Robin zu Hause mit ihrer Sammlung von Vogeltellern und der Trompe-l'œil-Keramikskulptur ihrer Mutter.

Robin Cembalest ist eine herausragende Persönlichkeit in der Kunstwelt, bekannt für ihre transformative Arbeit als Kunstjournalistin und Beraterin für digitale Strategien. Mit einer Karriere, die von der redaktionellen Leitung bei ARTnews bis hin zu ihrer einflussreichen Präsenz auf Instagram reicht, hat sich Robin kontinuierlich an die sich wandelnde Landschaft von Kunst und Medien angepasst. In diesem Interview teilt sie ihre Reise, Einblicke in die sich entwickelnde Kunstbranche und praktische Ratschläge für Künstler, die ihre digitale Präsenz verbessern möchten.  

1. Hallo Robin! Vielen Dank, dass du heute mit uns sprichst. Könntest du dich unseren Lesern vorstellen? Wie hat deine Karriere als Kunstjournalistin begonnen?

Hallo, ich bin Robin Cembalest (sie/ihr). In meinem Unternehmen, Robin Cembalest Editorial Strategies, lehre ich Kunstfachleute, wie sie eine digitale Präsenz aufbauen und wie sie über ihre Arbeit schreiben und sprechen. Ich war den Großteil meiner Karriere Kunstjournalistin, aber jetzt bin ich am bekanntesten für mein beliebtes Instagram, @rcembalest, auf dem ich meine Reisen in der New Yorker Kunstszene und darüber hinaus dokumentiere.

Mein erster Job war bei Artforum, dem Epizentrum des coolen Downtowns und der französischen Theorie in den 80er Jahren. Ich war die Redaktionsassistentin, machte Faktenprüfungen und Bildrecherche. Einmal musste ich Andy Warhol in der Factory anrufen, um zu fragen, ob er auf die Oxidationsbilder uriniert hatte. (Er sagte ja.) Ich habe viel bei Artforum gelernt, einschließlich der Tatsache, dass der theoretische und kritische Raum, den die Zeitschrift einnahm, nicht für mich war. Ich wollte Nachrichtenjournalistin werden. Also kündigte ich meinen Job und zog nach Madrid, um Korrespondentin zu werden.  

Ich kannte in Spanien niemanden und wusste nicht viel über das Schreiben von Nachrichten, aber schließlich fand ich meinen Weg zur englischsprachigen Abteilung von EFE, der spanischen Nachrichtenagentur. Ein freundlicher Redakteur gab mir den Auftrag, ein Nachruf über Salvador Dalí zu schreiben, was das ganze Jahr dauerte, in dem ich im Ausland lebte. Ich machte mir Sorgen, dass der Nonagenarian-Künstler sterben würde, bevor ich fertig war, aber stattdessen starb Warhol. Später veröffentlichte ich den Dalí-Nachruf in der Village Voice, wo ich begann, regelmäßig beizutragen, sowie in vielen anderen Orten.

1988 wurde ich Nachrichtenredakteurin bei ARTnews, dem ersten von zwei Aufenthalten bei der Zeitschrift. Hier lernte ich wirklich das Journalismus. Als Redakteurin arbeitete ich an den preisgekrönten investigativen Berichten der Zeitschrift über Kriegsbeute und Rückerstattung. Gleichzeitig brach ich als Reporterin eigene Geschichten, erhielt Preise für meine Enthüllung über die Hispanic Society of America und produzierte bedeutende Beiträge über die Kulturkämpfe, Multikulturalismus, die Globalisierung des Guggenheim, den Mapplethorpe-Skandal, Native American Art, ökologische Kunst und viele andere Themen.

2. Könntest du einige Highlights aus deiner Zeit als Chefredakteurin bei ARTnews teilen?

Die Zeit, in der ich von 1998 bis 2014 als Chefredakteurin tätig war, fiel mit vielen Veränderungen in der Kunst- und Verlagsbranche zusammen. Ich erweiterte erheblich die Art von kreativen Gemeinschaften, die die Zeitschrift abdeckte, weltweit und in den USA, diversifizierte die Inhalte und Themen und führte Straßenkunst, Graphic Novels und andere Formen der Popkultur ein. Ich arbeitete mit Autoren wie Carolina Miranda, Pamela Newkirk, Barbara Pollack und vielen weiteren zusammen, um Themen und Geschichten hervorzuheben, die in Mainstream-Kunstmagazinen nicht behandelt worden waren. Ich bildete und förderte neue Generationen von Mitarbeitern, viele von ihnen wurden über das von mir gegründete und geleitete bezahlte Praktikantenprogramm eingestellt. Ich brachte die Praktikanten überall hin, half ihnen, berufliches und kulturelles Kapital aufzubauen (und säte die Samen für meine zukünftige Arbeit in der Karriereentwicklung).

