Robin a casa con la sua collezione di piatti decorati con uccelli e la scultura in ceramica trompe-l'œil di sua madre.

Robin Cembalest è una figura di spicco nel mondo dell'arte, conosciuta per il suo lavoro trasformativo sia come giornalista d'arte che come consulente di strategia digitale. Con una carriera che va dalla direzione editoriale di ARTnews alla sua influente presenza su Instagram, Robin si è adattata continuamente al panorama in evoluzione dell'arte e dei media. In questa intervista, condivide il suo percorso, le sue intuizioni sull'industria dell'arte in evoluzione e consigli pratici per gli artisti che desiderano migliorare la loro presenza digitale.  

1. Ciao Robin! Grazie per parlare con noi oggi. Potresti iniziare presentandoti ai nostri lettori? Come è iniziata la tua carriera come giornalista d'arte?

Ciao, sono Robin Cembalest (lei). Nel mio lavoro, Robin Cembalest Editorial Strategies, insegno ai professionisti dell'arte come creare una presenza digitale e come scrivere e parlare del loro lavoro. Sono stata una giornalista d'arte per la maggior parte della mia carriera, ma ora sono meglio conosciuta per il mio popolare Instagram, @rcembalest, dove documenta i miei viaggi nel mondo dell'arte di New York e oltre.

Il mio primo lavoro è stato da Artforum, epicentro della cultura alternativa e della teoria francese negli anni '80. Ero l'assistente editoriale, occupandomi di verifica dei fatti e ricerca fotografica. Una volta, ho dovuto chiamare Andy Warhol alla Factory per chiedergli se avesse fatto pipì sui dipinti di Ossidazione. (Ha detto di sì.) Ho imparato molto da Artforum, inclusa la consapevolezza che lo spazio teorico e critico in cui si trovava la rivista non era quello giusto per me. Volevo essere una giornalista di notizie. Così ho lasciato il mio lavoro e mi sono trasferita a Madrid per diventare corrispondente estera.  

Non conoscevo nessuno in Spagna, né tantomeno avevo esperienza nella scrittura di notizie, ma alla fine sono riuscita a entrare nella sezione in lingua inglese di EFE, l'agenzia di stampa spagnola. Un editor gentile mi assegnò un necrologio di Salvador Dalí, che mi occupò per tutto l'anno in cui vissi all'estero. Ero preoccupata che l'artista novantenne potesse morire prima che finissi, ma fu Warhol a morire per primo. Successivamente, pubblicai il necrologio di Dalí nel Village Voice, dove iniziai a collaborare regolarmente, insieme ad altri tanti luoghi.  

Nel 1988 sono diventata la caporedattrice delle notizie di ARTnews, il primo dei miei due incarichi presso la rivista. Qui ho veramente imparato il giornalismo. Come editor, ho lavorato sui reportage investigativi premiati della rivista su bottino di guerra e restituzione. Nel frattempo, come reporter, ho scritto articoli in proprio, ricevendo premi per il mio reportage sulla Hispanic Society of America e producendo pezzi importanti sulle guerre culturali, il multiculturalismo, la globalizzazione del Guggenheim, il processo per oscenità di Mapplethorpe, l'arte dei nativi americani, l'arte ecologica e molti altri argomenti.  

2. Potresti condividere alcuni momenti salienti del tuo periodo come direttore esecutivo di ARTnews?

Il periodo in cui sono stata direttrice editoriale, dal 1998 al 2014, ha coinciso con enormi trasformazioni nel mondo dell'arte e dell'editoria. Ho ampliato notevolmente il tipo di comunità creative trattate dalla rivista, a livello mondiale e negli Stati Uniti, diversificando i contenuti e gli argomenti e introducendo l'arte di strada, i graphic novel e altre forme di cultura popolare. Ho collaborato con scrittori come Carolina Miranda, Pamela Newkirk, Barbara Pollack e molti altri per mettere in luce argomenti e storie che non erano stati trattati nelle riviste d'arte mainstream. Ho formato e nutrito nuove generazioni di staff, molti dei quali sono stati assunti tramite il programma di stage retribuiti che ho creato e gestito. Ho portato gli stagisti ovunque, aiutandoli a costruire capitale professionale e culturale (e piantando i semi per il mio futuro nello sviluppo della carriera).

