Suspension d’olives, 2026
Peinture : acrylique · 80 x 80 x 2 cm 31.5 x 31.5 x 0.8 inch · Prête à accrocher
3 160 €
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À propos de l'œuvre
Type
Peinture : Œuvre unique
État
Œuvre vendue en parfait état, encadrée, prête à accrocher
avec châssis
Authentification
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Signature
Oeuvre signée à la main
Dimensions ( cm • inch )
80 x 80 x 2 cm 31.5 x 31.5 x 0.8 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Dimensions de l'œuvre encadrée
83 x 83 x 4 cm 32.7 x 32.7 x 1.6 inch
Vendue par
Galerie d'art
Références
Vendeur certifié depuis 2017 • Top Seller
Description
Description plastique
Sur un fond blanc crème traversé d’ombres légères et de halos ocrés, une frondaison sombre se déploie dans la partie haute de la toile. Elle est faite de masses vert-noir et brun olive aux contours découpés, denses et irrégulières, reliées entre elles par des lignes fines et sinueuses qui descendent en courbes vers le bas de la composition. Des accents bleus — un bleu franc, parfois turquoise — ponctuent la masse végétale, accompagnés de touches ocre doré et de beiges chauds. Dans la partie basse et sur les marges, des grappes de petits points verts et noirs se détachent sur la réserve blanche, dispersés comme des fruits tombés ou en suspens. Le bas de l’œuvre est largement laissé libre.
Analyse critique
L’œuvre organise une chute sans la montrer. Tout, dans la composition, prépare un mouvement descendant — la masse en haut, le vide en bas, les lignes qui plongent, les fruits dispersés — mais rien n’est arrivé au sol. Cette suspension est obtenue par un moyen simple et efficace : la réserve blanche du bas n’est pas lue comme un fond mais comme un intervalle, une distance encore à parcourir. Les accents bleus jouent un rôle important : ils introduisent une fraîcheur atmosphérique qui empêche la frondaison de basculer dans le motif décoratif et lui restitue sa qualité d’air. La finesse des liaisons linéaires, qui pourraient paraître anecdotiques, est en réalité ce qui retient l’ensemble : sans elles, les masses se détacheraient en silhouettes.
Mise en perspective dans l’œuvre de GABAN
L’œuvre poursuit la réflexion menée par GABAN sur le cycle du vivant, mais en inverse la perspective habituelle : plutôt que la germination ou l’éclosion, elle retient le moment du détachement. C’est un déplacement significatif à l’intérieur de la série Seuils & Passages, où le seuil est le plus souvent un commencement. Ici, il s’agit d’un seuil entre le fruit et son souvenir, entre le visible et ce qui va cesser de l’être. Le motif oléicole, qui parcourt plusieurs ensembles de la période, trouve dans cette toile sa formulation la plus retenue : pas de récolte, pas d’abondance, mais un instant tenu. Le format carré, en annulant toute direction privilégiée, renforce cette impression d’arrêt. La composition — une masse végétale dense en haut, un vide actif en bas, des liaisons calligraphiques — relève d’une sensibilité nourrie par les peintures de lettrés d’Extrême-Orient, où le rameau et la réserve forment ensemble le sujet. L’usage de l’acrylique en nappes liquides, laissée libre de s’étaler et de se rétracter, appartient en revanche au répertoire des abstractions contemporaines travaillant la fluidité et l’accident contrôlé. L’œuvre s’inscrit enfin dans le courant de l’abstraction méditerranéenne, attentive à la lumière blanche et aux feuillages argentés, sans jamais tomber dans le paysage. La tension entre ces trois registres constitue son intérêt propre.
Résonances symboliques et spirituelles L’olive porte une charge culturelle considérable : paix, longévité, onction, patience des terres sèches. GABAN ne convoque aucune de ces significations de front ; elle retient l’une de leurs conditions, la suspension. L’œuvre installe un temps intermédiaire, celui où une chose a quitté son état antérieur sans avoir rejoint le suivant. Cette position, familière à qui traverse une transition, est ici proposée sans dramatisation : elle apparaît comme un état plein, et non comme une attente. Le vide du bas de la toile n’annonce pas une perte ; il ouvre une disponibilité. On peut y lire une forme d’offrande, au sens le plus simple — ce qui est tendu, et qu’on ne reprend pas.
Conclusion
Suspension d’olives est une peinture de l’instant tenu. Sa justesse tient à ce qu’elle ne représente pas la chute mais la retarde, et fait du blanc laissé libre l’élément le plus actif de la composition. L’œuvre installe un silence en tension, qu’elle maintient du premier au dernier regard
Présentation
GABAN est le nom d'un battement d'ailes intimes.
souffle que l'on n'étouffe plus. Une vibration qui impose sa nécessité. Peintre de l'émotion pure et de la matière vivante, GABAN émerge tard, mais avec la certitude d'être, enfin, là où tout converge.
Issu(e) d'une lignée d'artistes – petit-fils de Maxime Pierre André Verdier, peintre et professeur aux Beaux-Arts, et fils de Michel Verdier, médecin pathologiste et laqueur – GABAN porte dans ses veines la mémoire des gestes, la rigueur du regard et la liberté des pigments. Mais c'est hors des académies que son œuvre prend forme. Quelques cours, vite délaissés. L'essentiel est ailleurs : dans le fracas des couleurs, l'élan viscéral du geste, la tension entre surface et profondeur. Ne jamais copier le réel. Le transpercer. Le ressentir. L'inventer. Chez GABAN, l'émotion prime sur la figuration, la texture sur la ligne. Ses ateliers, à Paris et Aix-en-Provence, sont des sanctuaires. D'un côté un écrin construit pour elle/lui par son compagnon, où s'opère la mue silencieuse d'une vie parisienne exigeante et exposée, vers une intériorité fertile. Là, le parc de la maison Ithaque déploie sa palette infinie de verts, d'ocre, d'ombres mouillées. La nature n'est pas une source d'inspiration : elle est une matrice, une partenaire, un double vivant. De l'autre, son studio parisien où les reflets du soleil sur les toits parisiens sont autant de miroirs des âmes, terreaux fertiles de ses créations. GABAN, nom d'homme choisi avec aplomb par une femme qui s'assume pleinement mais refuse les assignations. L'ambition n'est pas genrée : devenir un grand artiste, vendre ses œuvres de son vivant, exister dans la matière et dans le marché. Que l'histoire de l'art soit majoritairement masculine n'est pas une contrainte, c'est un champ à réinventer. Apparue à la peinture en 2013 dans un moment de fracture assumée avec les conventions et l'auto-censure, GABAN entre en création par effraction. Sa période “EMERGENCE" (2013-2017) est dense, minérale, bouleversée. Les toiles portent les stigmates de l'excès, du chaos intérieur, des failles autant que de la volonté de s'extraire. La matière est brute, parfois noire, entaillée, comme un terrain brûlé encore fumant. Depuis 2025, une nouvelle ère s'installe : la période “CONVERGENCE", tournée vers l'apaisement, l'acceptation, l'ouverture. Les couleurs s'élargissent, les formes respirent, les gestes s'allègent sans jamais perdre en intensité. GABAN ne cherche plus : GABAN est. Et chaque toile le dit avec élégance et puissance. GABAN ne peint pas pour orner, mais pour dire. Dire la beauté foudroyante du vivant, les combats souterrains de l'âme, et cette quête d'un équilibre toujours instable entre exigence, liberté et humanité.
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