In musica la disposizione regolare degli accenti crea una struttura matematicamente rigorosa e consente di organizzare la materia sonora in modo tale da formare un organismo proporzionato, equilibrato, tendente a mantenerne il ritmo. Tuttavia, una tale organizzazione non è priva di pericoli: la regolarità può portare alla monotonia. Per evitare che ciò accada, esiste un trucco che fa oscillare la simmetria e altera il ritmo in modo da poter sfuggire alla rigidità delle cose cambiando bruscamente la temporalità. Tale è il silenzio che cade su una parte sonora, proprio là dove secondo ogni logica avrebbe dovuto esserci il suono. Questo silenzio – o incidente – attutisce la musica per alcuni istanti e rende il suono un’ombra o un fantasma, per metà presente e per metà immaginato. Questo silenzio incoraggia lo spettatore a fermarsi e attendere, per poi proiettarsi nel futuro ponendosi mille domande esistenziali. Ci sarebbe un seguito? La musica riprenderà il suo corso? E questa attesa non diventerà interminabile, quasi eterna?
Per la sua quarta mostra personale alla galleria Xippas, Dominique Blais esplora l'idea di una battuta d'arresto per destabilizzare il ritmo consueto delle cose e immaginare un'altra temporalità, quella dell'attesa. Compone una partitura, fatta di oggetti e delle loro ombre, e di ritmi spezzati da silenzi inaspettati.
La partitura si apre con una nota inquietante: “silenzio leggero, interrotto”. Una lampadina lampeggia con ritmo irregolare, zoppicante. È un invito a entrare? Oppure un guasto all'impianto luci che suggerisce il contrario? Le luci crepitanti illuminano l'ingresso della galleria e proiettano ombre sulle pareti che lì danzano per un breve istante prima di scomparire nell'oscurità. Questo gioco di luci e mezzi toni diventa metafora silenziosa di una composizione musicale dove il ritmo è costantemente interrotto da pause, esitazioni o, come suggerisce il titolo della mostra, da battute d'arresto.
Il tema musicale di cui rimane solo uno scheletro ritmico, muto e luminoso, prosegue attraverso un nuovo brano della serie Revolution (la quarta opera in situ visibile alla Sucrière in occasione della mostra “Les Mondes Floats” della Biennale di Lione nel 2017 ). Le lampadine, disposte nello spazio lungo una linea curva, si accendono brevemente una dopo l'altra seguita da un periodo di spegnimento prolungato. Qui formano un'ellisse inclinata sospesa nell'aria, visibile solo parzialmente, mentre un segmento, proteso verso l'aldilà, sembra fuggire dalla finzione del cubo bianco verso il mondo esterno cosiddetto “reale”. Situata al confine tra il visibile e l'ipotetico, l'opera fa parte di due temporalità. L'una, dinamica, lascia che lo spettatore insegua con lo sguardo la traccia luminosa suonata nell'allegro
nello spazio espositivo. L'altro, soggetto a una logica diversa, quella dell'attesa, fa sì che il tempo si dilati e si espanda fino a raggiungere una zona quasi senza tempo, suggerendo che chi aspetta spesso crede di aspettare un'eternità. Si offre quindi una scelta: o vivere pienamente questo tempo di attesa, oppure creare una proiezione mentale che, attraverso la necessità geometrica di ricostruire la forma ellittica, o anche musicale e ritmica, permetta di compiere un movimento circolare (revolutio in il senso letterale).
Anche Entropê si sviluppa attorno all’idea di due temporalità. La forma della scultura in vetro riprende quella del piano, riferendosi a una nozione dinamica di rotazione che a sua volta è già impressa nel titolo - etimologicamente entropê è "girare", "girare", "essere preoccupato» - mentre la base, un piedistallo in massello di rovere dalla forma raffinata, aggiunge un tocco senza tempo. Il movimento, suggerito solo dalla forma, rimane sospeso come colto fuori dal tempo, ma può potenzialmente riprendere il suo corso, attivato dallo sguardo dello spettatore che avesse preso in considerazione la doppia temporalità dell'opera. In modo indiretto, gioca sul famoso paradosso antico pensato al contrario: poiché la freccia1 di Zenone in movimento rimane sempre immobile, la trottola non si muove, anche se potenzialmente non smette mai di girare. In pausa, l’opera si abbandona a un’esperienza di attesa, mentre il suo ritmo silenzioso – il movimento ripetitivo a cui si riferisce, è bloccato tra le battute di ripetizione: quando aspettiamo, finiamo per voltarci.