Un altro grande risultato è stato quello di portare la rivista centenaria nell'era digitale. Con gli stagisti, ho lanciato la sezione di contenuti online del sito web di ARTnews, scritto tutto il contenuto iniziale e creato i feed dei social media della rivista.  

3. Cosa ti ha ispirato a passare dal lavoro editoriale alla consulenza e al coaching sui social media e alla scrittura per professionisti dell'arte?

Anche mentre dirigevo il dipartimento editoriale di ARTnews, stavo sperimentando per conto mio. Avevo due Tumblrs popolari, un blog su Wordpress, Snapchat, Vine, oltre a Twitter, Facebook e Instagram. Così ho assistito alla rivoluzione nel modo in cui le informazioni venivano diffuse e consumate attraverso le reti sociali basate su immagini. Quando ARTnews è stata venduta, nel 2014, ho deciso di lasciare il giornalismo e avviare un'attività per formare i professionisti dell'arte su come scrivere e pubblicare contenuti per un pubblico mainstream attraverso questi canali digitali. Da allora, ho lavorato con fiere, musei, organizzazioni non profit, gallerie, organizzazioni professionali e di giustizia sociale. Con l'ascesa di Zoom durante la pandemia, ho iniziato a tenere workshop di sviluppo della carriera online per residenze e scuole a livello nazionale. Ora vedo un forte interesse per la formazione professionale sia nelle scuole che nelle organizzazioni che offrono educazione continua. Quest'anno sono entrata a far parte del programma di Sviluppo Professionale dell'Art Students League e ho appena iniziato a insegnare presso la School of Visual Arts, dove insegnerò competenze di sviluppo professionale nel programma MFA Art Practice.  

Sinistra: In missione per Artforum al Guggenheim di Bilbao. / Destra: Scelta di ritratti con l'artista Rashaad Newsome alla Ford Foundation Gallery. © Jane Kratochvil

4. Quali sono alcune delle sfide comuni che artisti e organizzazioni artistiche affrontano quando si tratta di social media e creazione di contenuti?

Per molti professionisti dell'arte abituati a scrivere testi accademici, creare contenuti per un pubblico più vasto può essere una sfida. C'è questa pressione di partire dalla teoria e dal significato, l'impulso di invocare il nostro linguaggio specialistico per situare il lavoro prima ancora di spiegare di cosa si tratta. Per le organizzazioni, è tutto ciò, oltre alla definizione di compiti e responsabilità: è necessario avere in atto sistemi di gestione dei contenuti affinché la tua strategia non vada persa con ogni cambio di personale. nbsp;

5. Puoi condividere una storia di successo in cui le tue strategie hanno migliorato significativamente la presenza online di un artista o di una galleria?

Uno dei miei progetti preferiti è stato creare e implementare la strategia sui social media per la nuova Ford Foundation Gallery. I temi delle mostre erano legati alla missione più ampia dell'organizzazione di promuovere la giustizia sociale, utilizzando l'arte per aiutare a cambiare cuori, menti e politiche. Pertanto, i contenuti dovevano trasmettere questo messaggio, spiegando e descrivendo opere d'arte internazionali complesse per un pubblico generale. Ho gestito il primo anno di contenuti da sola, tornando periodicamente per formare e aggiornare il personale.  

6. Quali sono i tuoi tre migliori consigli per gli artisti che desiderano migliorare la loro presenza digitale?

Avere un "elevator pitch" – una frase o due che riassumano chi sei e cosa fai. Poi, traduci questo nella forma parlata (elevator pitch), nella forma scritta (dichiarazione) e in un mix di parole e immagini (social media, sito web).

Sottolinea i tuoi strumenti, materiali e processi. Mostrare il tuo studio come un luogo di trasformazione è la migliore pubblicità per una visita in studio.

Pensa a condividere, non a vendere. È una lunga partita nel mondo dell'arte, non un acquisto immediato. Cerca di non farti distrarre dalle statistiche; piuttosto, pensa ai risultati che vuoi ottenere dalla piattaforma.  

