Duo, dit aussi les deux frangins,
1948
par Georges Rouault
Édition : lithographie, gravure au burin 57 x 37.5 cm 22.4 x 14.8 inch
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À propos de l'œuvre
Œuvre numérotée et limitée à 50 exemplaires
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Édition: lithographie, gravure au burin
57 x 37.5 cm 22.4 x 14.8 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Non encadrée
Œuvre vendue en parfait état
Localisation de l’œuvre: France
Lithographie originale de Georges Rouault imprimée par l'atelier Mourlot.
Nr 10/50 HC
Étroitement associée à l’œuvre de Rouault, la figure du clown, prolongée par l’image plus tardive des Pierrots, est devenue emblématique. Accompagnant initialement les personnages de la Commedia dell’arte, ceux-ci se substituent progressivement aux premiers pour constituer la figure rémanente du cirque, multipliée jusqu’aux toutes dernières années.
Rouault a peint plusieurs duos dans les années 1940. Il établit fréquemment une opposition entre deux figures (Acrobates, Nus, Duos), tant dans leurs proportions que dans l’attitude : elles occupent inégalement la surface de la peinture, la grande au premier plan et la petite en retrait, souvent partiellement dissimulée, l’une de face, l’autre de profil.
Dans cette œuvre de 1948, le traitement plastique reflète particulièrement l’évolution de la manière de Rouault et l’apaisement de sa réflexion. La perception tragique exprimée par les « Clowns » de la première période s’efface derrière les visages énigmatiques des « Pierrots ». Une douceur voilée les réunit dans une proximité où chacun semble exprimer un sentiment qu’il ne communique pas à l’autre. Le regard mélancolique du plus grand ne se porte pas sur la petite figure qui traduit une confiance complice. Rouault donne ici une image empreinte de gravité et d’innocence ambiguë, communiquée par la grâce diffusée, presque féminine, des « deux frangins » au sourire fragile. La luminosité de la palette, tout en nuances pastel rehaussées de blanc, accentue leur délicatesse juvénile. L’ovale, qui souligne la sacralité des sujets religieux, est aussi un procédé de composition fréquemment employé par Rouault après 1945. Il permet un contraste de couleur et un effet de profondeur qui rapproche le sujet.
Rouault s’est identifié à Pierrot dans des peintures où « la tête regarde droit jusqu’à l’âme » (Georges Salles, Georges Rouault, Paris, Éd. des Musées nationaux, 1952, p. 6). Âgé de soixante-dix-sept ans, il exécute un portrait intime révélant la sérénité qui accompagna sa maturité.
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Nr 10/50 HC
Étroitement associée à l’œuvre de Rouault, la figure du clown, prolongée par l’image plus tardive des Pierrots, est devenue emblématique. Accompagnant initialement les personnages de la Commedia dell’arte, ceux-ci se substituent progressivement aux premiers pour constituer la figure rémanente du cirque, multipliée jusqu’aux toutes dernières années.
Rouault a peint plusieurs duos dans les années 1940. Il établit fréquemment une opposition entre deux figures (Acrobates, Nus, Duos), tant dans leurs proportions que dans l’attitude : elles occupent inégalement la surface de la peinture, la grande au premier plan et la petite en retrait, souvent partiellement dissimulée, l’une de face, l’autre de profil.
Dans cette œuvre de 1948, le traitement plastique reflète particulièrement l’évolution de la manière de Rouault et l’apaisement de sa réflexion. La perception tragique exprimée par les « Clowns » de la première période s’efface derrière les visages énigmatiques des « Pierrots ». Une douceur voilée les réunit dans une proximité où chacun semble exprimer un sentiment qu’il ne communique pas à l’autre. Le regard mélancolique du plus grand ne se porte pas sur la petite figure qui traduit une confiance complice. Rouault donne ici une image empreinte de gravité et d’innocence ambiguë, communiquée par la grâce diffusée, presque féminine, des « deux frangins » au sourire fragile. La luminosité de la palette, tout en nuances pastel rehaussées de blanc, accentue leur délicatesse juvénile. L’ovale, qui souligne la sacralité des sujets religieux, est aussi un procédé de composition fréquemment employé par Rouault après 1945. Il permet un contraste de couleur et un effet de profondeur qui rapproche le sujet.
Rouault s’est identifié à Pierrot dans des peintures où « la tête regarde droit jusqu’à l’âme » (Georges Salles, Georges Rouault, Paris, Éd. des Musées nationaux, 1952, p. 6). Âgé de soixante-dix-sept ans, il exécute un portrait intime révélant la sérénité qui accompagna sa maturité.
