Ondulation Bleu, 2020

Guillaume Moschini  

Guillaume Moschini vive e lavora a Parigi Nato a Nîmes nel 1970, ha studiato alla Scuola di Belle Arti di Nîmes e ha beneficiato dell'insegnamento di Claude Viallat e Patrick Saytour. Guillaume Moschini lavora attorno a un gesto, a un colore, in una materia sempre molto liquida, mescolando a piacere inchiostri, acrilici e alcol denaturato. Risolvendo la questione dei limiti del campo del colore, la sua pittura si dispiega seguendo un gioco di forme rettangolari, che non sono più superfici piatte colorate ma tracce di un'unica pennellata. L'artista preferisce da tempo cornici piuttosto strette per facilitare la realizzazione di questa traccia originale la cui larghezza è strettamente determinata da quella del pennello, in una prospettiva abbastanza vicina a quella di Niele Toroni. Attraverso un susseguirsi di inopportune correzioni a goccia, queste forme hanno talvolta invaso la tela per tendere al monocromo. Sembrava un'ossessione, questa pratica fu un passo cruciale nella sua nuova comprensione del grande formato, che già caratterizzava i suoi primi lavori - dipinti su teloni lunghi sei metri usando scope e largamente influenzati dagli artisti astratti americani, quelli - questi derivavano da un ricerca iniziale di vaste distese di colore e desiderio di entrare nella tela. Per trasporre il suo lavoro su grandi dimensioni, Moschini ha iniziato assemblando due telai. Pertanto non pensava più ai suoi dipinti in termini di altezza ma in lunghezza, e le possibilità della loro disposizione avviavano nuove relazioni di colore, composizione e persino scala. Nei suoi quasi monocromi, le forme riappaiono di riserva sulla tela, e questa emergenza è accompagnata da una trascrizione della sua pittura in disegno, offrendo molte variazioni attorno alle quali l'artista si diverte. Avendo raggiunto una certa padronanza di questa traccia trasformata in forma, è stato poi in grado di svilupparla su qualsiasi formato o supporto. L'assoluta necessità di nitidezza esclude ripetuti movimenti avanti e indietro del pennello, l'artista utilizza pennelli industriali sempre più grandi: conta lo strumento, conta il metodo. Ma rompendo felicemente la continuità della linea per essere meno letterale, continua anche a usare pennelli più piccoli. La storia di una forma viene così tracciata, ripercorsa, modificando il modo di produrla. La scelta della posizione della traccia viene fatta esclusivamente ad occhio e non secondo un disegno o disegno preciso. Attraversa la tela, non importa dove Unica regola è la ricerca di un equilibrio tra le due tracce, senza che abbiano la stessa dimensione. Il grande formato gli impone di posizionare le sue tele su un tavolo e di lavorare da tutti e quattro i lati, in un intenso impegno fisico che, paradossalmente per questo ultra perfezionista, consente un controllo più evidente che nei suoi formati più piccoli. Si solleva servendosi di una piccola panca per appoggiare il pennello con la massima delicatezza: se il gesto è il fondamento dell'approccio, esso è tuttavia costruito contro ogni gesto espressionista. Allo stesso modo, protegge la prima traccia dagli schizzi, anche se alcuni vengono trattenuti, se contribuiscono alla stabilità del dipinto. Funzionano allora come una scrittura, un lavaggio, un incidente che si potrebbe dire ossessivamente controllato, che può costituire addirittura lo spunto di un dipinto. E l'artista gioca con questa trappola, tra gravità e assenza di peso. In questo lavoro per esigenze lavora anche l'inconscio: “la mia pittura è organica” dichiara Moschini. Lavora in serie, ma all'interno delle quali ogni dipinto rimane indipendente e non necessariamente destinato a essere presentato all'interno di un insieme prestabilito. I pezzi possono così funzionare a tre e la loro associazione o disgiunzione viene determinata osservandoli nelle loro relazioni spaziali e colorate. Se il lavoro sulla forma è fondamentale, esso è infatti un pretesto per il colore, un vero e proprio progetto di Moschini, il cui approccio ha come oggetto, come motivo, la comunicazione tra due colori, l'invenzione, la scoperta di un nuovo colore! Compreso quello, a prima vista non percepibile, che risulta da queste associazioni infinitamente variabili... Perché due colori corrispondano, ciò richiede in primo luogo un giusto equilibrio tra le forme, partendo dal postulato che ciò che non è dipinto è importante quanto cosa è. L'armonia logica dei colori, a volte dissonanti, avvia quindi l'evoluzione di una serie o di quella successiva. Affascinato dalla pittura ripetitiva, Moschini sviluppò un gusto sempre più pronunciato per il minimalismo e il radicalismo. In questo desiderio di arrivare dritti al punto pur essendo il più leggeri possibile, le tele spesso non sono predisposte a ricevere succhi trasparenti, secondo gli esperimenti di Marc Devade. E se le sfumature sono sempre meno, il colore non si perde, ma anzi diventa sempre più brillante. Il gesto di Moschini porta con sé un'emozione, una tensione che nasce solo attraverso giochi di equilibri e squilibri tra forme e colori, escludendo ogni sistematismo. Se in quest'opera c'è sempre stata una questione estetica, non rileviamo alcun estetismo poiché non è certo la bellezza dei colori che si mira, ma la loro fragile oscillazione, a seconda dei contesti espositivi e dello spettatore che li cattura e li ricrea i valori in ogni momento. Aurélie Barnier, giugno 2014