dEmo

Wenn es einen spanischen Künstler gibt, der meridiangenau verstanden hat, worum es im Kunstökosystem geht, dann ist es ohne Zweifel Eladio de Mora (dEmo). Mit seiner Kühnheit und Intelligenz steht er ganz oben auf der Liste derer, die wie wenige andere die große Utopie der Avantgarde verstehen, Kunst mit Leben zu verbinden.

Die mächtigste Waffe von dEmo ist der Humor, und die größte Tugend seiner Arbeit besteht darin, dass darin ein sehr intelligenter Prozess der Fetischisierung des Häuslichen und des Gewöhnlichen zu einer kulturellen Kategorie erhoben wird. Ich kenne nur sehr wenige Künstler, die in der Lage sind, so viele Zuschauer zu managen und aus diesem Management immer mit Bravour herauskommen. Der Vorschlag von dEmo ist an jener Geschmacksschwelle angesiedelt, die alle gleichermaßen betrifft. Vom anspruchsvollsten und ehrlichsten Kinderpublikum bis zum erwachsenen Publikum gefällt das Werk allen gleichermaßen. Und das bedeutet keineswegs, dass Naivität per se eine Bedingung seiner Geschichte ist. Im Gegensatz zu dem, was viele Leute zu wissen glauben, geht seine Arbeit mit beneidenswerter Geschicklichkeit mit den Ressourcen der Doppeldeutigkeit und den Strategien der Überzeugung um. dEmo ist ein extrem intelligenter und mutiger Typ. Er weiß sehr genau, dass der Wert der Kunst und ihre gesellschaftliche Wirksamkeit nicht mehr in der hohen Sphäre diskutiert werden, die von einer Gruppe von Akademikern definiert wird, die in ihren jeweiligen Bunkern sitzen. Der Künstler ist sich bewusst, dass es im günstigen Gesellschaftsvertrag und im Kapital affektiver und gewinnbringender Beziehungen liegt, wo der künstlerische Vorschlag in Wahrheit seine Daseinsmöglichkeit verdient.

Ich hatte das Glück, zu den ersten Kritikern zu gehören, die seine Arbeit bewerteten, daher kenne ich seine Reiserouten und Drifts sowie seine enorme bombensichere Hartnäckigkeit sehr gut. Damals, vor einigen Jahren, war das Institutions- und Galeriesystem der spanischen Kunst geschlossener, orthodoxer und konservativer als heute. Als die zeitweise äußerst konservativen und langweiligen Kunstgalerien ihre Anfragen nur verschoben und seine Arbeit ignorierten, weil sie ihnen verdächtig vorkamen oder weil sie nicht die gewünschte "konzeptionelle Bandbreite" aufwies, beschloss dEmo, die Fassaden von zu "stürmen". die Museen. Ich erinnere mich gerade an die Taucher an der Fassade des IVAM in Valencia, die Bären an der DA2 in Salamanca, den totemischen roten Bären am Eingang der IFEMA, die die ARCO-Messe leitet, das Baroja-Museum in Gijon, das Santo Domingo Cifuentes Museum von Zeitgenössische Kunst in Guadalajara, das Museum Artera Contemporary in Wien in Österreich, das Nationalmuseum der Schönen Künste Kubas in Havanna, das MACAY Museum für Zeitgenössische Kunst in Yucatan in Mexiko, unter anderem.

Eine Legion vielfarbiger Bären, Enten, die ungeahnte Dimensionen erreichen, verstörende und geisterhaft weiße Taucher, riesige Blumen, in ihrem Ansturm brennende Nashörner, Kühe in allen Größen und Farben, Schweine, Katzen und Roboter, „eingedrungen“, nie besser gesagt, die Machtzentrum der spanischen Institution-Art. Das war zweifellos eine der perversesten und effektivsten Operationen, die der Künstler angesichts der Ignoranz, Arroganz und Kurzsichtigkeit mancher Galeristen durchführte. So begleiten seitdem plötzlich Prestigekredit und Legitimation den Namen des Künstlers. Gegen den Strom oder nicht, ob es uns gefällt oder nicht, ob wir es mögen oder nicht, ob wir zögern oder nicht, wir müssen akzeptieren, dass er einer der einzigartigsten spanischen Künstler ist, der originellste und international größte Einfluss zu dieser Zeit.

Sein visuelles Alphabet ist in jeder Hinsicht unverwechselbar. Die Pop-Ästhetik, die Welt der Mode und die Industrie im weitesten Sinne haben ihm als Grundlage für die Artikulation seiner eigenen Stimme gedient, die mit Frechheit und viel Spaß in jeden Raum (künstlerisch oder nicht) des Globalen eindringt Erdkunde. dEmo ist genau genommen ein kompetenter und opportuner Künstler. Er weiß, wie man den Moment wählt und seine Chancen priorisiert. Sein guter Charakter und sein ewiges Lächeln haben ihm viel Zuneigung eingebracht. Zwischen gesellschaftlicher Anerkennung und hedonistischem Efektismus seiner Arbeit bewegt er sich wie ein Fisch im Wasser. Daher ist seine Präsenz expansiv, ohne überwältigend zu sein.

Die spielerische Dimension ist, wenn überhaupt, der Raum der größten Vitalität in seinem Vorschlag. dEmo ist der König der modernen spanischen Bildhauerei. Er bewegt sich zwischen unterschiedlichen Morphologien, bescheidenen und skandalösen Proportionen, höchst unterschiedlichen Objekttypologien und einer Farbskala, die von keiner barocken Epiphanie geknickt wird. Sein Durchsetzungsvermögen und sein Mangel an Bescheidenheit (im besten Sinne) werden zu seinen größten Verbündeten. Aus diesem Grund gelingt es ihm, den Wert alltäglicher Elemente wiederherzustellen, um sie als Ikonen der zeitgenössischen Kultur zu sichern. dEmo ist, und das weiß er, der Andy Warhol der spanischen Kunst, ohne dabei so zu tun, als würde dieser Vergleich die Nackenhaare aufreißen und den Zorn anderer entfesseln.