Ein weiteres großes Erfolgserlebnis war, das 100 Jahre alte Magazin in das digitale Zeitalter zu führen. Mit den Praktikanten zusammen startete ich den Bereich für Online-Inhalte auf der ARTnews-Website, schrieb den gesamten anfänglichen Inhalt und erstellte die Social-Media-Kanäle des Magazins.  

3. Was hat dich dazu inspiriert, von der redaktionellen Arbeit zur Beratung und Schulung in sozialen Medien und zum Schreiben für Kunstprofessionelle zu wechseln?

Selbst als ich die Redaktion von ARTnews leitete, experimentierte ich auf eigene Faust. Ich hatte zwei beliebte Tumblrs, einen Wordpress-Blog, Snapchat, Vine sowie Twitter, Facebook und Instagram. So konnte ich die Revolution beobachten, wie Informationen über bildbasierte soziale Netzwerke verbreitet und konsumiert wurden. Als ARTnews 2014 verkauft wurde, entschloss ich mich, den Journalismus zu verlassen und ein Unternehmen zu gründen, das Kunstfachleute darin schult, wie man Inhalte für ein breites Publikum über diese digitalen Kanäle schreibt und veröffentlicht. Seitdem habe ich mit Messen, Museen, Non-Profit-Organisationen, Galerien, Berufsverbänden und sozialen Gerechtigkeitsorganisationen gearbeitet. Mit dem Aufkommen von Zoom während der Pandemie begann ich, Online-Workshops zur Karriereentwicklung für Residenzen und Schulen im ganzen Land zu unterrichten. Jetzt sehe ich ein starkes Interesse an beruflicher Weiterbildung sowohl an Schulen als auch bei Organisationen, die Fortbildungsmöglichkeiten anbieten. In diesem Jahr habe ich mich dem Career Development-Programm an der Art Students League angeschlossen und bin neu im Lehrkörper der School of Visual Arts, wo ich berufliche Entwicklungsfähigkeiten im MFA Art Practice-Programm unterrichten werde.  

Links: Im Auftrag von Artforum im Guggenheim Bilbao. / Rechts: Auswahl von Porträts mit dem Künstler Rashaad Newsome in der Ford Foundation Gallery. © Jane Kratochvil

4. Welche häufigen Herausforderungen begegnen Künstlern und Kunstorganisationen im Bereich der sozialen Medien und der Inhaltserstellung?

Für viele Kunstfachleute, die an das Schreiben akademischer Texte gewöhnt sind, kann es eine Herausforderung sein, Inhalte für ein breiteres Publikum zu erstellen. Es gibt diesen Druck, mit Theorie und Bedeutung zu beginnen, den Impuls, unsere charakteristische Branchensprache zu verwenden, um das Werk einzuordnen, bevor man überhaupt sagt, worum es sich handelt. Für Organisationen kommt noch hinzu, dass Aufgaben und Verantwortlichkeiten definiert werden müssen – man braucht Content-Management-Systeme, damit die Strategie nicht bei jedem Personalwechsel verloren geht.  

5. Kannst du eine Erfolgsgeschichte teilen, in der deine Strategien die Online-Präsenz eines Künstlers oder einer Galerie erheblich verbessert haben?

Eines meiner Lieblingsprojekte war die Erstellung und Umsetzung der Social-Media-Strategie für die neu gegründete Ford Foundation Gallery. Die Themen der Ausstellungen waren mit der größeren Mission der Organisation verbunden, soziale Gerechtigkeit zu fördern und Kunst zu nutzen, um Herzen, Köpfe und Politiken zu verändern. Daher musste der Inhalt dies vermitteln, während er gleichzeitig komplexe internationale Kunstwerke für ein breites Publikum erklärte und beschrieb. Das erste Jahr lang habe ich den Inhalt selbst erstellt und bin regelmäßig zurückgekehrt, um das Personal zu schulen und zu aktualisieren.  

6. Was sind deine drei wichtigsten Tipps für Künstler, die ihre digitale Präsenz verbessern möchten?

Haben Sie diesen „Elevator Pitch“ – einen Satz oder zwei, die zusammenfassen, wer Sie sind und was Sie tun. Übersetzen Sie dies dann in gesprochene Worte (Elevator Pitch), schriftliche Worte (Statement) und eine Mischung aus Worten und Bildern (Social Media, Website). Heben Sie Ihre Werkzeuge, Materialien und Prozesse hervor. Zeigen Sie Ihr Studio als Ort der Transformation – das ist die beste Werbung für einen Studio-Besuch. Denken Sie ans Teilen, nicht ans Verkaufen. Es ist ein Langstreckenspiel in der Kunstwelt, nicht ein Klick-zu-Kaufen. Versuchen Sie, sich nicht in den Statistiken zu verlieren – denken Sie stattdessen an die Ergebnisse, die Sie von der App haben möchten.

