Cuba
• 1984
Biografia
Julio Figueroa Beltrán e i suoi universi tematici
di Katherine Chacon
Nel complesso contesto della contemporaneità, la pittura resta un campo infinito di rappresentazione. Avendo dovuto affrontare lo spettro del proprio esaurimento, conseguenza dell'intronizzazione delle pratiche non convenzionali avvenuta alla fine del secolo scorso, la pittura dimostra costantemente la sua inesauribile capacità di rivitalizzarsi, avvicinandosi e traboccando - in una prospettiva critica - i limiti imposti dalle tecniche, dai temi e dalle strategie discorsive tradizionali.
La pittura attuale è ampia e molteplice; in esso confluiscono proposizioni di vario genere. Sul versante formale ci sono, da un lato, tutte le proposte derivate dall'astrazione nei suoi aspetti geometrici e lirici. D'altra parte, ci sono linguaggi legati alla figurazione, in cui si suppone che la rappresentazione trasmetta varie idee simboliche, metaforiche, politiche e molte altre idee.
L'opera di Julio Figueroa Beltrán (L'Avana, Cuba, 1984) si inserisce nel vasto orizzonte della pittura figurativa. Forte di una solida esperienza acquisita nella sua città natale - presso l'Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro e presso l'Instituto Superior de Arte (Universidad de las Artes) - Figueroa Beltrán si avvicina all'esercizio pittorico in un modo che rivela il suo debito verso le illustrazioni. Per questo si tiene lontano dalle soluzioni iperrealistiche e, successivamente, dalle seduzioni del realismo di qualità fotografica. Piuttosto, ritorna alla figura e al paesaggio, raffigurandoli per quello che sono: semplicemente
rappresentazioni. Figueroa Beltrán rivela le difficoltà di costruire un'immagine profonda sulla superficie di una tela.
La formazione di Figueroa Beltrán si concluse con il lavoro nello studio del famoso pittore cubano Julio Larraz, sostenitore della pittura come atto di immaginazione.
L'opera di Figueroa Beltrán appartiene a quella stirpe genealogica in cui l'aspirazione al realismo lascia il posto alla creazione di sensazioni inquietanti, di sottile irrealtà. Per questo c'è nella sua pittura qualcosa di vicino a quella di De Chirico, le cui atmosfere sognanti nascono dall'uso arbitrario della prospettiva e dalla raffigurazione di architetture impossibili. Mostrano anche l'influenza di Edward Hopper, in particolare nel suo approccio al tema della solitudine dell'uomo moderno nella città.
Attraverso l'uso del colore, una particolare costruzione dello spazio e delle forme e i temi rappresentati, nella pittura di Figueroa Beltrán si stabiliscono figurazioni inquietanti che mostrano tracce degli incontri incongrui di realtà lontane sostenute dai surrealisti. Senza dubbio il tema della solitudine attraversa tutta la sua opera; l'artista si affida all'uomo, alla natura e al paesaggio per renderli attori di una sorta di soliloquio esistenziale espresso con lirico appagamento.
Una delle sue serie riunisce dipinti raffiguranti navi che navigano in un paesaggio ghiacciato I pezzi Study, The Endurance e Study, The Art - e altri come The Mirage o The Art Shipment - condividono elementi simili: una goletta rossa in primo piano attraversa un mare verdastro in un paesaggio glaciale di cieli bianchi. Sono immagini piene di malinconia. Come nella poesia Ghost Ships We Are di Harry Martinson – in cui il poeta svedese paragona le navi abbandonate alla vita essenzialmente pellegrina dell'essere umano1 – le navi rosse di Figueroa Beltrán sembrano incarnare la solitudine fondamentale della psiche, assunta come struttura immensa e fluida. . Sono presenze che viaggiano senza direzione conosciuta in uno spazio indifferenziato. I titoli di questi lavori rivelano, inoltre, non solo l'assunzione della condizione umana come destino di un'esistenza incustodita, ma anche la consapevolezza di cosa significhi essere artista nel contesto di questa assenza di difese.
Il tema invernale riappare spesso in altre serie dove il paesaggio è brullo, freddo e solitario. In The Red Blizzard, l'artista utilizza ancora una volta un drastico contrasto tra sfondi bianchi - ghiacciati - e un elemento protagonista rossastro, in questo caso un fienile. L'immagine, costruita con oggetti dalle realtà più disparate, completa la sua stranezza essendo collocata in un parco eolico dove le turbine in primo piano e gli alberi senza foglie sullo sfondo, sembrano instaurare un dialogo dai connotati ecologici. Qui, il titolo dell’opera introduce una domanda sul suo significato: si riferisce all’impatto ecologico delle turbine eoliche sugli uccelli? Si riferisce al riscaldamento globale? Oppure l'artista cerca semplicemente di introdurre un elemento di stranezza accidentale?
