Scultura in bronzo
Pittura : olio · 40 x 60 x 1.5 cm 15.7 x 23.6 x 0.6 inch · Pronte da appendere
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40 x 60 x 1.5 cm 15.7 x 23.6 x 0.6 inch Altezza x Larghezza x Profondità
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L'opera di Miguel Amate, realizzata a olio su tela, presenta una natura morta austera e allegorica che si colloca all'incrocio tra critica politica e realismo simbolico. La composizione è ingannevolmente semplice: un martello – reso con pennellate dense, quasi scultoree – poggia diagonalmente su una pila di libri. Eppure la scena è carica di tensione sia attraverso l'iconografia che il trattamento pittorico.
Composizione e struttura
Il martello domina la scena, inclinato dall'alto a sinistra verso il basso a destra, creando una forte diagonale che trasmette movimento e un senso di impatto imminente. La sua testa è posizionata sul bordo del libro superiore, come se avesse appena colpito o stesse per colpire. Sotto di esso giace una pila di volumi, accuratamente allineati ma visivamente destabilizzati dal peso del martello e dalla suggestione di forza. Il libro inferiore funge da base, ancorando la composizione, mentre il libro superiore diventa il punto focale della violenza.
Materialità e tecnica
L'uso della pittura a olio da parte di Amate enfatizza i contrasti tattili. Il martello è raffigurato con pennellate spesse e sovrapposte, che gli conferiscono una presenza densa e metallica. I punti luce in bianco e grigio suggeriscono la luce riflessa, mentre i toni più scuri ne definiscono la massa. Al contrario, i libri sono dipinti con strati più fluidi e traslucidi, che lasciano intravedere la pittura sottostante. Questa differenza di tecnica rafforza l'opposizione concettuale tra la forza bruta (il martello) e i fondamenti intellettuali o culturali (i libri).
Lo sfondo è un campo diffuso e astratto di ocra calda, crema e pastelli tenui, applicati con pennellate morbide e sfumate. Questo sfondo atmosferico isola gli oggetti centrali, sottraendoli a un tempo o a un luogo specifici ed elevandoli nel regno della metafora.
Colore e luce
La tavolozza è dominata da tonalità calde e terrose – gialli, marroni e rossi tenui – punteggiate dalla presenza netta, quasi stridente, di una sostanza rossa vivida che gocciola dal punto di contatto tra martello e libro. Questo rosso, che evoca il sangue, introduce una nota viscerale di violenza. È il colore più saturo della composizione, che cattura immediatamente lo sguardo dello spettatore e definisce il registro emotivo dell'opera.
La luce appare diffusa e non direzionale, contribuendo al senso di ambiguità Non esiste una fonte chiara, il che rafforza l'interpretazione simbolica piuttosto che naturalistica della scena.
Iconografia e simbolismo
Il martello è un simbolo carico di significato, storicamente associato al lavoro, all'industria e, in contesti politici, alla forza rivoluzionaria. In questo caso, tuttavia, funziona meno come strumento di costruzione e più come strumento di distruzione. La sua posizione suggerisce un atto di repressione o un attacco diretto ai libri sottostanti.
I libri stessi sono fondamentali per il significato del dipinto. Sebbene i titoli non siano del tutto leggibili, uno sembra fare riferimento alla filosofia, suggerendo che questi volumi rappresentino la conoscenza, la tradizione intellettuale o ideali democratici come la libertà di pensiero e di espressione. L'atto di colpirli – accompagnato dal suggerimento di sanguinamento – trasforma i libri in entità quasi viventi, vittime di violenza.
Questo trattamento antropomorfo degli oggetti inanimati è fondamentale per la forza allegorica dell'opera. Il libro "sanguinante" evoca la censura, l'erosione della libertà intellettuale o la distruzione della memoria culturale. Nel contesto del titolo, il dipinto può essere interpretato come una critica delle condizioni sociopolitiche, forse affrontando le tensioni relative alla libertà di espressione, all'istruzione o al conflitto ideologico.
