Song without words 7/13, 2024

J/Y Delaunay-Israël  

Nato in Francia nel 1955, vivo e lavoro a Gerusalemme dal 2015. Ho iniziato a dipingere con un amico durante un corso serale al liceo. Lui amava disegnare, io dipingere. Siamo entrati entrambi all'Institut d'Arts Visuels di Orléans (1975/76), e poi sono stato ammesso al Dipartimento d'Arte di Villa Arson – École Nationale Supérieure d'Arts di Nizza – (1976/79). Dopo il diploma, ho seguito un corso di imbianchino e poi ho studiato per diventare infermiere psichiatrico (1980/83). Conoscevo già un po' gli ospedali e i loro pazienti, avendoci lavorato ogni estate come assistente di reparto durante i miei studi alle Belle Arti. Diventando infermiere psichiatrico e poi supervisore infermieristico presso il Centro di Salute Mentale Georges Daumezon nel Loiret, ho unito pittura e psichiatria quasi quotidianamente. Insieme alla paternità e all'ebraismo, erano il mio unico vero sostentamento.

A Orléans e Nizza avevo scoperto gli albori dell'astrazione, Support Surface, la pittura americana ma anche la pittura preistorica - la nascita dell'arte secondo Bataille -, il Quattrocento e la pittura cinese.

Dovevamo sapere "tutto" sulle opere che ci avevano preceduto, in particolare quelle del XX secolo.

In un certo senso, dovevamo rispondere delle nostre azioni di fronte a loro. Tutte le strade dell'arte contemporanea ci erano aperte. Un po' controcorrente, ho scelto la pittura invece di Duchamp.

All'inizio dei miei studi infermieristici, ho incontrato anche André Robillard. Viveva in ospedale, dove disegnava, assemblava, accumulava e collezionava in quella che fungeva sia da casa che da studio.
Stavo scoprendo l'arte grezza degli "uomini comuni al lavoro", per usare l'espressione di Dubuffet, ma anche le espressioni della follia, come le descrivevano Oury e Maldiney. Sia nelle opere spesso effimere dei pazienti: poesie, disegni, confidenze, parole, provenienti dal profondo del loro essere, sia negli scritti di Antonin Artaud.

Nel 1984, dopo una deviazione tra paesaggio, natura morta e autoritratti, sono tornato a dipingere dove l'avevo "lasciata". Vale a dire, nel cuore di una composizione geometrica a rombo creata a Nizza nel 1977. Sono tornato alla mia pratica: lavorare su una superficie piana, linee compositive che superano il formato del dipinto, allontanandomi dall'espressionismo e dall'immediatezza degli esordi, con gesti lenti, colori trasparenti e liquidi.

Ho iniziato a lavorare partendo da principi compositivi tratti dalla storia dell'arte e dalla geometria (simmetria circolare, nodi borromei, progressione armonica del quadrato, costruzione geometrica della sezione aurea e poi, scomposizione armonica del quadrato, rettangolo e spirale di crescita armonica di Matila Ghyka).

Tutto inizia in modo casuale, come un lancio di dadi: la disposizione di forme geometriche sulla tela o sulla carta, secondo il principio della composizione. Ogni forma porta con sé il disegno delle altre sei o sette che la compongono: linee e forme emergono da questo intreccio, fonte di molte altre a venire. Gesti e linee piatte, bianche, nere o colorate, si ancoreranno a loro volta a queste creazioni nell'imprevisto di una forma di "libera associazione".

Ogni elemento ha una sua vita; viene prima disegnato o dipinto "in bianco" per immaginare e anticipare quando, dove e come potrà essere collocato nel dipinto.

Li dipingo oscurando l'ambiente circostante e scoprendo, a posteriori, i motivi che risultano dalla loro giustapposizione. L'applicazione degli strati si decompone nel tempo e la trasparenza permette di percepire i diversi strati che compongono l'emergere del dipinto. Senza schizzi o lavori preliminari, lavoro generalmente su più dipinti contemporaneamente, a volte fino a cinque o sei. Più ce ne sono, più facilmente posso dimenticarli e riscoprirli con sorpresa.
Intervengo almeno una volta in ogni seduta, senza rimpianti, su una parte di ognuno di loro. Solo così riesco ad appropriarmi del loro aspetto.

Nel 1989, nel paragrafo intitolato Epifanie tratto dagli "Appunti" compilati per presentare la mostra delle opere della serie "Composizioni", scrivevo: "Il fascino esercitato su di me dai minimi cambiamenti prodotti dall'applicazione di uno strato sulla tela era senza dubbio la forza motrice di questa pratica 'ripetitiva'. L'abbandono della ripetizione avvenne quando, strada facendo, scoprii che la sua giustificazione non risiedeva nello scopo che le avevo inizialmente assegnato (produrre colori unici), ma piuttosto nella possibilità di poter dipingere con e su ciò che mi affascinava."

In sostanza, questo è vero ancora oggi.

Rimango affascinato dallo svolgersi dell'aspetto del dipinto: i primi istanti del dipinto, l'avvento inaspettato dei suoi disegni, il graduale aumento della sua intensità, e cerco di dipingere in modo che tutti possano intravedere questo percorso tanto quanto il paesaggio su cui si apre.

P.S.: Le mie opere sono state esposte in Francia e Israele e sono presenti su diversi siti web di arte contemporanea e in gallerie. Due cataloghi pubblicati dal Centre d'Art Contemporain de la Scène Nationale d'Orléans sono stati dedicati al mio lavoro, con testi del pittore Christian Bonnefoi ("La posa del tempo") e dello storico dell'arte Tristan Trémeau ("Dipingere con moderazione"). Ho anche scritto ampiamente sul mio lavoro, così come sui laboratori artistici e sui progetti culturali che ho condotto negli ospedali.

Co-fondatore del collettivo di artisti "Le Pays Où le Ciel est Toujours Bleu", dal 2000 al 2015 sono stato anche responsabile dei progetti culturali presso l'EPSM Georges Daumezon, in particolare l'istituzione di una residenza artistica "Arte e Architettura" in collaborazione con il Frac Centre, ma anche la creazione di un fucile monumentale con André Robillard nell'ambito del centenario dell'istituzione.