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Los movimientos del arte moderno y contemporáneo

Movimientos artísticos en pintura y escultura

1892 - 1906 Secesión de Viena: Se trata de la versión austriaca del Art Nouveau francés, el grupo formado en torno a Gustav Klimt como reacción al academicismo entonces vigente. Al igual que en Francia, el vocabulario artístico se volvió orgánico, directamente inspirado en la naturaleza y sus curvas (G. Klimt, E. Schiele, O. Kokoschka).

1907 Cubismo: El cubismo, el primer movimiento que va más allá de la simple imitación de la realidad, se inspiró en las formas del arte primitivo, que entonces experimentaba un renacimiento del interés. A partir de entonces, el volumen es tratado en dos dimensiones por los artistas cubistas hasta una cierta deconstrucción (G. Braque, Pablo Picasso J. Gris, F. Léger).

Futurismo 1909: El futurismo, herencia directa de las formas y el pensamiento cubistas, nace en Italia y afecta a la literatura, la pintura y la escultura. Este movimiento se inspira en la sociedad, la industria y el movimiento modernos. Las obras futuristas abogan por el progreso, la velocidad y la llegada de la máquina (U. Boccioni, L. Russolo, F. T. Marinetti).

Abstracción geométrica: La abstracción es lo contrario de la figuración, son formas no representativas, es el mayor punto de inflexión del arte moderno en el siglo XX. Las primeras obras abstractas se basan en creencias espirituales o toman la música como motivo, dos temas que no pueden representarse mediante la figuración (P. Mondrian, V. Kandinsky, K. Malevitch).

Expresionismo 1911: El expresionismo, movimiento vinculado principalmente a los países del Norte y especialmente a Alemania, se opone al arte académico. Las obras expresionistas ofrecen una visión pesimista y oscura del mundo, en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La corriente se divide en dos grupos: Die Brucke (El puente) y Der Blaue Reiter (El jinete azul), este último lleva a la abstracción Munch, V. Kandinsky, E. Nolde, E. L. Kirchner).

orfismo 1913: El orfismo toma su nombre del Salón en el que se expusieron las primeras obras del movimiento: La Sección Dorada. Se trata de una simplificación de las formas, de las que sólo quedan visibles los colores y la luz, por lo que el objetivo de las obras del orfismo era crear una sensación de movimiento en el lienzo (R. y S. Delaunay, M. Russell).

Surrealismo en 1924: Fecha del manifiesto de André Breton para este movimiento que suprime las fronteras entre lo real y lo irreal en sus obras literarias y pictóricas. Los sueños se convirtieron en una importante fuente de inspiración, ya que los artistas proponían su propia concepción del mundo, que luego se distorsionaba según los deseos de cada uno. Es el fin del reino de la razón en el arte Dali, R. Magritte, F. Picabia, M. Ernst).

Expresionismo abstracto 1942: Considerada como la primera corriente artística importante en Estados Unidos cuestiona el gesto y el color, después de la segunda guerra mundial se divide en dos escuelas que son: - 1940/50 Pintura de acción: los artistas trabajan en sus gestos y en su forma de aplicar la pintura, desarrollando en particular la técnica del goteo. La relación entre el cuerpo del artista y su lienzo se intensifica (J. Pollock, R. Motherwell). - 1940/50 Pintura de campo de color: Los artistas cuestionaron la planitud de sus lienzos y quisieron eliminar cualquier efecto de profundidad. El nombre de Colorfield proviene de las grandes áreas planas, o campos, de color que lo caracterizan (M. Rohtko, B. Newman).

1945 Art Brut: Fue el pintor Jean Dubuffet quien utilizó por primera vez el término Art Brut para describir las obras creadas por personas sin cultura artística, es decir, niños, enfermos mentales y marginados en general. Esto da lugar a producciones que a menudo parecen ingenuas, oscuras y que contienen un vocabulario simbólico.

