Julio Figueroa Beltran

Julio Figueroa Beltrán et ses univers thématiques

par Katherine Chacón

Dans le contexte complexe de la contemporanéité, la peinture reste un champ infini de représentation. Ayant dû faire face au spectre de son propre épuisement, conséquence de l'intronisation des pratiques non conventionnelles qui a eu lieu à la fin du siècle dernier, la peinture démontre sans cesse sa capacité inépuisable à se revivifier, en s'approchant et en débordant - d'un critique perspective - les limites que lui imposent les techniques traditionnelles, les thèmes et les stratégies discursives.

La peinture actuelle est large et multiple; en elle convergent divers types de propositions. Du côté formel, il y a, d'une part, toutes les propositions dérivées de l'abstraction dans ses aspects géométriques et lyriques. De l'autre, il y a les langages liés à la figuration, dans lesquels la représentation est censée véhiculer diverses idées symboliques, métaphoriques, politiques et bien d'autres.

L'œuvre de Julio Figueroa Beltrán (La Havane, Cuba, 1984) s'inscrit dans le vaste horizon de la peinture figurative. Fort d'une solide expérience acquise dans sa ville natale - à l'Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro et à l'Instituto Superior de Arte (Universidad de las Artes) - Figueroa Beltrán aborde l'exercice pictural d'une manière qui révèle sa dette envers les illustrations. Pour cela, il se tient à l'écart des solutions hyperréalistes et, par la suite, des séductions d'un réalisme de qualité photographique. Il revient plutôt à la figure et au paysage, les dépeignant pour ce qu'ils sont - juste

représentations. Figueroa Beltrán dévoile les difficultés de construire une image profonde sur le plan de surface d'une toile.

L'éducation de Figueroa Beltrán s'est achevée avec son travail dans l'atelier du célèbre peintre cubain Julio Larraz, défenseur de la peinture comme acte d'imagination.

L'œuvre de Figueroa Beltrán appartient à la lignée généalogique dans laquelle l'aspiration au réalisme cède la place à la création de sensations dérangeantes, d'irréalité subtile. Pour cette raison, il y a quelque chose dans sa peinture proche de celle de De Chirico, dont les atmosphères de rêverie découlent de l'utilisation arbitraire de la perspective et de la représentation d'une architecture impossible. Ils montrent également l'influence d'Edward Hopper, notamment dans son approche du thème de la solitude de l'homme moderne en ville.

Des figurations dérangeantes s'établissent dans la peinture de Figueroa Beltrán à travers son utilisation de la couleur, une construction particulière de l'espace et des formes, et les thèmes représentés - ceux-ci montrent les traces des rencontres incongrues de réalités lointaines préconisées par les surréalistes. Sans aucun doute, le thème de la solitude traverse tout son travail; l'artiste s'appuie sur l'homme, la nature et le paysage pour en faire les acteurs d'une sorte de soliloque existentiel exprimé avec contention lyrique.

Une de ses séries rassemble des peintures représentant des navires naviguant dans un paysage glacé. Les pièces Study, The Endurance and Study, The Art - et d'autres comme The Mirage ou The Art Shipment - partagent des éléments similaires: une goélette rouge au premier plan traverse une mer verdâtre dans un paysage glaciaire de ciels blancs. Ce sont des images pleines de mélancolie. Comme dans le poème de Harry Martinson Ghost Ships We Are - dans lequel le poète suédois compare les bateaux abandonnés à la vie essentiellement pèlerine de l'être humain1 - les vaisseaux rouges de Figueroa Beltrán semblent incarner la solitude fondamentale de la psyché, assumée comme une structure immense et fluide. . Ce sont des présences qui voyagent sans direction connue dans un espace indifférencié. Les titres de ces pièces révèlent, en outre, non seulement l'assomption de la condition humaine comme destin d'une existence non gardée mais aussi la conscience de ce que signifie être artiste dans le cadre de cette absence de défense.

Le thème de l'hiver réapparaît souvent dans d'autres séries où le paysage est stérile, froid et solitaire. Dans The Red Blizzard, l'artiste utilise à nouveau un contraste drastique entre des fonds blancs - figés - et un élément protagoniste rougeâtre, en l'occurrence une grange. L'image, construite avec des objets aux réalités disparates, complète son étrangeté en étant placée dans un parc éolien où des turbines en gros plan et des arbres de fond sans feuillage, semblent établir un dialogue de connotations écologiques. Ici, le titre de l'ouvrage introduit une question sur sa signification: fait-il référence à l'impact écologique des éoliennes sur les oiseaux? Cela fait-il allusion au réchauffement climatique? Ou l'artiste cherche-t-il simplement à introduire un élément d'étrangeté accessoire?