Links: Workshop zur öffentlichen Rede im International Studio and Curatorial Program. © Veronica Sanchez / Rechts: Als Praktikantin im Metropolitan Museum of Art erklärt Robin einer Besuchergruppe "Alpha-Pi" von Morris Louis.

7. Welche aufkommenden Trends in den digitalen Medien sollten Künstler und Galerien im Auge behalten?

Instagram bleibt die dominierendste Plattform in der Kunstbranche – wenn nicht aus freier Wahl, dann aus Notwendigkeit, bis etwas anderes auftaucht. Vorausgesetzt, Sie posten keine politischen Inhalte, Fotos, die Brustwarzen von Frauen zeigen, oder andere Inhalte, die die Plattform routinemäßig entfernt. Natürlich sollten Sie auch TikTok im Blick haben, auch wenn das nicht bedeutet, dass Sie posten oder sogar beitreten sollten, bevor Sie eine angemessene Strategie haben, insbesondere angesichts des instabilen rechtlichen Status der Plattform. Schließlich ist dies kein neuer Trend, aber ich rate jedem, ein LinkedIn-Profil zu haben. Es ist eine großartige Möglichkeit, gefunden zu werden.

8. Angesichts der sich wandelnden Dynamik des Kunstmarktes, welchen Rat würden Sie zeitgenössischen Künstlern geben, die sich in diesem Umfeld zurechtfinden möchten?

Es gibt viele Möglichkeiten, Erfolg zu definieren und zu erreichen. Für einige wird Erfolg durch den Markt definiert: viele Gemälde verkaufen, eine Solo-Ausstellung haben. Für sehr wenige kommt das gleich zu Beginn. Für die meisten ist es entscheidend, kreativ zu sein, wenn es darum geht, Chancen zu finden und zu schaffen: nach offenen Ausschreibungen suchen, Künstlerregister durchsehen, eigene Projekte organisieren und vor allem Gemeinschaft aufbauen. Es ist wichtig, Ihre seelenverwandten Menschen in unserer Branche zu finden. Mit ihnen werden Sie über Jahrzehnte hinweg in Bewegung bleiben.  

9. Wie stellen Sie sich die Zukunft der Kommunikation und des Marketings in der Kunstwelt vor?

Mit dem Rückgang der traditionellen Medien ist es schwieriger denn je, klassische Presseberichterstattung zu erhalten. Für Einzelpersonen und Unternehmen wird digitaler Inhalt zu einem noch wichtigeren Werkzeug, um die verbleibenden Gatekeeper zu umgehen und direkt mit Publikum und Influencern zu kommunizieren. Unabhängig von der Plattform werden Bilder und zunehmend Videos im Mittelpunkt stehen.

Als ich vor einem Jahrzehnt mein Geschäft gründete, galt die Vorstellung eines digitalen oder sozialen Medienbereichs in einer Kunstgalerie oder einem gemeinnützigen Verein als nahezu absurd. Heute sehen wir den Aufstieg von digitalen Medienabteilungen in einigen größeren Museen, die eine neuartige redaktionelle Stimme repräsentieren, die enthüllt, was im „Mutterhaus“ geschieht, und Initiativen inszeniert, die zunehmend das Publikum als Schöpfer und Subjekte einbeziehen. Obwohl es Jahrzehnte dauern kann, das institutionelle DNA, Sammlungen oder sogar das Personal zu verändern, können die digitalen Medienabteilungen von Museen flexibel und differenziert agieren und Themen wie Repräsentation, Erbe und Identität ansprechen. Es handelt sich um einen sich entwickelnden Bereich, in dem Marketing, Bildung, Kuratorische Abteilungen und Programmgestaltung sowie andere Abteilungen auf neue Weise zusammenarbeiten.  

10. Welche persönlichen Erfahrungen oder Kunstwerke haben Ihren Ansatz zur redaktionellen Strategie und Beratung maßgeblich beeinflusst?

Kurz bevor ich zu Artforum kam, war ich Praktikantin im Metropolitan Museum of Art, in der Bildungsabteilung. Ich gab Führungen durch die moderne und zeitgenössische Kunstsammlung – ein viel weniger vertrautes Thema für Museumsbesucher in den 80er Jahren. Ich erinnere mich, wie ich Gruppen durch die Galerie der Abstrakten Expressionisten führte, wo ernsthafte und neugierige Besucher fragten: „Warum ist das hier, wenn mein Kind das auch machen könnte?" Oder eine ähnliche Frage. Was mich beeindruckte, war, dass die Begriffe, die ich aus meinem Kunstgeschichtsstudium über die Auflösung der Bildebene kannte, mir jetzt nicht weiterhelfen würden. Für die meisten Menschen bedeutet „formal" der Abschlussball. Also musste ich eine humanistische und zugängliche Erklärung entwickeln, die das „Warum" aus der Perspektive des Publikums interessant machte. Diese Philosophie habe ich als Autorin, Redakteurin und jetzt Instagrammerin beibehalten und teile sie mit meinen Schülern und Klienten.