1951 abstracción lírica: Este movimiento se construye en oposición al de la abstracción geométrica, los sentimientos del artista se plasman en el lienzo utilizando formas no figurativas. Las obras de abstracción lírica muestran los gestos que llevaron al nacimiento de las formas, pero son menos espontáneas que las de Action Painting S. Francis, N. De Staël).

1954 Arte Cinético u Op'Art: Ambas designaciones se oponen porque se origina en América y uno de Europa. Los define el arte cinético obras que parecen estar en movimiento o en realidad son, mientras Op'Art presentes logros basados en ilusiones ópticas. Si las denominaciones difieren, el resultado deseado es el mismo: el movimiento (V. Vasarely, F. Morellet, C. Crus-Diez, A. Soto).

Pop Art 1955: En contra de muchos a priori, el movimiento Pop Art no nació en Estados Unidos con Andy Warhol sino en el Reino Unido con Roy Lichtenstein. Las obras de arte pop se realizan a partir de imágenes de la cultura popular secuestrada. También es el movimiento que primero traspasó los límites de la reproductibilidad de la obra de arte con la técnica de la serigrafía en particular (R. Lichtenstein, R. Hamilton, A. Warhol).

Minimal Art 1962: Procedente de Estados Unidos, como reacción al arte pop y al expresionismo, el arte minimalista se construye en torno a una simplificación extrema de las formas. Las obras minimalistas tienen todas una cosa en común, la de resaltar el espacio que habita. El arte minimalista presenta un aspecto frío y ciertamente noble (D. Flavin, D. Judd, C. Andre).

1963 nuevo realismo: Este movimiento se forma en torno a un crítico de arte, Pierre Restany, que reúne a varios artistas que practican diferentes artes pero con una misma búsqueda: apropiarse de la realidad a través de sus producciones. Los artistas del Nuevo Realismo no subliman la realidad, la integran tal cual (Y. Klein, Arman, J. Villeglé, César).

1964 figuración narrativa: En el contexto político y social de los años 60 se multiplicaron las imágenes impactantes en los medios de comunicación y en las artes. Como reacción a los desbordamientos del Pop Art, los pintores decidieron aprovechar esta nueva cultura visual para retranscribirla en la pintura añadiendo una dimensión temporal, un sentimiento de urgencia (H. Télemaque, B. Rancillac, J. Monory, P. Klasen).

arte conceptual 1965: En realidad no se trata de un movimiento, sino más bien de una tendencia de los artistas a querer comprender lo que hace que el arte sea arte. Se pueden distinguir dos corrientes de pensamiento: aquellos para los que los artistas sólo deben producir definiciones de lo que es el arte, y aquellos para los que el concepto, más que la representación, ya es arte (J. Kosuth, S. LeWitt, R. Morris).

1965 Hiperrealismo: Originario de Estados Unidos y heredero de los cuadros de Edward Hopper, este movimiento se inspira en la fotografía para conseguir una pintura lo más realista posible. Las obras muestran una gran atención al detalle y a la observación. Este realismo obtenido por el único medio de la pintura es asombroso; debería llevar al público a cuestionar la noción de realidad y de representación (C. Close, R. Estes, M. Morley).

El 60 'Street Art: El arte urbano incluye todas las realizaciones artísticas que provienen de la calle, las obras toman como soporte el entorno urbano y los espacios públicos. El nombre incluye varias técnicas que van desde las plantillas hasta los grafitis y las pegatinas. El Arte Callejeroes una forma de arte efímero aunque hoy el calificativo designa un conjunto más amplio de pinturas y fotografías que permiten perpetuar las realizaciones Banksy, Blek le Rat, Miss Tic, Speedy Graphito).

Final 1960 Land art: Los artistas pertenecientes al movimiento Land art crean sus obras a partir de materiales naturales y dejan sus producciones in situ, expuestas voluntariamente a los caprichos del tiempo, el clima y la erosión. Las obras de land art suelen ser obras efímeras, debido a su ubicación y material, por lo que la fotografía y el cine documental toman el relevo para su perpetuación (R. Smithson, D. Oppenheim, R. Long).

