Scultura in bronzo
Disegno : Carta · 100 x 70 x 0.1 cm 39.4 x 27.6 x 0 inch
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Tipo
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Firma
Opera firmata a mano
Tecnica e supporto
Dimensioni ( cm • inch )
100 x 70 x 0.1 cm 39.4 x 27.6 x 0 inch Altezza x Larghezza x Profondità
Galleria d'arte
Referenze
Venditore certificato dal 2022 • Top Seller
Al centro di "No Rush" c'è una giovane donna seduta in posizione del loto sopra la conchiglia di un gasteropode gigante. Questa scena impossibile è creata attraverso il linguaggio del surrealismo, dove i simboli rivelano idee che la sola realtà non può esprimere appieno.
In quest'opera, il gasteropode diventa un simbolo delle persone che scelgono la consapevolezza rispetto alla velocità. Il suo movimento non affrettato ci ricorda che il valore di un viaggio non è misurato dalla velocità con cui ci muoviamo, ma da quanto autentico sembri quel ritmo per noi. A volte, scegliere di non affrettarsi richiede la più grande forza interiore.
La donna non spinge il gasteropode in avanti. Invece, abbraccia il suo ritmo come proprio. Seduta in posizione del loto, una delle posture meditative più riconoscibili nello yoga, incarna equilibrio interiore, consapevolezza e armonia. La sua posa suggerisce che la vera forza non si trova sempre nella velocità, ma spesso nella capacità di rimanere centrati mentre la vita continua a muoversi intorno a noi.
Dalle sue braccia fluiscono lunghe sciarpe bianche per yoga aereo. Questi non sono semplici pezzi di tessuto ma elementi simbolici ispirati allo yoga aereo, una pratica che combina movimento, equilibrio, fiducia e consapevolezza interiore. Sebbene fluttuino liberamente nell'aria, rivelano anche silenziosamente che il gasteropode si sta muovendo. Anche al suo ritmo più lento, il movimento crea una brezza delicata. Le sciarpe diventano un sottile promemoria che la lentezza non è l'assenza di movimento, è semplicemente movimento vissuto in modo diverso.
Un bonsai accompagna la composizione come altro elemento simbolico. Un bonsai non è definito dalla sua dimensione ma dagli anni di pazienza, cura e coltivazione consapevole che gli permettono di fiorire. Rappresenta armonia, equilibrio, resilienza e la comprensione che la crescita significativa non può essere affrettata. Come il gasteropode, ci ricorda che il tempo non è un ostacolo ma una parte essenziale del divenire.
Una caratteristica distintiva della serie At My Own Pace è l'uso di accenti di colore che emergono in composizioni prevalentemente monocromatiche. In quest'opera, il bonsai è reso in verde vibrante. Il verde è da tempo associato alla tranquillità, all'equilibrio, al rinnovamento, alla guarigione e a un profondo legame con la natura. Psicologicamente, evoca calma e stabilità emotiva, rafforzando il messaggio dell'opera che la pace può essere trovata quando ci permettiamo di muoverci a un ritmo che ci sembra autentico.
Sebbene surreale nella forma, quest'opera è radicata nell'osservazione di persone reali. I personaggi della mia serie non sono fittizi—esistono ovunque intorno a noi. Sono persone che scelgono di non misurare le loro vite dalla velocità, ma dalla presenza. Ci ricordano che vivere lentamente non significa stare fermi.
"No Rush" è un tributo a coloro che hanno trovato il coraggio di muoversi nella vita senza correre costantemente contro il tempo. Quest'opera non incoraggia le persone a rallentare—ci ricorda semplicemente che ogni ritmo della vita merita rispetto uguale, purché ci permetta di rimanere fedeli a noi stessi.
E in ultima analisi, lascia allo spettatore una semplice domanda che persiste molto tempo dopo aver visto l'opera:
"Questo è il mio ritmo?"
At My Own Pace Series
Questa serie esplora le persone e i diversi ritmi in cui vivono. Ogni dipinto indaga un modo distinto di vivere la vita, ricordandoci che non esiste un tempo giusto o sbagliato. Alcune persone sono attratte dal movimento costante, mentre altre trovano conforto nella lentezza e nella quiete. Ogni ritmo porta con sé la propria bellezza, valore e forza.
La serie At My Own Pace è creata per aiutare gli spettatori a riconoscersi nelle opere. In questi dipinti, il personaggio principale non è la figura raffigurata, ma lo spettatore stesso. Attraverso immagini animali simboliche, esploro i ritmi della vita umana senza giudizio o gerarchia. Non esiste un modo universalmente corretto di vivere — solo un ritmo personale in cui una persona si sente allineata con se stessa.
Kateryna Kostyk (nata nel 2002 in Ucraina) è un'artista che lavora nel genere del disegno a grafite e carboncino. L'arte l'ha accompagnata fin dall'infanzia, ma il suo vero percorso artistico è iniziato dopo l'inizio della guerra su vasta scala, quando il disegno è diventato un mezzo di espressione emotiva e di resilienza interiore. Nel 2025, ha deciso di dedicarsi completamente alla creazione di opere originali che riflettono la sua personale visione del mondo.
La sua filosofia artistica è radicata nella semplicità, nell'autenticità e nella naturalezza. Attraverso le sue opere, Kateryna cerca di ritrarre la vita al di là delle immagini idealizzate dei social media: una vita che lascia spazio alla calma, al contatto con la natura e all'apprezzamento dei piccoli momenti che portano vera felicità. Il suo obiettivo è ricordare alle persone che l'armonia e la gioia non sono determinate dalla ricchezza materiale, ma provengono da dentro.
Kateryna lavora principalmente con grafite e carboncino, creando composizioni in bianco e nero in cui l'attenzione non è rivolta al colore, ma all'emozione, al pensiero e all'anima dell'opera d'arte. Pur padroneggiando diverse tecniche artistiche, il disegno rimane la sua principale forma di espressione. Le sue opere variano nel formato, da piccole opere intime a composizioni di grandi dimensioni, a seconda dell'idea alla base di ciascuna opera.
Le sue opere sono conservate in collezioni private in Ucraina, Slovacchia, Italia e Germania.
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