de Jean-Baptiste Bernadet

En sus Investigaciones filosóficas, Wittgenstein habló de la estructura de nuestro pensamiento tal como se da antes de un descubrimiento luminoso, cuando quedan, en depósito, aún contradicciones por resolver. La tarea de toda investigación creativa no es, según él, resolver y aclarar estas contradicciones, sino dar una idea "precisa" de la desconcertante y confusa situación que precede a la resolución de la contradicción. Así, la calidad atmosférica, "clara y confusa", de las pinturas de Jean-Baptiste Bernadet delimitaría un estado liminal, esa zona flotante donde la contradicción aún no está completamente tratada y distribuida, sino que permanece en el estado de Reserva. El borrón no ilustra un estado subjetivo (expresionista), ni objetivo (impresionista) sino que existe en sí mismo. Como "sujeto", causa su propio efecto.

Aquí, los efectos ópticos del desenfoque, de la indeterminación, sirven para definir un tipo de posicionamiento, a la vez ambiguo y preciso, que la pintura mantiene con un marco de referencias históricas, como ocurre con nuestro régimen contemporáneo de imágenes. Jean-Baptiste Bernadet explora la proximidad de formas y registros pictóricos históricamente determinados, incluso sobredeterminados - colorismo, paisajismo, expresionismo, biomorfismo, impresionismo - vinculados a un enfoque “en blanco” de su medio. El gesto adquiere su conocimiento sólo a través de la experiencia. Caracterizada por su diversidad y cantidad, la obra oscila entre obras aisladas, a menudo rápidas y sueltas, y pinturas desarrolladas según un principio de "grupo" o series que surgen de una inversión en el tiempo. El principio de la serie y el establecimiento de protocolos técnicos estructuran así el ejercicio del azar que organiza la práctica del artista relacionándola con un conjunto de reglas dentro de las cuales se ejerce la expresividad directiva del gesto, el exceso de corporalidad de la pintura gestual ". bajo control". Su naturaleza proliferante es emblemática de una generación de pintores que integraron los valores liberales del exceso, para renegociar el valor ideal de realización, culminación e historia psicológica, inherentes a su medio. Así redefinen la pintura en términos de intento, escenario, umbral, provisión, pérdida.

Poner la pintura en exceso es también ponerla en default, desajustar la relación que a priori vincula la pintura con su autor como si fuera un "proyecto". Este tipo de economía de producción también pretende constituir una "reserva" en la que cada cuadro sea susceptible de ser reinterpretado, reevaluado, según un principio de amplificación y agotamiento. En su relación con el formato, a Bernadet le interesa la forma en que se dirige la mirada sobre el lienzo, interrumpiendo la cronología de la aparición, descentralizando la mirada desmultiplicando los puntos de fuga, jugando en el aspecto impactante. Y enfático. el color, el efecto "cinemascopio" de los grandes formatos y su articulación espacial. El tema del paisaje se moviliza a la vez como símbolo genérico, agotado, vago, a fuerza de ser reproducido, pero también se inserta dentro de la herencia, romántica y visionaria del género de la pintura de paisaje.

La serie Fugues, producida por la acumulación en capas de pinceladas, combina así el movimiento expansivo y aireado de los campos de colores, y el movimiento intenso y sincopado de la pincelada, jugando con la tensión entre el efecto emocional del color y la naturaleza mecánica del gesto. La obra no procede por composición, sino por acumulación y superposición, y cada toque redefine la dinámica general mediante un juego de obliteración y marcas. La laboriosa dimensión del gesto que introduce su escala, reposiciona la intencionalidad inicialmente percibida, su lirismo y su virtuosismo. Sin embargo, sin neutralizarlo, introduce una deficiencia de motivo en el acto de pintar, siendo la acción simultáneamente en exceso y en pérdida.

Retour, una serie de formatos medios producidos por el contacto entre dos superficies, una revestida de color y la otra de negro, hace legible el procedimiento de desplazamiento y sobreimpresión cuyo efecto es cada pieza. Las pinturas se pueden leer así según una doble cuadrícula. El primero es el –metafísico e introspectivo– del paisaje, dentro del cual se insertan explícitamente. La segunda, literal, que no anula la primera sino que se superpone a ella, resalta la "carga" de la pintura, la mecánica de enchapado y extracción que produjo la pintura, en un solo gesto, jugando en el límite entre la intervención del artista y El accidente.

En la serie Screen, paisajes atmosféricos en colores ácidos, la pintura al óleo se aplica al lienzo en cantidades muy pequeñas directamente fuera del tubo. El carácter saturado y fijo de la pasta es modulado por el gesto repetido de estiramiento y encuadernación de colores en la superficie. La pintura evoca un plano de sensaciones que se recargan en contacto unas con otras. Aquí, el poder de la intensidad luminosa y la ausencia de una marca de escala evocan los efectos envolventes de la imagen publicitaria tanto como una forma de clasicismo pictórico.

Vetiver, una serie de pinturas de gran formato iniciada en 2013 y presentada hoy en una nueva variación, utiliza el mismo principio técnico de estirar y sintetizar la pintura directamente sobre el lienzo. Diluido al extremo con trementina, el cuadro amalgama el efecto del agotamiento y la perdición con la vitalidad que sugiere la metamorfosis y contaminación de los colores entre ellos. La serie toma prestado su nombre de una raíz exótica utilizada en perfumería, en forma de una esencia resinosa muy espesa que se utiliza para desarrollar fragancias amaderadas y tuberosas. Sugerencias de pinturas polimórficas, la sensorialidad saturada y decadente de las pinturas produce una suerte de narcosis cromática, donde la pintura se agota, se encoge, queda en estado de velo. A menudo, en las pinturas abstractas de Jean-Baptiste Bernadet, la percepción cercana convierte el resplandor de la pintura, su brillo, en la profundidad material. La mecánica de fluidos, los destellos, los centelleos, la colorimetría seductora y ostentosa forman parte de una forma de destreza extraída del fluir de las imágenes que satura nuestro régimen visual y enjuaga, agota nuestra agudeza perceptiva. El borrón, investido simultáneamente como una reevaluación contemporánea de la pintura abstracta y nuestra estructura perceptiva, se convierte en la posibilidad última de recuperar un estado de conciencia en el mismo punto de su aparición.

Texto de Clara Guislain