Per questa prima mostra personale a Parigi, il pittore conferma il suo desiderio di costruire una genealogia delle storie urbane. Verranno così svelati una quindicina di oli su tela, attraverso un'alternanza tra paesaggi urbani e scene di genere.
Una donna incinta che si stringe la pancia per la paura, la tristezza di un uomo in posa nello studio di un artista o il malinconico silenzio di due trentenni in un ristorante, Dorian Cohen evoca la scena di genere con uno sguardo naturalistico sui drammi della vita urbana . L'artista offre un'interpretazione contemporanea dei fondamenti di questo movimento letterario e pittorico del XIX secolo costruito attorno all'opera di Émile Zola, una rappresentazione naturale e senza compromessi della vita sociale.
Qui, il banale pasto tra amici viene trasformato dal pittore che drammatizza la scena giocando sull'anacronismo tra la rappresentazione di un soggetto molto attuale e un trattamento dell'immagine legato alla pittura classica. I personaggi mangiano insieme ma appaiono soli nei loro pensieri. Il pittore ne rende visibile la psicologia ma affronta in un certo modo anche una critica sociale al progressivo individualismo della società che ci rende muti, anche nei luoghi della socialità.
In “Le Tunnel des Artisans”, il pittore ci immerge nella vita quotidiana di un commissionatore di frutta e verdura, un nuovo lavoratore ombra nelle grandi città. Il trattamento teatrale o addirittura cinematografico in chiaroscuro della schiena torturata dell'operaio dal trasporto ripetitivo delle casse ricorda i contadini di Jean-François Millet, un'altra ispirazione naturalista del pittore.
È nel dipinto “Madre e figlio” che sembra culminare la crudeltà narrativa tanto ricercata dall’artista, di ispirazione zoliana. In una stanza con mobili vecchi, un settantenne siede di fronte a sua madre su un deambulatore che sembra aver già superato i 90 anni. Dorian Cohen evoca qui questa generazione di uomini che, nella pace della pensione, ridiventano figli della madre, ancora viva, per vivere il crepuscolo della loro relazione. La tristezza di questa scena attuale è amplificata dalla vellutata luce crepuscolare nei toni dell'azzurro che cade dolcemente sui mobili della scena.
Nell’altra sua serie “Urbanities”, iniziata nel 2015, il pittore descrive questi banali spazi urbani dove il bello non è ovvio, dove il brutto non è ovvio. Attraverso il grande gioco della pittura ad olio, svela il potenziale pittorico di questi luoghi. Così la fila di vasi di piante in un cortile parigino è presentata in un'aiuola a scacchiera a rombi, lavorata con la prospettiva dei dipinti italiani del XV secolo. L'intrico di facciate di edifici dai materiali eterogenei nel cuore degli isolati parigini si trasforma in un concorso di carte da parati in stile Vuillard, in contrasto con l'entusiasmo della vegetazione residua in questa soffocante mineralità.
Se l'opera socializzante del pittore è innegabilmente venata di un leggero pessimismo, è solo lo specchio logico del disincanto di una generazione di fronte a un futuro molto incerto tra crisi climatiche, ecologiche e sanitarie. Un risentimento simile che si può riscontrare tra i pittori e gli scrittori naturalisti più di un secolo prima di fronte al determinismo sociale dell'epoca.
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