Gesti e segni
Amate incorpora linee gestuali e segni simili a schizzi attorno agli oggetti, in particolare vicino ai bordi dei libri e sullo sfondo. Questi segni suggeriscono movimento o instabilità, come se la scena fosse colta in un momento di transizione o di impatto. Richiamano inoltre il disegno preparatorio, rafforzando l'idea che non si tratti di una semplice raffigurazione, ma di un'argomentazione o di una proposta in forma visiva.
Contesto e interpretazione
Pur essendo saldamente radicata nella tradizione della natura morta, l'opera si discosta dalle convenzioni classiche infondendo al genere un esplicito contenuto politico ed emotivo. Il lavoro si allinea alle pratiche contemporanee che utilizzano oggetti di uso quotidiano come veicoli di critica ideologica. Il titolo ancora l'interpretazione a uno specifico contesto culturale e geopolitico, invitando gli spettatori a riflettere sullo stato della società americana attraverso la metafora della violenza contro la conoscenza.
Conclusione
L'opera di Miguel Amate è una dichiarazione visiva concisa ma incisiva. Attraverso un insieme limitato di oggetti, l'artista costruisce un'allegoria stratificata sul potere, la conoscenza e la distruzione. L'interazione tra tecnica pittorica e contenuto simbolico sottolinea l'intento critico dell'opera, inserendola in un discorso più ampio sulla fragilità delle istituzioni intellettuali e culturali di fronte alla forza.
Pittore e creatore di sculture di bambole.
Visse per più di trent'anni nel suo laboratorio-galleria nel Marais de Paris, liberandosi dal cantiere per vagare nomade per l'asfalto parigino per avvicinarsi il più possibile alla realtà umana e riscoprirne il lato insolito. e profondo, così come a Maiorca dove trascorse alcune stagioni.
Di origine catalano-maiorchina ma nato a Cartagena, Spagna, nel 1944. Da famiglia di militari. Studiò nelle scuole religiose, iniziò a dipingere all'età di sette anni in questa città, i paesaggi aridi che lo circondavano, i suoi luoghi preferiti di gioco e di creazione.
Successivamente ha studiato arte nello studio di Don Vicente Ros e Alonso Luzzy. Un'educazione che gli diede le basi della pittura classica e l'ammirazione per i grandi maestri spagnoli, come Velázquez, Goya e Greco. Accanto alle sue opere classiche e violente, crea insiemi di materiali diversi: legno, corde, tessuti, metalli arrugginiti, oggetti casuali trovati in queste terre bruciate dal sole dove, una volta esorcizzati, furono adottati per diventare parte di set artistici con un'altra funzione. .
Negli anni '60, definito dai suoi maestri “formidabili” e “brutali”, li abbandona... abbandona tutto per girare l'Europa: in Svezia lavora alla monumentale scultura in ferro battuto per il Centro Culturale di Stoccolma; in Germania e a Londra realizza disegni e dipinti dalla forte tendenza psichedelica; Infine, nel 1969, si trasferisce a Parigi, creando una famiglia che vive con lui nel laboratorio.
All'inizio degli anni '70, continuò i suoi dipinti, rilievi e sculture di bambole o sculture grottesche e dipinti sessuali, nel silenzio del seminterrato della sua casa-studio-galleria, dove fece di questo spazio il primo museo Artbrutal, regolarmente visitato da un buon pubblico appassionato di questo lavoro insolito e nel cuore di Parigi. Dare a questo quartiere uno slancio dinamico-creativo e una ragione d'essere.
Artbrutal, nato in questo ghetto-palude dove il tempo si era fermato e dove le istituzioni reali inghiottite nel passato emersero diverse e liberate, dando vita a questa forma d'arte, è ora... - Le Marais! Anche senza Artbrutal di Miguel Amate, che la palude ha ospitato per diverse decine di esteti, commenti che Philippe Soupeau ha commentato in uno di questi incontri casuali, in una Parigi di incontri e rotture.
Le opere, le sculture e le bambole di Miguel Amate sono state esposte principalmente a:
2020 “Les Poupées” Art Outsider a Parigi. Francia.