Sinistra: Workshop di public speaking all'International Studio and Curatorial Program. © Veronica Sanchez / Destra: Come stagista al Metropolitan Museum of Art, Robin spiega "Alpha-Pi" di Morris Louis a un gruppo di visitatori.

7. Quali tendenze emergenti nei media digitali dovrebbero conoscere artisti e gallerie?

Instagram rimane la piattaforma più dominante nel settore dell'arte – se non per scelta, allora per necessità, fino a quando non arriverà qualcosa di nuovo. Se, però, non stai pubblicando contenuti politici, foto che includono i capezzoli femminili o altri contenuti che la piattaforma rimuove regolarmente.

Naturalmente, dovresti essere consapevole di TikTok, anche se ciò non significa che devi iniziare a postare o addirittura iscriverti fino a quando non avrai una strategia adeguata, tenendo presente lo stato legale instabile della piattaforma.

Infine, non si tratta di una tendenza emergente, ma consiglio a tutti di avere un profilo LinkedIn. È un ottimo modo per essere trovati.

8. Visti i cambiamenti nelle dinamiche del mercato dell'arte, quale consiglio daresti agli artisti contemporanei che cercano di orientarsi in questo contesto?

Ci sono così tanti modi per definire il successo e per raggiungerlo. Per alcuni, il successo è definito dal mercato: vendere molte opere, avere una mostra personale in galleria. Per pochissimi, queste cose arrivano subito. Per la maggior parte, è essenziale essere creativi nel trovare e creare opportunità: cercare bandi aperti, registri di artisti, archivi e così via, collaborare e organizzare i propri progetti, e soprattutto costruire una comunità. È importante trovare i tuoi spiriti affini nel nostro settore. Ti sposterai con loro per decenni.  

9. Come immagini il futuro della comunicazione e del marketing nel mondo dell'arte?

Con il declino dei media tradizionali, è più difficile ottenere una copertura stampa tradizionale che mai. Per individui e aziende, il contenuto digitale diventerà uno strumento ancora più urgente per bypassare i rimanenti gatekeeper, connettendosi direttamente con il pubblico e gli influencer. Qualunque sia la piattaforma, il ruolo delle immagini e, sempre più, dei video, sarà centrale.

Quando ho avviato la mia attività un decennio fa, l'idea di un dipartimento di media digitali o social media in una galleria d'arte o in un'organizzazione no-profit era considerata praticamente assurda. Ora stiamo assistendo all'emergere di dipartimenti di media digitali in alcuni dei musei più grandi, che costituiscono una voce editoriale nuova e distintiva, demistificando ciò che accade nella casa madre mentre organizzano iniziative che coinvolgono sempre più il pubblico come creatori e soggetti. Anche se cambiare il DNA istituzionale, le collezioni o anche il personale può richiedere decenni, i dipartimenti di media digitali dei musei possono essere agili e sfumati, affrontando questioni come rappresentazione, patrimonio e identità. È uno spazio in evoluzione dove marketing, educazione, curatela e programmazione, tra gli altri dipartimenti, collaborano in modi nuovi.  

10. Quali esperienze personali o opere d'arte hanno influenzato significativamente il tuo approccio alla strategia editoriale e alla consulenza?

Subito prima di arrivare a Artforum, sono stata stagista al Metropolitan Museum of Art, nel dipartimento educativo. Davo tour nella sezione di arte moderna e contemporanea – un argomento molto meno familiare per i visitatori dei musei negli anni '80. Ricordo di aver guidato gruppi attraverso la galleria dell'Espressionismo Astratto, dove i visitatori, seri e curiosi, chiedevano: "Perché questo è qui quando mio figlio potrebbe fare lo stesso?" O qualcosa di simile. Ciò che mi colpì fu che i termini che conoscevo dai miei studi di storia dell'arte riguardo alla dissoluzione del piano pittorico non mi sarebbero stati d'aiuto. Per la maggior parte delle persone, “formale” significa il ballo di fine anno. Così dovetti sviluppare una spiegazione umanistica e accessibile che rendesse il “Perché” interessante dal punto di vista del pubblico. Ho seguito questa filosofia come scrittrice, editor e ora Instagrammer, e la condivido con i miei studenti e clienti.