Pumpkin (Red Edition) (1), 2015
Design : résine · 10 x 8 x 8 cm 3.9 x 3.1 x 3.1 inch
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À propos de l'œuvre
Type
Design : Edition ouverte
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Non Signée
Technique et Support
Dimensions ( cm • inch )
10 x 8 x 8 cm 3.9 x 3.1 x 3.1 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Vendue par
Galerie d'art
Références
Vendeur certifié depuis 2025 • Top Seller
Description
Cette œuvre vibrante capture l'essence de l'une des figures les plus influentes de l'art contemporain. La sculpture réinvente une forme naturelle à travers le prisme de la répétition obsessionnelle. Les tons rouges vifs et blancs nets s'affrontent dans une danse rythmique de pois. Ces motifs circulaires sont la signature de l'exploration à vie de l'artiste de l'infini et de l'hallucination.
Créée en 2015, cette pièce en résine comble le fossé entre l'art et le design décoratif. Les contours arrondis de la forme végétale sont méticuleusement tracés avec des tailles de points variables. Cette technique crée un sentiment de profondeur et de mouvement organique. Elle reflète une fascination pour la dissolution du soi dans l'environnement environnant.
La pièce incarne l'esprit de l'Art Pop. Elle transforme un objet simple en une puissante déclaration psychologique. Cette édition est présentée dans une boîte rouge assortie, ornée de graphiques célestes argentés. La finition brillante de la résine accentue l'intensité des couleurs. Chaque courbe est précise, soulignant la nature disciplinée de la vision de l'artiste. Cette sculpture à petite échelle traduit une esthétique monumentale en un objet physique intime. Elle demeure un témoignage d'une carrière multidisciplinaire définie par le courage et la persévérance.
Présentation
Les installations monumentales et immersives de Yayoi Kusama sont mondialement connues. Elles ont inspiré des artistes comme Carolee Schneemann, Yoko Ono ou encore Damien Hirst et ont été exposées dans les plus grands lieux de l'art contemporain : au MoMA à New York, au Centre Georges Pompidou à Paris ou encore à la Biennale de Venise.
Plus récemment, à l'automne 2025, la Fondation Beyeler, située à Bâle, a inauguré sa rétrospective entièrement consacrée à l'artiste. L'exposition, qui durera jusqu'en janvier 2026, revient sur ses sept décennies de carrière artistique. Les visiteurs peuvent y retrouver des œuvres emblématiques qui ont fait sa réputation ainsi que des œuvres plus anciennes jamais exposées en Europe. Les pratiques artistiques multidisciplinaires de Yayoi Kusama seront alors mises en avant pour cette exposition unique, à ne pas manquer !
En 2012, l'artiste japonaise marque un tournant dans sa carrière déjà prometteuse. En effet, celle-ci collabore avec l'incontournable maison française Louis Vuitton sur une collection qui devient l'une des plus emblématiques de la maison. Les points et autres motifs de l'artiste se mêlent au monogramme de la maison, témoignant de la rencontre entre art et mode. Cette collaboration fructueuse est même reconduite en 2023 avec une campagne marketing historique.
Née en 1929 à Nagano au Japon, elle commence à dessiner dès l'enfance. Elle souffre d'hallucinations très tôt. C'est en regardant une nappe à fleurs et en levant la tête vers le plafond qu'elle se rend compte que l'image de pois persiste. Ses hallucinations resteront omniprésentes dans son oeuvre, et notamment ces fameux pois. Elle étudie à l'École Secondaire Supérieure Hiyoshigaoka où elle fait principalement de la peinture japonaise traditionnelle et moderne.
Il est rare de voir une femme évoluer dans la profession d'artiste dans la société patriarcale japonaise. Ses parents s'opposent donc à sa pratique, surtout sa mère, mais cela ne fera que nourrir son art et forger ses convictions.
Elle se détache également de l'éducation japonaise trop traditionnelle et s'octroie plus de libertés en prenant pour inspiration les modèles occidentaux. Elle s'installe à 27 ans à Seattle puis à New York, où elle est contrainte de vivre avec peu de moyens.
Elle commence à exposer avec les artistes de l'avant-garde : Yves Klein, Andy Warhol ou encore Jasper Johns. Elle collabore fréquemment avec son ami artiste Donald Judd et présente un art de plus en plus provocateur.
A partir des années 60, elle s'inscrit pleinement dans l'Avant-Garde avec son art Psychédélique (en avant de la scène avec le mouvement hippie) et proche du Pop Art.
Elle produit de plus en plus de Happenings (performance spontanée qui nécessite la participation du public) et de performances. Elles est connue pour ses « Naked Demonstrations », qui sont des manifestations nues à but politiques, et pour lesquelles elle se faisait souvent arrêter par la police. Les installations qu'elle présente à la Galerie Gertrude Stein en 1964 remportent un franc succès. Elle est alors connue pour les happenings qu'elle organise en bas de son loft, allongée dans un matelas, recouverte de formes phalliques et de pois.
En 1966, elle s'impose à la Biennale de Venise avec son oeuvre « Narcissus Garden », une installation sur le pelouse du pavillon de l'Italie, qu'elle remplit de 1500 boules miroitantes. Elle sera conviée à la Biennale de Venise en 1993 à nouveau, mais cette fois-ci de manière officielle.
Elle rentre au Japon en 1973, fatiguée, puis intègre un Hôpital Psychiatrique en 1977, dans lequel elle réside, en face de son studio.
Son art lui permet avant tout de traiter ses hallucinations, mais aussi ses phobies : la peur du sexe par exemple, qui lui vient du comportement adultère de son père avec sa mère. Son art est provocateur, culotté, mais sert des convictions féministes et anti-machistes qu'elle a développées en grandissant au Japon. L'art donne du sens à sa vie. Elle ouvre d'ailleurs son propre en Musée à Tokyo et reste très active dans le monde de l'art.
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