William Mortensen

William Mortensen è stato una vera pecora nera tra i fotografi americani del periodo tra le due guerre. Era famoso per le sue fotografie cupe e grottesche. Voleva creare arte, non limitarsi a fotografare ciò che aveva davanti, ed è per questo che imitò i dipinti pittorici del periodo romantico. Nonostante il suo stile fosse piuttosto gotico e inquietante, il suo lavoro riscosse molto successo all'epoca, guadagnandosi il plauso della critica e pubblicazioni su riviste come Vanity Fair. Il sesso e la violenza erano temi popolari e intriganti, sia nei film che nelle immagini.

Il suo approccio tecnico era molto diverso da quello dei suoi colleghi dell'epoca. Ciò che tutti cercavano erano immagini chiare e luminose, in cui dimostrare quanto dettagliata potesse essere la fotografia. Mortensen fece esattamente l'opposto. Le sue opere presentano linee sfocate e bordi rovinati, ombre scure e angoli bruciati. La tecnica di stampa era il bromolio. Il procedimento con olio di bromo conferiva un effetto morbido e delicato, romantico e fragile, e fu molto apprezzato dagli artisti pittorialisti. Mortensen utilizzò carta al bromuro d'argento, che sbiancò e stampò. Spesso graffiava i suoi negativi, aggiungendo linee e disegni, e così facendo creava fotografie, non si limitava a scattarle. Aggiungendo una soluzione di gelatina sopra, si nasconderebbero la manipolazione e il lavoro extra, mantenendo così il loro aspetto delicato. Il suo metodo era diverso, dolce e delicato, e il suo tema era diverso, violento e spaventoso. Ma non è mai stato volgare. Tutto ciò che faceva lo faceva con gusto. I suoi ritocchi e i suoi lavaggi chimici erano discreti e la sua apertura al mondo della violenza e della stregoneria era flagrante. Nelle sue foto ci sono donne seminude, mostri, fantasmi, violenza e grottesco. Il motivo per cui ha unito sesso e morbosità è che il sesso era l'argomento di tutto, ma l'aggiunta morbosa lo ha reso più controverso, ed è per questo che la gente voleva vedere ancora di più le sue opere.

A Hollywood tutto era messo in scena: c'erano i set, le scenografie, le acconciature e il trucco. Anche nelle fotografie di Mortensen tutto era messo in scena e modificato, ma per uno scopo diverso. Voleva mettere in luce le motivazioni religiose, gli incubi e tutto ciò di cui la gente aveva paura. Durante la Grande Depressione in America c'era un vero motivo per aver paura: la povertà e la fame. L'odio era quindi un'emozione comune che governava i rapporti umani a quel tempo. La gente lottava per il cibo, il riparo e il territorio. In questo periodo Mortensen si trasferì in un'altra dimensione per mostrare come questa paura fosse diffusa tra le persone. All'epoca, la morbosità e il grottesco non erano la causa di una così scarsa qualità della vita, quindi erano sconosciuti, e tuttavia erano ripugnanti e intimidatori. Ciò che era ripugnante era allo stesso tempo attraente, perché l'istinto umano agisce in modi misteriosi. Alla gente piaceva avere paura. Un famoso fotografo dell'epoca, Ansel Adams, che realizzava fotografie nitide e luminose, l'opposto di Mortensen, si oppose ai suoi metodi e ai suoi soggetti e riuscì a spingerlo nell'underground, definendolo un diavolo e percependo la sua arte come un'opera satanica priva di valore artistico. Quando scoppiò la guerra, la violenza e gli omicidi erano onnipresenti sui giornali e la tortura divenne un fatto quotidiano.

William Mortensen nacque a Park City, nello Utah, nel 1897. Prima della prima guerra mondiale studiò pittura, ma non continuò mai a praticarla. Quando si trasferì a Hollywood negli anni '20, iniziò a fotografare attori famosi come Rodolfo Valentino e Jean Harlow. Realizzò anche numerose imitazioni di ritratti di persone reali, fotografando persone comuni in costume e vestendole come Napoleone o Machiavelli. La sua ossessione per i rituali satanici, la stregoneria e la magia nasce dal suo amore per la mitologia e il simbolismo. Sebbene sia vissuto prima della rivoluzione sociale e sessuale, per qualche motivo le sue fotografie sono state esposte in mostre in tutto il mondo e i suoi lavori sono stati collezionati dalla Royal Photographic Society. La nudità e il sangue erano cose che la gente amava guardare e, per qualche ragione, il pubblico giustificava il proprio fascino per l'opera di Mortensen. In qualità di fotografo affermato, pubblicò numerosi manuali di istruzioni sulla fotografia e tenne una rubrica settimanale sul giornale, in cui condivideva la sua esperienza e competenza. Insegnò anche alla Mortensen School of Photography, da lui fondata. Nonostante l'oscurità, fu una stella splendente della fotografia dell'epoca e rimane ancora oggi uno degli artisti più creativi e illustri di quel periodo.

