artiste est sentimentalement très attaché à cette création.
À propos du vendeur
Galerie d’art professionnelle • France
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Merljn, l'Artiste des Harmonies.
Merljn est un artiste qui a adopté une approche scientifique de l'art, explorant le mélange des médiums, des techniques, le choix du support et la composition avec une intention délibérée. Pour lui, la beauté obéit à des lois, et les outils offerts aux artistes forment un panel évident ou à découvrir, nécessitant un ordonnancement minutieux.
Son parcours l'a conduit à désapprendre pour atteindre l'authenticité, suivant l'adage "connais-toi toi-même". Esprit vivement opposé à la contrainte, à l'ennui, à la médiocrité, à la non-lucidité sur son travail et à l'incompréhension du spectateur, il a involontairement marché dans les pas de ses prédécesseurs. Redécouvrant le pointillisme, la peinture naïve, la copie conforme, la déstructuration, la science-fiction ou l'approche imprécise, ses idées maîtresses ont toujours été de prendre du plaisir dans ce qu'il fait et de "redécouvrir l'univers".
Sa progression fut longue et difficile. Lorsqu'une technique ou une façon de représenter n'avait plus rien à offrir et qu'il n'y trouvait pas l'exaltation recherchée, c'était à la suivante d'y passer. Être authentique, c'est aussi renoncer à ce qui nous déplaît, surtout si l'on y fondait des espoirs de bonheur. Bien des fois, il voulut tout arrêter.
Aujourd'hui, il pense que son art graphique n'est pas quelque chose qui pourrait l'occuper chaque jour du matin au soir. Il ne recherche pas une technique qui le rassasie, mais plutôt la variété artistique. Comme en cuisine, il est bon de varier, de ne pas être gourmand, ni de mourir de faim. Peut-être est-il un artiste sage.
Il a offert énormément de ses œuvres et, par principe, n'en avait jamais vendu. Elles sont dispersées aux quatre coins du monde, chez les riches et chez les pauvres. D'autres encore servent à alimenter le feu de son barbecue. Son avis sur les prix de son art est simple : s'il a besoin d'argent, il vend, autrement, il offre. Ce sont deux facettes du bonheur partagé.
Son identité civile et les détails de sa vie privée ne sont pas communiqués. Il raconte parfois au coin du feu qu'il s'est un jour trompé dans un sortilège, se retrouvant maintenant coincé à St Tropez dans un corps rajeuni, et qu'Arthur n'en saura rien. Mais ça, c'est une autre histoire...
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