Notte dell'Arte 2019. Felanix, Maiorca. Spagna
2017 Mi Ange Mi Raymon. Raymond Blailock. Teatro Laurette. Parigi
Click and the Night 2016 03/03/2016 (UH) Maiorca. Spagna
Compleanno Outsider 2011 - Cappella Marmottan Mauriac. Francia
2011 Clicca di notte (UH) Maiorca. Spagna.
2010 Nona Triennale Internazionale di Arte Autodidatta (INSITA), Galleria Nazionale Slovacca, Bratislava, Slovacchia.
Premio ChessMallorca 2010 per le arti visive. Guarda, Petra. Maiorca.
2010 Galleria Nuu Incas, Maiorca
2009 - Solléric. Juan Ramón Bonet. Ritratti di artisti. Palma di Maiorca. Spagna
2007 Cinema Accattone. Anteprima del film “L'ultima contessa”
2007 Cinéma Accattone “Il gatto autentico di Edith Piaf”. Parigi.
2007 Mostra d'Sculptures de Sainte Marie. Maiorca. Spagna.
2006 "Art Brut L'istinto creativo" - di Laurent Danchin Et. Parigi. Francia.
Salone Internazionale della Lingerie 2005. Galerie des Arts 27. Porte de Versailles. Parigi.
2005 Padiglione Reale “Gays & Dolls” a Brighton, Inghilterra.
2004 Museo delle Ardenne, Charleville Mézières. Francia.
Bambole del 2004. Halle Saint-Pierre. Parigi Francia.
2004 Galleria d'Arte Consiglio Generale delle Bouches-du-Rhône, Aix.en-Provence.I plurali dei Singuliers"
2003 L'incredibile storia del gatto autentico di Edith Piaf. “LE PARISIEN” Parigi Le Marais.
2002 Museo regionale. Comunicazione artistica. Zurigo. Svizzero.
2002 Palazzo dei Congressi. “40 Monumenti per la Strada” St. Jean du Mont. Francia.
2002 Museo dell'erotismo “5 anni del museo” Parigi. Francia.
2002 Museo di Bochum, Germania.
2002 “Un pavimento nel Marais” Galerie Art Brutal. Parigi.
2001 Municipio di Sineu. Maiorca.
2001 Teatro 95 “Espace Prado” Cergy Pontoise, Francia.
2000 Galleria d'Arte Brutale - Dimostrazione - Parigi Le Marais.
1998 II Mostra di scultura. Santa Maria. Maiorca.
1998 Erotismo 2. Museo dell'erotismo. Parigi. Francia.
1997 Libro a margine di L'Art Brut - Michel Ragon. Ed: Albin Michel. Parigi
1996 Mostra retrospettiva al Consell Insular de Mallorca, Palma di Maiorca. Spagna
1990 Sol à Sol Magazine Les Anges int Ho perso le leggi dell'ombra. Parigi.
1985 Espressioni tessili. Centro Culturale dell'Argenteuil. Francia.
1989 Casinò di Maiorca. "Gioco brutale"
1989 Le Marais Galand- Télérama- ora/serie. Parigi.
1983 Center Lincoln New York - USA Performance film Birth.
1983 “Il bambino gigante” di Tibor Déry. MA decoro della lattina di Georges Baal - Edizione francese del Centro Nazionale delle Lettere. Parigi.
1983 Figura dal 1960 ad oggi. Gerardo Xuriguera. Parigi.
1983 Sala noi giorni. Gerardo Xuriguera. Parigi.
1983 Sala seghe. Artisti-Main-Montparnasse. Parigi.
1983 Apre un laboratorio a Maiorca dove continua il suo lavoro senza lasciare Parigi.
1981 Centre Georges Pompidou, per la mostra personale “Objets en Derive”
1978 alla Fabuloserie nella mostra “Les Singuliers des Arts” ARC- Musée d’Art Moderne de la ville de Paris;
1974 Atelier Jacob-Parigi; per lo spettacolo “Le secret de Zonga” di Martin Lamotte.
1968 Centro Culturale di Stoccolma. Pelle scamosciata.
1967 Centro Culturale di Altea. Spagna.
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Pittura . 60 x 60 x 3.8 cm Pittura . 23.6 x 23.6 x 1.5 inch
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