Ciò che provoca una reazione immediata è ciò che la mente umana considera pericoloso. Quando ci troviamo di fronte a un pericolo, tendiamo a produrre ormoni diversi e il nostro cervello è programmato per provare repulsione e disgusto per scene di violenza e dolore. Il suo interesse per questo argomento era psicologico. Voleva esplorare il campo dell'oscurità dove si nascondono e si annidano tutti gli archetipi. Il suo lavoro è stato ispirato dalla psicologia di Carl Jung e dalla sua teoria degli archetipi e dell'inconscio collettivo. La teoria dell'inconscio collettivo di Jung presuppone che esista una sfera dei nostri primi ricordi di cui non siamo consapevoli e che è stata plasmata dai nostri antenati. Ecco perché condividiamo tutti le stesse idee e paure, o virtù. Ogni volta che vediamo un simbolo che ha un significato quasi universale, dietro di esso c'è un archetipo. Ciò che William Mortensen scelse come simboli furono forme e figure allarmanti che scatenavano la paura. Esistono simmetrie e proporzioni geometriche che possono essere manipolate per creare immagini inquietanti. Le diagonali, ad esempio, attivano meccanismi di difesa e l'artista ha voluto integrarle nella sua opera. Oltre alla paura, ciò che è universale per tutti è il sesso e la curiosità. Sono interessati a ciò che non è loro familiare e sono ancora più attratti da ciò che è sessuale.

Non c'era nulla di assurdo o morboso nel personaggio di Mortensen. Nei suoi scritti affermava spesso che tutto ciò che temiamo ha potere su di noi e che esponendoci alle fonti della paura perdiamo il potere che essa ha su di noi. Utilizzava l'arte per comunicare ed era profondamente convinto che il ruolo della fotografia, o di qualsiasi altra espressione artistica, fosse quello di condividere una visione e un messaggio. Quindi, invece di mostrare ciò che esiste nel mondo, come fecero molti suoi colleghi dell'epoca, volle mostrare ciò che esiste nel mondo simbolico; sogni e meraviglia, amore ed erotismo, fama e gloria, ma anche guerra e sacrificio. Ciò che rientra nell'ambito e nel raggio di un concetto o di un'idea artistica sono cose fisiche e materiali, accessibili a tutti, quindi non riusciva a capire il motivo per cui l'artista le stesse comunicando. Ciò che voleva comunicare erano concetti grezzi e originali, che non erano alla portata del visibile. Nel 1936 pubblicò un libro intitolato Monsters & Madonnas, in cui difese il suo soggetto e il tema dalle accuse di essere un fotografo purista e realista. Non era interessato all'occulto solo per ragioni psicologiche; Era interessato ai meccanismi dell'immaginazione e della creatività. Gli aspetti meccanici e scientifici facevano parte di tutto ciò che un artista doveva sapere sulla parte tecnica del processo, e questo era il Mostro. Tutta la creatività e l'ispirazione provengono dalla Madonna, simbolo universale di fertilità e nascita.

Il suo altro libro, The Command to Look, descrive il processo tecnico per creare una buona immagine. Utilizzò un processo di abrasione per rimuovere la vernice dalle stampe, mescolò i suoi prodotti chimici e fece la post-produzione come faremmo noi oggi. Applicò sostanze chimiche e mescolò i toni per ottenere il colore del negativo in bianco e nero. Tutto ciò che faceva, lo pubblicizzava e lo metteva nei kit dei fotografi, così vendeva i suoi brevetti e i suoi strumenti. Era un insegnante popolare e un artista colto, ma a causa di una serie di eventi sfortunati ed egoistici, i suoi colleghi lottarono contro il suo riconoscimento. Era amato e ammirato da chi gli stava intorno. Il suo primo lavoro a Hollywood fu con il regista Ferdinand Pinney Earle. Con lui c'erano sempre la sua fidanzata e la sorella minore, che era anche la protagonista di molte delle sue foto. La sua figura giovane e innocente contrastava perfettamente con i demoni e i mostri. Tuttavia, la polemica attorno a questo artista era già iniziata e tutte le sue fotografie furono distrutte. Successivamente iniziò la collaborazione con Cecil B DeMille e Mortensen lavorò come costumista e fotografo di scena. Si sviluppò il suo interesse per l'antropologia e gli studi culturali e realizzò numerose maschere tribali, gioielli etnici e ornamenti per la testa in cartapesta, utilizzandoli come oggetti di scena in molte delle sue opere private.

