Scultura in bronzo
Morte e risurrezione, 1965
Pittura : olio · 89.5 x 146.5 x 2 cm 35.2 x 57.7 x 0.8 inch · Pronte da appendere
8.250 €
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Tipo
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Firma
Opera firmata a mano
Dimensioni ( cm • inch )
89.5 x 146.5 x 2 cm 35.2 x 57.7 x 0.8 inch Altezza x Larghezza x Profondità
Dimensione dell'opera incorniciata
96 x 153 x 5 cm 37.8 x 60.2 x 2 inch
Venduta da
Galleria d'arte
Referenze
Venditore certificato dal 2015
Descrizione
Olio su tela imbrattata su medium.
Firma e data in basso a destra – Firma, monogramma e titolo sul retro.
Provenienza: studio dell'artista
« Morte e risurrezione » è un'opera molto particolare nella carriera di Sergio Birga. È sovraccarica di simboli come se il suo autore avesse voluto realizzare un quadro inventario per lui significativo degli interrogativi del mondo artistico dell'epoca. Questo quadro segna anche il nostro rammarico per non essere riusciti a interrogarne il suo autore sul senso che attribuiva alle diverse figure. Sua moglie ci ha inoltre confidato che il discorso era così denso che anche con le spiegazioni di suo marito non era mai riuscita a coglierlo tutto. Siamo quindi oggi ridotti a interpretare ciò che ci appare più evidente. Per chi conosce un po' il lavoro successivo dell'artista, questo quadro mette in scena molti segni e atteggiamenti che si manifesteranno episodiamente durante tutta la sua opera. Così l'Uomo e la Donna finalmente liberi si ritrovano nudi, abbracciati, girati, di schiena allo spettatore, verso un futuro che si trova « al fondo » dell'immagine. Così questo personaggio giallo in alto al centro, una specie di Moloch che si troverà nella Statua della Libertà in « La Grande Société » e in diversi disegni della serie « Dessein littéraire ». Sono anche presenti gli archetipi del borghese collezionista, del mercante, del modello, e molti altri, personaggi, luoghi o oggetti, che lo spettatore può a suo modo scoprire e interpretare. Si può notare tra questi ultimi, a destra, questo pesce pendente che potrebbe essere il simbolo del tempo che divora tutto come il coccodrillo che ha inghiottito un orologio in « Peter Pan ». Noi non abbiamo alcuna spiegazione sulla presenza degli occhi ovunque, né sullo scheletro « regale » nel suo sarcofago che può legittimare il titolo dell'opera.
Presentazione
Sergio Birga è nato a Firenze nel 1940. Diplomato alla "Scuola d'Arte" di questa città, è venuto a Parigi nel 1965 per seguire i corsi di incisione di Lucien Coutaud alle Beaux-Arts. Entra a far parte del Salon de la Jeune Peinture e vi svolge un ruolo importante tra la fine degli anni Sessanta e l'inizio degli anni Settanta.
Fu soprattutto durante tre viaggi in Germania e in contatto con due generazioni di espressionisti tedeschi che affermò uno stile e adottò un lavoro sul colore che avrebbe attraversato tutta la sua opera, tutti i periodi messi insieme. Oskar Kokoschka, Ludwig Meidner, Erich Heckel, Conrad Felixmüller, Otto Dix gli hanno dato consigli e influenza e con gli ultimi due ha scambiato ritratti. Molto impegnato politicamente, prese posizione contro la guerra del Vietnam e più in generale contro ogni “imperialismo”.
Sergio Birga denuncia senza mezzi termini la morale e l'organizzazione strutturale della borghesia, combatte lo status privilegiato dell'arte, degli artisti e degli intellettuali che per lui sono solo i servi servili dell'egemonia della cosiddetta borghesia. Negli anni '70 ha testimoniato la distruzione del cuore delle città da parte del profitto immobiliare, l'annientamento dei quartieri storici e popolari a favore della costruzione di "residenze di lusso" per i dirigenti neopromossi.
A partire dagli anni Ottanta la sua pittura si allontana dall'argomentazione politica e scivola verso un "realismo poetico" che trae i suoi riferimenti dalla pittura classica italiana, dal Rinascimento a De Chirico. Predilige paesaggi urbani, giardini, colonnati in un “realismo magico” molto assertivo.
Oggi, senza abbandonare i temi di una vita, Sergio Birga si rivolge a immagini di ispirazione letteraria o religiosa in cui la linea deve molto alla sua formazione di incisore. La vena espressionista attraversa tutti i periodi artistici di Sergio Birga. Più evidente ovviamente nei commenti aggressivi degli anni '60 e '70, ma comunque sempre presente in seguito.
Innanzitutto nell'uso di colori spesso “grezzi”, “saturi”, che creano un clima di violenza o irrealtà immediatamente avvertito dallo spettatore. Eccelle anche nell'introdurre una minaccia nell'immagine stabilendo un divario tra una scena apparentemente innocua e un dettaglio anomalo o colori insoliti.
Fu soprattutto durante tre viaggi in Germania e in contatto con due generazioni di espressionisti tedeschi che affermò uno stile e adottò un lavoro sul colore che avrebbe attraversato tutta la sua opera, tutti i periodi messi insieme. Oskar Kokoschka, Ludwig Meidner, Erich Heckel, Conrad Felixmüller, Otto Dix gli hanno dato consigli e influenza e con gli ultimi due ha scambiato ritratti. Molto impegnato politicamente, prese posizione contro la guerra del Vietnam e più in generale contro ogni “imperialismo”.
Sergio Birga denuncia senza mezzi termini la morale e l'organizzazione strutturale della borghesia, combatte lo status privilegiato dell'arte, degli artisti e degli intellettuali che per lui sono solo i servi servili dell'egemonia della cosiddetta borghesia. Negli anni '70 ha testimoniato la distruzione del cuore delle città da parte del profitto immobiliare, l'annientamento dei quartieri storici e popolari a favore della costruzione di "residenze di lusso" per i dirigenti neopromossi.
A partire dagli anni Ottanta la sua pittura si allontana dall'argomentazione politica e scivola verso un "realismo poetico" che trae i suoi riferimenti dalla pittura classica italiana, dal Rinascimento a De Chirico. Predilige paesaggi urbani, giardini, colonnati in un “realismo magico” molto assertivo.
Oggi, senza abbandonare i temi di una vita, Sergio Birga si rivolge a immagini di ispirazione letteraria o religiosa in cui la linea deve molto alla sua formazione di incisore. La vena espressionista attraversa tutti i periodi artistici di Sergio Birga. Più evidente ovviamente nei commenti aggressivi degli anni '60 e '70, ma comunque sempre presente in seguito.
Innanzitutto nell'uso di colori spesso “grezzi”, “saturi”, che creano un clima di violenza o irrealtà immediatamente avvertito dallo spettatore. Eccelle anche nell'introdurre una minaccia nell'immagine stabilendo un divario tra una scena apparentemente innocua e un dettaglio anomalo o colori insoliti.
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