Racines du tumulte, 2026
Pittura : acrilico · 100 x 100 x 4 cm 39.4 x 39.4 x 1.6 inch · Pronte da appendere
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Dimensioni ( cm • inch )
100 x 100 x 4 cm 39.4 x 39.4 x 1.6 inch Altezza x Larghezza x Profondità
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Referenze
Venditore certificato dal 2017 • Top Seller
Descrizione
Descrizione plastica
Su uno sfondo bianco freddo, una massa centrale scura occupa l’asse verticale della tela e vi affonda le radici. È composta da blu ardesia, grigi di fuliggine e neri densi, aggregati in pacchetti irregolari che si addensano verso il centro. Da entrambi i lati, proiezioni e gocciolamenti fuoriescono in grappoli: filamenti bronzo e oro invecchiato, tracce marroni, schizzi neri. Nella parte inferiore, verdi profondi e ocra di terra si accumulano in una base più densa. L’insieme è attraversato da linee liquide, lunghe e nervose, che salgono dal basso verso l’alto e collegano le masse tra loro. I margini bianchi rimangono ampiamente aperti, soprattutto a sinistra. Analisi critica La composizione afferma una verticalità contrariata. La massa scura sale, ma i suoi contorni sono costantemente interrotti dalle proiezioni laterali, in modo tale che l’ascesa non si conclude mai in una silhouette stabile. Questo è il fulcro dell’opera: una struttura che regge in piedi pur esibendo ciò che la minaccia. I toni minerali — argilla, fuliggine, pietra, bronzo — conferiscono alla materia uno spessore geologico, mentre i coulimenti le restituiscono la sua fluidità. La tensione tra questi due stati, il minerale e il liquido, produce un’impressione di contrazione trattenuta, come se la materia contenesse un grido o una memoria. Lo schienale tridimensionale rafforza questo aspetto: separa la pittura dal muro e accentua la sua presenza di oggetto.
Mise in prospettiva nell’opera di GABAN
Racines du tumulte appartiene a Tensions & Transformations, una serie in cui GABAN lavora sugli stati di rottura piuttosto che sugli stati di passaggio. L’opera ne approfondisce un motivo ricorrente, quello dell’ancoraggio instabile: del vivente fratturato poi ricostituito, non riparato ma ricomposto diversamente. Si distingue dalle tele più chiare del periodo per la sua economia cromatica, quasi interamente ridotta ai terreni e ai grigi, e dal rifiuto di qualsiasi zona di riposo. Il formato quadrato, associato allo schienale spesso, le conferisce una frontalità che contrasta con le composizioni sospese di Seuils & Passages. È un’opera di resistenza più che di transizione.
Eco nell’arte contemporanea
Il vocabolario — proiezione, coulimento, gesto libero, materia lasciata alla propria dinamica — appartiene alle astrazioni gestuali sviluppate dal dopoguerra, dove l’atto di dipingere vale come soggetto. L’attenzione ai toni di terra, di fuliggine e di bronzo, e il rifiuto del colorito seducente, la inseriscono in una sensibilità informale legata alla materia povera e ai suoi accidenti. L’opera si collega inoltre a un corrente contemporaneo più ampio, che prende il suolo e il sottosuolo come soggetti — strati, rizomi, reti sepolte — in risposta a una coscienza ecologica attenta a ciò che lavora sotto la superficie. Ciò che le appartiene in proprio è la verticalità: questo tumulo si tiene in piedi. Risonanze simboliche e spirituali
La radice è una figura paradossale: assicura la stabilità affondando in ciò che è molle, instabile e oscuro. L’opera prende sul serio questa contraddizione. Non propone un ancoraggio rassicurante ma un ancoraggio nel turbamento, che non elimina l’agitazione ma la converte in sostegno. In una lettura interiore, si può vedere una proposta su come una vita si tiene in piedi: non per eliminazione di ciò che la scuote, ma per incorporazione. La parte inferiore della tela, la più densa e più scura, non è il luogo della caduta; è il luogo in cui la materia si carica. Niente è risolto lì, ed è ciò che permette alla forma di elevarsi.
Conclusione
Racines du tumulte è un’opera di tensione sommessa, costruita su una verticalità che le proiezioni contrariano senza mai abbatterla. La sua forza risiede in questo equilibrio: una massa che sale, un disordine che la nutre, un bianco che lascia vedere l’uno e l’altro. Non cerca il placido, organizza la resistenza.
Presentazione
GABAN è il nome di un battito d'ali intime.
un soffio che non si soffoca più. Una vibrazione che impone la sua necessità. Pittore dell'emozione pura e della materia vivente, GABAN emerge tardi, ma con la certezza di essere, finalmente, là dove tutto converge.
Nato da una stirpe di artisti – nipote di Maxime Pierre André Verdier, pittore e professore alle Belle Arti, e figlio di Michel Verdier, medico patologista e laqueur – GABAN porta nelle sue vene la memoria dei gesti, la rigore dello sguardo e la libertà dei pigmenti. Ma è fuori dalle accademie che la sua opera prende forma. Alcuni corsi, rapidamente abbandonati. L'essenziale è altrove: nel frastuono dei colori, nell'impulso viscerale del gesto, nella tensione tra superficie e profondità. Non mai copiare il reale. Transpercarlo. Sentirlo. Inventarlo. In GABAN, l'emozione prevale sulla figurazione, la texture sulla linea. I suoi atelier, a Parigi e Aix-en-Provence, sono santuari. Da una parte un incorniciamento costruito per lei da suo compagno, dove si svolge la muta silenziosa di una vita parigina esigente e esposta, verso un'interiorità fertile. Lì, il parco della casa Ithaque dispiega la sua palette infinita di verdi, ocra, ombre umide. La natura non è una fonte di ispirazione: è una matrice, una partner, un doppio vivente. Dall'altra, il suo studio parigino dove i riflessi del sole sui tetti parigini sono tanti specchi delle anime, terreni fertili delle sue creazioni. GABAN, nome scelto con aplomb da una donna che si assume pienamente ma rifiuta le assegnazioni. L'ambizione non è di genere: diventare un grande artista, vendere le sue opere in vita, esistere nella materia e nel mercato. Che la storia dell'arte sia maggiormente maschile non è una limitazione, è un campo da reinventare. Apparsa alla pittura nel 2013 in un momento di frattura assumata con le convenzioni e l'auto-censura, GABAN entra nella creazione per effrazione. Il suo periodo “EMERGENCE" (2013-2017) è denso, minerale, sconvolto. Le tele portano i stigmi dell'eccesso, del caos interiore, delle falle tanto quanto della volontà di estrarre. La materia è grezza, talvolta nera, incisa, come un terreno bruciato ancora fumante. Dal 2025, un'era nuova si instaura: il periodo “CONVERGENCE", orientato al placarsi, all'accettazione, all'apertura. I colori si allargano, le forme respirano, i gesti si alleggeriscono senza mai perdere in intensità. GABAN non cerca più: GABAN è. E ogni tela lo dice con eleganza e potenza. GABAN non dipinge per ornare, ma per dire. Dire la bellezza fulminante del vivente, i combattimenti sotterranei dell'anima, e questa ricerca di un equilibrio sempre instabile tra esiguità, libertà e umanità.
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