A cup of the sky, 2023

Hiromi Sengoku  

Hiromi Sengoku è un'artista giapponese nata nel 1982 che vive e lavora a Londra, Regno Unito. Dal 2008 partecipa regolarmente a mostre personali in Giappone e a numerose mostre collettive. Ha inoltre partecipato a fiere d'arte sia a livello nazionale che internazionale con la galleria NICHE e la galleria bruno a Parigi e Tbilisi. Tra i premi degni di nota figurano la Holbein Fellowship (2004), il Premio della giuria Kunio Motoe dello Shell Art Award (2011), la nomination per il Gran Premio del Museo reale di Ueno (2015) e il Gran Premio Sompo Japan Nipponkoa del Museo d'Arte FACE Award (2018). Ha anche partecipato come membro della giuria per la Holbein Fellowship nel 2019 e nel 2021.

Oltre al suo tema attuale di "ricostruire le tecniche e gli stili della pittura a olio classica con una prospettiva contemporanea", Hiromi utilizza da alcuni anni una varietà di materiali pittorici, tra cui acrilici, tempere e pigmenti minerali, soprattutto acquosi. Questa esplorazione nasce dal desiderio di riconsiderare la pittura in una società sempre più diversificata e globalizzata, riconnettendosi con la propria identità di artista radicata nel Giappone orientale.

Nel corso della storia, i materiali e le tecniche pittoriche si sono sviluppati in stretta relazione con il clima, la cultura e la società delle rispettive regioni. Le tradizioni artistiche di tutto il mondo si sono diversificate e, nei tempi moderni, hanno incorporato attivamente influenze di altre culture. Ad esempio, la trasmissione delle tecniche prospettiche dall’Occidente al Giappone durante il periodo Edo, così come l’influenza delle tradizioni pittoriche non occidentali sugli artisti occidentali, dall’era del Giapponismo fino ad artisti moderni e contemporanei come Matisse e Hockney, dimostrano la impatto significativo degli scambi interculturali sulla pittura.

Tuttavia, rivisitando la storia della pittura, ha notato che prima della differenziazione dei materiali e delle tecniche pittoriche c'erano molte somiglianze. Le opere prerinascimentali come la tempera e gli affreschi condividevano la semplicità delle linee piatte e delle superfici colorate, nonché un'espressione dello spazio che non si basava sulla prospettiva. Questi aspetti avevano parallelismi significativi con i dipinti giapponesi Yamato-e, e c'erano somiglianze nell'uso di prospettive isometriche con linee oblique e nella raffigurazione di figure e creature umane. Questa espressione condivisa aveva un profondo legame con le proprietà intrinseche dei materiali pittorici.

L'artista ha trovato la fonte di queste espressioni comuni nelle antiche pitture rupestri. Utilizzando pigmenti realizzati con materiali disponibili, gli artisti antichi creavano immagini sulle pareti delle caverne, utilizzando la struttura della superficie rocciosa per dare vita alle loro raffigurazioni con linee minime, trasmettendo anche profondità spaziale. Il desiderio degli esseri umani di "ricreare immagini su una superficie piana" è primitivo, e l'eccitazione quando linee e colori iniziano a formare immagini, dando vita a "un mondo", è un'esperienza universale che trascende il tempo e la cultura. Questa sensazione primordiale dell'"emergere del mondo su una superficie piana" è ciò che intende catturare sulla tela, consentendo agli spettatori di riscoprire e sentire l'"illusione" insita nei dipinti.

Per raggiungere questo obiettivo, conserva deliberatamente nelle sue opere elementi come le linee di disegno visibili e la materialità dei colori naturali. Le qualità imprevedibili delle vernici a base acqua, come il loro assorbimento e diffusione incontrollabili, non solo aiutano in questo sforzo, ma infondono anche alle opere una sensibilità orientale. I soggetti dei suoi dipinti sono tratti dalla vita di tutti i giorni, spesso evidenziando momenti o parole apparentemente insignificanti che risuonano con lei. Questo processo è guidato dal suo desiderio di rappresentare l'universalità del nostro mondo e, in fondo, dalla speranza di trovare qualcosa di significativo anche nelle trame e nelle macchie sulla tela.

L'uso della tempera è stata per lei una scoperta chiave, poiché consente la combinazione armoniosa di materiali pittorici a base di acqua e olio, integrando così nelle sue opere sia gli aspetti orientali che quelli occidentali della pittura. Essendo un'artista con radici in Giappone e che ha imparato e vissuto sia in Giappone che in Europa occidentale, Hiromi Sengoku esplora come remixare le influenze orientali e occidentali nel suo lavoro. Nella società odierna sempre più globalizzata, aderire rigidamente ad una parte sembra artificiale. Risuona la coesistenza di elementi orientali e occidentali con questioni di linee e superfici di colore nella pittura e cerca continuamente modi per raggiungere questo equilibrio nel suo lavoro.