L'uscita da questo ciclo mentale si apre con una diramazione polifonica a due voci. Empyrée, una serie di quattro “dipinti”, realizzati con tessere di mosaico plastico riflettente e Fluido Dinamico, da una nuova serie che Dominique Blais ha realizzato lasciando dorata la pittura ad olio mista a pigmenti, che scorre su una superficie asfaltata, fino a formare una macchia simile a olio motore, fanno parte di una logica falsamente contraddittoria di positivo e negativo. Uno è radioso, addirittura spettacolare, e si basa su un'accurata giustapposizione matematica delle parti di un puzzle nello stile di una fuga di Bach, invitando lo spettatore a tornare agli "empirei", i cieli paradisiaci dove i poeti trovano ispirazione. L'altro, oscuro e profondo, assume la libertà del flusso dei liquidi come principio generico, avvicinandosi allo spirito wagneriano e suggerisce di prendere una direzione opposta per scendere verso fiumi sotterranei. Tuttavia, la contraddizione tra loro è solo superficiale, poiché entrambi cercano di rivelare i lati di un'unica immagine e mirano a catturare la fisicità del colore, frutto dell'incontro tra luce e superficie. Quindi, il
La luce si riflette sulle tessere del mosaico o si mescola alla materia oscura per esplorarne i propri limiti e rivelare, a seconda dei movimenti dello spettatore, tutti i colori del disco di Newton o zone di inaspettata brillantezza.
La mostra entra in una fase cadenzata e diventa sempre più drammatica, mentre i suoi due punti finali si aprono verso una dimensione esistenziale. In fondo alla prima sala espositiva, delle pieghe ricoprono un mobile di cui si intuiscono i contorni. L'oggetto nascosto deve essere uno strumento musicale, un pianoforte o anche un clavicembalo. Lasciato in abbandono, sembra aver perso la capacità di produrre suono, cosa tanto più evidente in quanto la copertura che lo avvolge è costituita da un tessuto acustico (borniol) utilizzato nel cinema o nelle performance dal vivo per isolare il suono rumore esterno. Una musica in pausa, una melodia sognata e fantasticata, ora muta, un clavicembalo dormiente, come suggerisce il titolo – Morphée [mɔʁfe] –. Quest'ultimo è due volte assente, perché privato di un ruolo da svolgere da un lato e inesistente dall'altro, sapendo che non c'è nessuno strumento musicale nascosto sotto la tenda. La forma nascosta ricorda quella di una bara, soprattutto perché Borniol prende il nome da una storica impresa funebre, il che suggerisce che il sonno in questione si allunga nel tempo e diventa eterno.
Il vuoto cristallizzato attraverso la nota muta suonata dal clavicembalo inesistente è riempito da una presenza che nei brani precedenti era solo suggerita, addirittura spettrale. La mancanza, ormai così palpabile, è finalmente compensata: sentiamo il suono. Da una stanza chiusa a chiave, trasformata in soggiorno e decorata con un poster Coil, squilla un telefono composto da due toni. Una è quella di essere messi in attesa prima che il destinatario rispondi, l'altra prevede l'interruzione brusca del tempo di attesa, obbligando a riattaccare. Il suono occupa tutto lo spazio ed elimina la possibilità stessa che nello spazio fosse presente un dispositivo che avrebbe potuto produrlo. Silenzio. Poi tutto ricomincia, in loop. Il titolo è più che eloquente: lo spettatore è invitato a proiettarsi all'interno di una stanza chiusa, a sedersi e ad aspettare. Chi ? O forse cosa? “…Aspettando la notte, aspettando Godot, aspettando – aspettando. Per tutta la sera abbiamo combattuto, abbandonati a noi stessi. Ora è finita. È già domani. » Il punteggio è giocato: finalmente è la fine della battuta d'arresto.
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