1981 Nueva Figuración: No es una corriente organizada sino una visión común de la sociedad, es una tendencia que ofrece una alternativa a los artistas que no pertenecen a la abstracción o al Nuevo Realismo. Sus principales fuentes de inspiración son los nuevos medios de comunicación, desde el cine hasta la fotografía y el cómic, los artistas cuestionan al público sobre su relación con las imágenes de la realidad (P. Rebeyrolle, J. Christofourou).

Movimientos artísticos en la fotografía 1889 Pictorialism: Primer movimiento que lleva a pensar que la fotografía puede ser un arte. Ante la democratización de la cámara, los aficionados intentan desarrollar una nueva práctica en cuyo seno aparecen las primeras cuestiones de estética. Los fotógrafos transforman la realidad mediante técnicas (desenfoque, encuadre) o la puesta en escena.

1920 Nueva Objetividad: Este movimiento se formó como reacción al expresionismo, que se consideraba demasiado subjetivo. Frente al pictorialismo, la Nueva Objetividad quiere captar el mundo en su más cruda verdad, su enfoque es casi científico, ya que quiere captar la realidad. El movimiento se desarrolló sobre todo en Alemania, que entonces atravesaba una crisis social y política.

1924 Surrealista: La fotografía surrealista se desarrolla en paralelo a la pintura, adopta las mismas características. El automatismo, en el corazón del pensamiento surrealista, es un componente de la fotografía que atrae a los artistas. Los fotógrafos surrealistas desean hacer visible lo invisible en sus producciones, y para ello emplean numerosas técnicas de desviación de la imagen. (M. Ray, G. Hugnet, H. Bellmer)

Desde 1980: La fotografía se considera finalmente un arte visual por derecho propio y las fotografías artísticas se convierten en obras de arte del mismo modo que las pinturas o las esculturas. Desde entonces, la práctica fotográfica se ha desprendido cada vez más de su aspecto técnico y sólo ha valorado la investigación estética. Cada vez más ligada a las tecnologías digitales, la fotografía abre también el campo del videoarte.

Movimientos artísticos en el diseño 1917 De Estilo: Con el nombre de una revista de arte moderno, el movimiento De Stijl se desarrolló principalmente en torno a la figura del diseñador Théo Van Doesburg. En la pintura, De Stijl se expresó en particular con los cuadros de Piet Mondrian. El objetivo es conseguir una pureza de forma y color hasta un grado de formalismo extremo. Según los artistas, esta pureza es el único medio de expresión artística que puede ser universal.

1919 diseño moderno (Bauhaus): La Bauhaus es la escuela de arte más famosa de Alemania en el siglo XX, inicialmente destinada al aprendizaje de la arquitectura, finalmente toca todas las prácticas artísticas. La escuela rompe las fronteras entre el arte y la artesanía, enseñando ambos en igualdad de condiciones. El objetivo principal es normalizar los objetos y las construcciones mediante el uso de formas puras.

El objetivo principal es normalizar los objetos y las construcciones mediante el uso de formas refinadas.

1920-1980 Estilo Internacional: Inicialmente una tendencia arquitectónica, el Estilo Internacional también toca el diseño relacionado. Este movimiento es el heredero directo del movimiento de la Bauhaus, con el que comparte la misma búsqueda de la internacionalización de la forma. El objetivo declarado es amueblar y albergar a toda la población mundial en realizaciones de un estilo único, sencillo y puro.

1929 Streamline: En francés, el estilo Paquebot, se inspira en las tendencias curvas del Art Decó. La novedad es el aspecto industrial que se da a estas curvas, que recuerdan al casco de un barco y que parecen tener las mismas cualidades de aerodinámica.

1929 Union de Artistas Modernos (U.A.M.): Fundado por un arquitecto, el movimiento cuenta con muchos decoradores en sus filas. Estos decoradores no abogan por la forma sino por la función, quieren que el diseño y las artes decorativas entren por fin en la modernidad. La UAM utiliza materiales innovadores y ancla el diseño profundamente en la era industrial".