Jede Epoche neigt aufgrund eines egozentrischen Fehlers dazu zu glauben, dass sie die letzte sei, dass nichts Gutes nach ihr kommen werde. Oder, noch schlimmer, dass jede Avantgarde-Revolution später als fäkale Schanze und Wucherung endet. Ob so oder so, ob Wahrheit oder Lüge, ob Spekulation oder Tatsache, die Wahrheit ist, dass dieser Künstler mit all diesen Annahmen auf seinen Schultern immer ein blindes Vertrauen in die Skulptur gezeigt hat. Und diese persönliche Hingabe wird durch die Tatsache gerechtfertigt, dass er versteht, dass Skulptur nicht nur ein Objekt, ein volumetrischer und faktischer Satz ist, sondern vor allem eine Spaltung der Stadtlandschaft, ein Kommentar, eine Frage, eine Geste. All dies, ohne jemals die Tatsache aus den Augen zu verlieren, dass ein Lächeln besser ist als tausend Worte und sterile Versprechungen. Die Welt ist dankbarer denn je für die Skulptur von dEmo. Nach so viel Pandemie, so viel totalitärer Rhetorik und so viel Tod suchen wir nach Farbe, Ausdruckskraft und einem Gefühl von Freiheit. Die Queen of Salsa hat es schon gesagt und wir alle wiederholen es: „Wir dürfen nicht weinen, das Leben ist ein Karneval“. Die Arbeit von dEmo feiert das Leben, ohne in einer lächerlichen Epiphanie zu enden.

Er selbst hat von seiner Verantwortung gegenüber der ästhetischen Tatsache und seiner kontextuellen Komplizenschaft gesprochen. Auf die Frage nach den Intentionen seiner Arbeit antwortet er „erstens, dass es den Menschen keinen Schaden zufügt. Wenn mich ein Politiker fragt, was passiert, wenn man eine Skulptur in einen Kreisverkehr stellt, erzähle ich ihm dasselbe, was passiert ist.“ mit der Menina in San Sebastián de los Reyes, Madrid. Es war sehr teuer und wurde kritisiert, aber nach zwei Monaten wurde es nicht mehr weggenommen. Skulpturen schaffen Bindungen der Zuneigung und Identität mit dem Ort, an dem sie sich befinden. Die Menschen nehmen sie schließlich als ihre eigenen an, es werden Zugehörigkeitsgefühle erzeugt und verwaltet". Über die Notwendigkeit zu tun und zu sagen präzisiert er, dass „es eine Lebensweise ist. Seit meiner Kindheit habe ich diese Sensibilität und es ist wie Atmen für mich. Ohne Kunst wüsste ich nicht, was ich tun soll, es ist eine Form der Freiheit, des Ausdrucks und ein Motor des Denkens. Für mich ist Skulptur wie ein Lautsprecher. Wenn ich temporäre Installationen mache und die Bären wiederhole und dasselbe Stück in denselben Farben platziere, wollen sie jedes Mal eine andere Farbe sehen Bär. Das ist wie ein Lautsprecher, der die gleiche Idee in einer multiplizierten Form wiedergibt".

Wie das Sprichwort sagt, "Erfahrung ist ein Abschluss". Genau das nutzt der Künstler, der einen schwindelerregenden Lehrplan angehäuft hat, um das Skulpturale diskursiv und in seinen praktischen Varianten zu häufen. Der Künstler selbst ist zu der Überzeugung gelangt, dass "künstlerisches Schaffen eine Art ist, das Leben anders zu sehen, eine Erfahrung, die uns zur Meditation zwingt und gleichzeitig andere Antworten fordert und fordert". Wenn es im spanischen Panorama einen Kenner der postmodernen Kultur als systemische Ablehnung des Absoluten gibt, dann ist das dEmo. Dieser Künstler ist sich der Krise mehr als bewusst, die jeder Wunsch, etwas Neues oder Anderes zu machen, durchmacht. Nicht umsonst betonte er in einem Interview: „Ich glaube, dass wie in der Mode alles erfunden wurde. Alles existiert, man muss es nur anders drehen und aus dem Zusammenhang reißen.“ Diese Fähigkeit, die Zeichen seiner Zeit zu erkennen und zu erfassen, ist eines der Kennzeichen seiner Arbeit. Deshalb strebt er nicht danach, origineller als alle anderen zu sein, sondern effektiver als viele. Es geht nicht um Innovation, sondern um die Neubegründung des Bestehenden, um die Gewährung neuer Bedeutungen, um die Orchestrierung neuer Landkarten, um die Rettung des beredten Willens der Kunst. dEmo weiß, dass der Zugang zur Ewigkeit nicht durch die Ekstase oder die Ekstase des Einzigartigen, der mühsamen und ungeschickten Suche nach dem Einzigartigen und Unwiederholbaren gegeben ist. Dieser Zugriff erfolgt nur dann, wenn klar ist, dass die Kunst nirgendwo hingeht oder eine mystische Beziehung zur Zukunft hat, wenn bekannt ist, dass die Kunst all das ist, was gerade passiert, während die Lehrbuchwissenschaftler und Repertoirekritiker danach fragen dieselben Fragen wie immer.

Andrés Isaac Santana.

Kunstkritiker, Essayist und Ausstellungskurator.