La Prince & Princess Art Gallery presenta, oltre a una serie di dipinti di Akira Kitô che coprono il periodo dal 1954 al 1972, diverse sculture di suo figlio Sébastien.
Questa mostra apre un dialogo artistico tra un padre e un figlio, un dialogo che non poteva svolgersi durante la vita di Akira Kitô, il padre, e che risuona oggi, in questa occasione, in modo magico, attraverso la prospettiva di presentazione dei loro lavori.
Questo dialogo è molto commovente perché, come nella tradizione giapponese, i legami familiari sono pieni di rispetto e devozione del figlio per il padre, sentimenti che traspaiono chiaramente in questo dialogo.
“Akira Kitô, nato in Giappone nel 1925, rimase e lavorò a Parigi tra il 1953 e il 1970, quando ritornò in Giappone per non tornare mai più fino alla sua morte nel 1994.
Figlio e nipote di artisti tradizionali riconosciuti dalla corte imperiale del Giappone, Kitô si formò nell'arte occidentale e moderna in particolare studiando prima alla Scuola di Belle Arti di Parigi dal 1953 al 1957.
Possiamo anche supporre che, come molti giovani artisti giapponesi, sia venuto a Parigi tanto per emanciparsi dalla tradizione, che nel suo caso era più familiare, quanto per scoprire l'arte moderna e le "avanguardie" - vivere l'arte in un certo senso .
Non appena lasciò la scuola, divenne attivo, sia attraverso la propria produzione, sia attraverso il suo impegno nella vivace vita artistica dell'epoca.
I suoi primi dipinti del 1955 e del 1956 dimostrano la sua ammirazione per Paul Klee, per Dubuffet, per gli artisti ingenui o falsamente ingenui. Si tratta di dipinti apparentemente infantili come Mia sorella è morta o La mia macchina ma che non ingannano riguardo al grande know-how del loro autore nel disegno e al trattamento sottile del colore su sfondi molto lavorati - che rimarranno il suo "marchio".
Queste “infantilezzerie” si avvicinano subito molto alle opere di Cobra, in particolare di Appel, ma con colori più tenui e meno vibranti. Si avverte anche una cultura pittorica più meditata, meno spontanea e meno espressionista – insomma, una maestria pittorica impressionante in un artista così giovane, senza concedere nulla all'accademismo. Kitô ha subito un suo stile e un suo modo, primitivo e raffinato, spontaneo e controllato.
Ben presto Kitô mescolò a questa ispirazione europea “moderna” segni e figure provenienti dal suo paese natale, il Giappone, nonché arti primitive e indigene, sempre nello stesso rapporto con Klee.
Negli anni 1958-1960, Akira Kitô raggiunse una sintesi sottile e forte tra vocabolari eterogenei grazie ad una tecnica consumata.
Che dipinga una Maschera, una Donna giapponese o un Drago, si tratta di una superficie ridotta (generalmente formati di 70 cm per 50) con una composizione semplice su sfondi profondi, densi e lavorati. I segni che strutturano la composizione sono segni primordiali che possono provenire dalla cultura giapponese ma, per noi, altrettanti archetipi immaginari, come quelli che troviamo contemporaneamente in Miro o Appel. L'atmosfera è misteriosa e magica. Va ricordato a questo proposito che il cognome del pittore, Kitô, significa in giapponese “testa del diavolo”. I titoli parlano chiaro: Amuleto, Sogno Nero, Donna Mitologica. A volte con una malinconica connotazione personale: Autoritratto, Solitudine, anche se l'umorismo è molto spesso presente.
Successivamente, nel corso degli anni Sessanta, i segni tendono a diffondersi o a formare reti più complesse (Disperazione, Città, Isola Deserta). Il riferimento a Hundertwasser al quale Kitô era molto legato è ovvio – ma va notato che lo scambio tra i due amici era reciproco. Tuttavia, Kitô mantiene la sua tavolozza grigia e tenue, senza far suo il colorato carnevale del suo amico. Kitô riunisce quindi felicemente l'umorismo Cobra, la falsa ingenuità di Dubuffet e i demoni giapponesi.
La storia per noi finisce lì perché all'improvviso, per ragioni difficili da conoscere e probabilmente più personali che pittoriche, il pittore torna in Giappone, dove continuerà con lo stesso stile ma per il pubblico giapponese.
Una curiosa inversione di tendenza dopo un intenso periodo di impegno nella vita artistica parigina: come se la forza delle origini non potesse essere indefinitamente negata o addirittura indefinitamente sospesa.
L'effetto sfortunato di questa svolta o ritorno è che ci manca una visione completa dell'artista e della sua arte, ma il lato "anticonformista" di Kitô viene fuori ancora meglio. C'è selvatichezza ed eccesso in questo artista colto e sottile.
La staffetta arriva con suo figlio Sébastien Kito (tralascio l'ortografia ô), che è un artista franco-giapponese "a pieno titolo", se così si può dire senza che sia ridicolo, visto che Sébastien Kito è nato a Francia nel 1963 e da allora ha lavorato lì ininterrottamente.
Come suo padre, era uno studente alla Scuola di Belle Arti – e, ironia della sorte o no, nello studio di un artista che era innanzitutto Cobra, intendo Alechinsky.
Sebbene abbia lavorato con Raymond Hains come assistente per più di dieci anni, è stato in grado di sviluppare una propria pratica di scultore, che è agli antipodi delle fantasie espressive di Cobra, agli antipodi della calligrafia, del materialismo e della mitologia. Aggiungiamo che ci è voluta resistenza per lavorare con Hains preservando la propria voce.
La scultura di Sébastien Kito è fatta di forme semplici, cave e "trasparenti", che possono essere attraversate dallo sguardo e anche fisicamente nel caso di quelle più grandi. Ritagliano lo spazio con leggerezza e vi si inseriscono come disegni a grandezza naturale. Le forme sono ottenute in maniera leggibile ritagliando le superfici interne che vengono poi piegate ed estese/sviluppate verso l'esterno. Se c'è qualcosa di giapponese è l'eco dell'origami, l'arte di piegare la carta, qui applicata ai metalli e al vetro.
I colori sono semplici, come quelli offerti dal commercio (rosso, giallo, blu, rosa), a meno che Kito non mantenga il colore del metallo, dello stagno, dei vetri colorati industrialmente, della materia. Fermano lo sguardo sulla loro forma e poi la lasciano attraversare. Se c'è un rapporto “moderno” da segnalare è quello con Calder ma senza la dimensione “mobile”. Gli incastri sono spesso costituiti da cerniere che indicano la possibilità di più posizioni, anche quella di ripiegamento della scultura.
È importante sottolineare che Sébastien Kito lavora su scale molto diverse, dalla piccola scultura discreta che viene posizionata su un mobile alla scultura per lo spazio esterno, comprese sculture per interni che ben si integrano nella progettazione degli spazi abitativi.
C'è qualcosa di originale lì, tra minimalismo, cinetismo immobile, progetto concettuale e perfino design, ad esempio per i prismi colorati così enigmatici che sembrano provenire da qualche altro pianeta.
Il più grande complimento che si possa fare a Sébastien Kito è che la sua scultura riesce a essere senza età: non risponde ai cliché (essenzialmente naturalistici o tecnologici) della produzione contemporanea, ma non ha nemmeno più alcun rapporto visibilmente dipendente con il passato . Lei è se stessa così com'è.
Non è così comune e produce un effetto rinfrescante sugli occhi di un cambiamento di scenario senza esotismo. »
Yves Michaud
10 gennaio 2016
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