À propos du vendeur
GALERIE GUILLAUME • France
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Fils d'un ébéniste breton, Alexandre François Joseph Rouault, et d'une fruitière parisienne, Marie-Louise Champdavoine, il voit le jour dans une cave du no 51 de la rue de la Villette au cours d'un bombardement des Versaillais. C'est son grand-père maternel qui lui fit découvrir l'art. En 1886, Georges Rouault devient apprenti chez le peintre de vitraux Émile Hirsch et suit les cours du soir de l'École nationale supérieure des arts décoratifs à Paris. Employé par le même Hirsch de 1887 à 1890, puis en 1891, il est admis à l'École des beaux-arts de Paris dans l'atelier de Jules-Élie Delaunay et, à la mort de ce dernier, entre dans l'atelier de Gustave Moreau où il côtoie Matisse, Marquet, Manguin, Huyot et Léon Lehmann auquel il restera très lié. Il participe à deux reprises au concours du prix de Rome mais sans succès, la première fois en 1893 avec Samson tournant la meule, pour lequel il obtient le prix Chenavard en 1894 et, en 1895, avec Jésus parmi les Saintes femmes, pour lequel il obtient le prix Fortin d'Ivry.
En 1898 il est nommé, selon les vœux du maître, conservateur du musée Gustave Moreau, à Paris, dès son inauguration cette année-là. C'est pour lui une période difficile, sa famille part pour l'Algérie, et sa santé l'oblige à faire deux séjours en Haute-Savoie. En 1901, il fréquente l'abbaye de Ligugé et y fait la connaissance de Joris-Karl Huysmans.
Avec les peintres Henri Matisse et Albert Marquet, Georges Rouault fonde le Salon d'automne en 1903. Georges Rouault aborde des thèmes liés à une observation critique de la société : juges, avocats, salles d'audience, miséreux, émigrés, fugitifs, sont autant le reflet d'une révolte face à la misère humaine qu'un prétexte à des recherches sur les formes et les couleurs1 Il a une influence sur le travail du sculpteur caricaturiste italien César Giris.
En 1904, il fait la connaissance de Léon Bloy dont l'œuvre le touche profondément et de façon durable. Quelques années plus tard, il fréquente à Versailles le philosophe catholique Jacques Maritain. C'est entre 1906 et 1907 qu'il commence à peindre des céramiques. Le 27 janvier 1908, il épouse Marthe Le Sidaner (1873-1973, sœur du peintre Henri Le Sidaner), qui lui donnera quatre enfants.
Profondément catholique, il reconnaît dans cette humanité souffrante le visage du Christ qu'il recherche dans de nombreuses toiles évoquant sa Passion, à l'exemple du tableau Le Christ bafoué par les soldats (1932). Ce thème récurrent « perd son accent moralisateur pour prendre une nouvelle tension dramatique, dans un lyrisme fait d'abandon ascétique qui voit dans la splendeur de l'image une sorte de reflet céleste…2 »
Dès 1910, les collectionneurs et les marchands reconnaissent la grande force de son œuvre, notamment Maurice Girardin ou Ambroise Vollard qui, en 1917, lui achète l'ensemble des toiles de son atelier, soit 770 œuvres. C'est en 1917 qu'il se lance dans la gravure, et 4 ans plus tard, en 1921, Michel Puy réalise sa première biographie.
En 1938, le Museum of Modern Art de New York fait une exposition de son œuvre gravé. C'est l'année suivante au mois de septembre qu'il s'installe à Beaumont-sur-Sarthe, qu'il quittera en juin 1940, pour y revenir de 1943 à 1946.
En 1946, après la mort de Vollard, il se trouve en procès avec les héritiers. Le Tribunal lui reconnaît la propriété de ses œuvres.
Georges Rouault brûle 315 de ses tableaux en 1948 en présence d'un huissier. Il arrête de peindre en 1957. À sa mort, en 1958, le gouvernement français décide de lui faire des obsèques nationales à l'église Saint-Germain-des-Prés à Paris.
Son prestige en tant que coloriste et graveur n'a cessé de s'étendre, notamment au Japon et en Corée. Il est considéré comme l'un des peintres religieux les plus importants du xxe siècle3.
Sa famille a fait une donation d'un ensemble de ses œuvres à l'État en 1963.
Son dernier atelier, installé dans un appartement près de la gare de Lyon, au 2 rue Émile-Gilbert à Paris 12e arrondissement, est conservé par sa famille dans l'état où il l'a quitté et sert de siège social à la Fondation Georges-Rouault. Volume, orientation (sud) et aménagement en font un atelier inhabituel.
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