Circondato da bellissime donne dell'età d'oro del cinema, era abituato al concetto stesso di "bella e bestia". Ciò che era sconcertante e scioccante era il destino povero e sfortunato di queste bellezze e la loro incapacità di proteggersi dalle prove e dalla sofferenza. Risvegliando il primate o l'inconscio, mescolò ciò che conosceva dell'eleganza dell'arte europea con l'estetica kitsch e brillante del cinema americano. Il suo mondo era completamente immaginario e voleva rifugiarsi lì dove si nascondevano le idee. Incontra e fa amicizia con Manly P Hall, un filosofo esoterico canadese, con il quale discute di vari argomenti mitici e persino scientifici. Durante questa amicizia vennero scattate alcune delle sue fotografie più famose, molte delle quali non furono mai viste o esposte fino alla mostra William Mortensen: American Grotesque alla Stephen Romano Gallery. Nell'attuale epoca di vita frenetica e di mancanza della capacità di documentare ogni cosa, abbiamo perso la capacità di rimanere facilmente scioccati. Immagini di guerra, violenza e nudità sono presenti quasi ovunque. Quindi il soggetto delle fotografie di Mortensen non ci sconvolge più, ma lo troviamo affascinante e attraente. Alla mostra American Grotesque, gli spettatori hanno potuto ammirare la ricchezza della sua opera; Qui si può trovare di tutto, dagli accessori fotografici, alla poesia, alla combinazione di testi e foto, fino al lavoro di post-produzione.

Un gruppo di fotografi chiamato Gruppo f/64 lottò contro lo stile pittorialista e mostrò con orgoglio le sue fotografie pure, moderne e nitide. Ansel Adams era uno di loro e per tutta la sua carriera non ha mai sostenuto Mortensen e il suo stile unico. Dopo il periodo trascorso a Hollywood, continuò a scattare fotografie, ma il gruppo purista di artisti e potenti al vertice dell'impero dello spettacolo riuscì a metterlo da parte, in una profonda solitudine. La sua scuola di Laguna Beach contava più di 3.000 studenti, ma non ebbe mai molto successo tra il grande pubblico. Negli anni '80 l'interesse per il suo lavoro cominciò a crescere. Quasi tutti nel mondo dell'arte volevano sapere di più su questo fotografo misterioso e straordinariamente talentuoso. Di recente sono stati ristampati due suoi libri e, oltre al tema e all'argomento, il pubblico ammira anche la sua tecnica. Era l'epoca della fotografia semplice, in cui era possibile rappresentare semplicemente ciò che c'era, come fecero i puristi con la loro fotografia paesaggistica. Eppure questo artista ha trasformato il misterioso in realtà. Il suo libro The Command to Look: A Master Photographer's Method for Controlling the Human Gaze è stato ripubblicato nel 2014 e contiene molte delle sue stampe, nonché i suoi suggerimenti e istruzioni su come scattare una buona foto.

Tutto ciò che faceva, lo faceva con passione e dedizione. Non gli era mai piaciuto lasciare le cose come stavano, insisteva sempre per aggiungere qualcosa in più, che si trattasse di una mano di vernice in più o di una nuova dimensione di realtà alterata. Era pittore di formazione e per questo ha voluto creare le sue immagini: per dimostrare che la fotografia non è solo la sua passione, ma anche il suo obiettivo. Gli piaceva aggiungere descrizioni originali alle sue opere teatrali, ma non si rivolgeva mai direttamente al pubblico. Dedicò gran parte dei suoi scritti ad altri artisti che non lavoravano per fama, gloria e denaro, ma che, come lui, lavoravano per passione e significato. Per lui l'obiettivo fotografico era una macchina mistica, capace di leggere i simboli del mondo invisibile. Ha scherzato dicendo che per lui è la stessa cosa se vede una bella modella o una capra davanti alla telecamera: vede solo il potenziale della storia che può essere raccontata scattando e creando un'immagine. Ciò che l'artista e la modella dovevano condividere era entusiasmo, passione e interesse, e dovevano lavorare insieme per creare un ambiente vivo che potesse essere modificato, sviluppato, migliorato e perfezionato. Per lui questo era l'interesse per la fotografia e gli piaceva condividere questa esperienza nei suoi libri o nella sua rubrica settimanale. Sebbene non compaia nei libri di testo scolastici o nei musei, è stato il fotografo più riconosciuto e rispettato d'America.