Cependant, il convient de noter qu'à Figueroa Beltrán, les préoccupations écologiques ne donnent pas suite à la plainte. Son récit est plutôt orienté vers une révision poétique de ce que signifierait briser la coexistence entre les êtres vivants. La série que nous appellerons «Bird Houses» - dans laquelle l'artiste introduit la représentation de ces petits objets en bois - semble souligner cette interprétation.

En fait, les nichoirs sont des objets placés par l'homme et donc associés à la vie sociale. En forêt ou en plein champ, les oiseaux n'en ont pas besoin puisqu'ils ont leurs propres moyens de se procurer de la nourriture et un abri. Figueroa Beltrán situe le sien sur des montagnes solitaires, indiquant que quelque chose dans le comportement naturel des oiseaux a été modifié. Ce changement bouleverse tout, fait taire tout. La solitude représentée dans ces pièces est absolue: les nichoirs sont vides et aucun oiseau ne vole à côté. Dans Study, The Sound of Winter, la chaleur des petites maisons (comme dans la grange du Red Blizzard) est brusquement tronquée par la neige du paysage glacé qui l'entoure. Le titre évoque et accentue le silence de la solitude hivernale. Dans The Watcher, la figure d'un homme mûr représenté de l'arrière semble souligner le désir de voir inverser la solitude. The Wait exprime non seulement cette attente, mais introduit un objectif paradoxal: bien que les forêts soient à court d'oiseaux (par une intervention humaine qui bouleverse l'équilibre naturel délicat), un homme au regard perdu attend qu'un apparaisse pour pouvoir le mettre en cage. . De cette manière, l'œuvre de Figueroa Beltrán introduit également une réflexion sur les liens existant entre l'exercice de la liberté et l'expérience de la solitude. L'utilisation d'un palais restreint de sépias et de gris, et la composition austère soutenue par des intersections verticales, ou horizontales et verticales, confèrent à ces œuvres un caractère mélancolique et mystérieux.

La ville abandonnée fait l'objet de pièces comme Fast Times et Blue Lights - et aussi de The Speed of Happiness. Les œuvres de cette série affichent une belle syntaxe formelle dans laquelle l'austérité des éléments qui les composent - viaducs et ciels - est dynamisée par les larges courbes des autoroutes, les lignes ascendantes des piliers et la perspective donnée par la basse présentation de l'angle. Cela permet l'apparition de cieux très colorés comme arrière-plans. En fait, l'expressivité poétique des contrastes de couleurs ressort dans ces pièces. La solitude de la ville ne se manifeste pas ici - comme dans les tableaux de Hopper ou De Chirico - à travers la représentation de lieux solitaires ou de personnages plongés dans l'isolement et sans communication. Figueroa Beltrán prend l'un des éléments les plus emblématiques de la métropole contemporaine, l'autoroute, et le montre dans un état inhabituel, dans lequel la vitesse, le trafic constant et l'état de veille permanent de la ville ont été soustraits, générant une image absurde et inexplicable d'une ville inhabitée.

Marcher dans la forêt de Dracaena est une peinture ouvertement onirique. Comme son nom l'indique, il représente un paysage boisé dans lequel se dressent plusieurs arbres Dracaena. Connu sous le nom d '«arbre dragon» pour sa conformation particulière - le système de croissance de son tronc est assez différent de celui d'autres espèces d'arbres plus communes - et pour le liquide rouge qui en découle et qui est utilisé comme pigment et comme médecine traditionnelle - cette plante est, comme le légendaire baobab, pleine d'exotisme et liée à l'imagerie de mondes lointains, son origine, dans une île reculée de l'océan Indien, renforce sa séduisante étrangeté.

L'artiste place la forêt sur un sol pierreux et sous un ciel intensément rouge et étoilé, ce qui suggère l'intégration d'une autre dimension cosmique à sa représentation. D'une certaine manière, cette peinture inquiétante rend un hommage silencieux aux sources primitives de la peinture et aux fonctions originelles de guérison de l'art.

Formellement, la peinture de Julio Figueroa Beltrán est franche et directe, opposée à tout conceptualisme. Son langage met à jour l'héritage des traditions picturales. Elle nous ramène aux plaisirs de la contemplation - pour découvrir que la représentation est aussi un champ ouvert et fertile pour la réflexion, l'imagination, la jouissance et l'introspection.