Tuttavia, va notato che a Figueroa Beltrán le preoccupazioni ecologiche non danno luogo a denuncia. Il suo racconto è piuttosto orientato verso una revisione poetica di cosa significherebbe rompere la convivenza tra esseri viventi. La serie che chiameremo “Bird Houses” - nella quale l'artista introduce la rappresentazione di questi piccoli oggetti in legno - sembra sottolineare questa interpretazione.
Le cassette nido, infatti, sono oggetti posti dall'uomo e quindi associati alla vita sociale Nella foresta o in campo aperto, gli uccelli non ne hanno bisogno poiché hanno i propri mezzi per procurarsi cibo e riparo. Figueroa Beltrán colloca la sua su montagne solitarie, indicando che qualcosa nel comportamento naturale degli uccelli è stato alterato. Questo cambiamento capovolge tutto, mette tutto a tacere. La solitudine rappresentata in queste stanze è assoluta: le cassette-nido sono vuote e nessun uccello vola nelle vicinanze. In Study, The Sound of Winter, il calore delle piccole case (come nel fienile di Red Blizzard) viene bruscamente troncato dalla neve del paesaggio ghiacciato che lo circonda. Il titolo evoca e accentua il silenzio della solitudine invernale. In The Watcher, la figura di un uomo maturo raffigurato di spalle sembra sottolineare il desiderio di vedere invertita la solitudine. L'Attesa non solo esprime questa attesa, ma introduce un obiettivo paradossale: sebbene le foreste siano a corto di uccelli (grazie all'intervento umano che sconvolge il delicato equilibrio naturale), un uomo con lo sguardo smarrito attende che ne appaia uno per poterlo mettere in una gabbia. . In questo modo, il lavoro di Figueroa Beltrán introduce anche una riflessione sui legami tra l'esercizio della libertà e l'esperienza della solitudine. L'uso di una tavolozza sobria di seppia e grigi e la composizione austera supportata da intersezioni verticali, o orizzontali e verticali, conferiscono a queste opere un carattere malinconico e misterioso.
La città abbandonata è oggetto di opere teatrali come Fast Times e Blue Lights - e anche The Speed of Happiness Le opere di questa serie mostrano una bella sintassi formale in cui l'austerità degli elementi che le compongono - viadotti e cieli - è energizzata dalle ampie curve delle autostrade, dalle linee ascendenti dei pilastri e dalla prospettiva data dalla presentazione bassa delle l'angolo. Ciò consente la comparsa di cieli molto colorati come sfondi. In questi pezzi, infatti, emerge l'espressività poetica dei contrasti cromatici. La solitudine della città non si manifesta qui – come nei dipinti di Hopper o di De Chirico – attraverso la rappresentazione di luoghi solitari o di personaggi immersi nell'isolamento e senza comunicazione. Figueroa Beltrán prende uno degli elementi più iconici della metropoli contemporanea, l'autostrada, e lo mostra in uno stato insolito, in cui sono stati sottratti la velocità, il traffico costante e lo stato di allerta permanente della città, generando un'immagine assurda e inspiegabile di una città disabitata.
Camminare nella foresta della Dracaena è un dipinto dichiaratamente onirico. Come suggerisce il nome, rappresenta un paesaggio boscoso in cui si ergono diversi alberi di Dracena. Conosciuto come "albero del drago" per la sua particolare conformazione - il sistema di crescita del suo tronco è molto diverso da quello di altre specie arboree più comuni - e per il liquido rosso che ne deriva e che viene utilizzato come pigmento e come tradizionale medicina - questa pianta è, come il leggendario baobab, carica di esotismo e legata all'immaginario di mondi lontani, la sua origine, in un'isola remota nell'Oceano Indiano, rafforza la sua seducente stranezza.
L'artista colloca il bosco su un terreno sassoso e sotto un cielo intensamente rosso e stellato, che suggerisce l'integrazione di un'altra dimensione cosmica nella sua rappresentazione. In un certo senso, questo dipinto inquietante rende un silenzioso omaggio alle fonti primitive della pittura e alle originali funzioni curative dell’arte.
Formalmente, la pittura di Julio Figueroa Beltrán è schietta e diretta, contraria a ogni concettualismo. Il suo linguaggio attualizza il patrimonio delle tradizioni pittoriche. Ci riporta ai piaceri della contemplazione - per scoprire che la rappresentazione è anche un campo aperto e fertile per la riflessione, l'immaginazione, il divertimento e l'introspezione.
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